หนังตลอดกาล
การปรับตัว
แม้ว่าจะได้รับแรงบันดาลใจจากเรื่องHeart of Darkness ของโจเซฟ คอนราดแต่ภาพยนตร์เรื่องนี้ก็เบี่ยงเบนไปจากแหล่งข้อมูลอย่างมาก โนเวลลาที่สร้างจากประสบการณ์ของคอนราดในฐานะกัปตันเรือกลไฟในแอฟริกา ตั้งอยู่ในรัฐอิสระคองโกในช่วงศตวรรษที่ 19 [15]เคิร์ตซ์และมาร์โลว์ (ซึ่งมีตัวละครที่สอดคล้องกันในภาพยนตร์คือ ร.อ. วิลลาร์ด) ทำงานให้กับบริษัทการค้าของเบลเยียมที่เอาเปรียบคนงานชาวแอฟริกันพื้นเมืองอย่างไร้ความปราณี [ จำเป็นต้องอ้างอิง ]
หลังจากมาถึงด่านหน้าของเคิร์ตซ์ มาร์โลว์สรุปว่าเคิร์ตซ์เสียสติไปแล้วและปกครองชนเผ่าเล็กๆ ในฐานะเทพเจ้า โนเวลลาจบลงด้วยการที่เคิร์ตซ์เสียชีวิตระหว่างเดินทางกลับ และผู้บรรยายรำพันถึงความมืดมนของจิตใจมนุษย์: "หัวใจแห่งความมืดมิดอันเวิ้งว้าง" [ จำเป็นต้องอ้างอิง ]
ในโนเวลลา มาร์โลว์เป็นนักบินของเรือแม่น้ำที่ส่งไปเก็บงาช้างจากด่านหน้าของเคิร์ตซ์ แต่ค่อยๆ หลงใหลในตัวเคิร์ตซ์ ในความเป็นจริง เมื่อเขาพบว่าเคิร์ตซ์มีสุขภาพย่ำแย่ มาร์โลว์พยายามพาเขากลับบ้านอย่างปลอดภัย ในภาพยนตร์เรื่องนี้ วิลลาร์ดเป็นมือสังหารที่ถูกส่งไปสังหารเคิร์ตซ์ อย่างไรก็ตาม การพรรณนาถึงเคิร์ตซ์ในฐานะผู้นำที่เหมือนพระเจ้าของชนเผ่าพื้นเมืองและไข้มาเลเรียของเขา อัศเจรีย์ที่เป็นลายลักษณ์อักษรของเคิร์ตซ์ "กำจัดสัตว์เดรัจฉานทั้งหมด!" (ซึ่งปรากฏในภาพยนตร์เรื่องนี้ว่า "ทิ้งระเบิด กำจัดพวกมันทั้งหมด!") และคำพูดสุดท้ายของเขา "The horror! The horror!" นำมาจากโนเวลลาของคอนราด [ จำเป็นต้องอ้างอิง ]
คอปโปลาให้เหตุผลว่าหลายตอนในภาพยนตร์ เช่น หอกและลูกศรโจมตีเรือ เป็นต้น เคารพจิตวิญญาณของโนเวลลาและโดยเฉพาะอย่างยิ่งการวิจารณ์แนวคิดเรื่องอารยธรรมและความก้าวหน้า ตอนอื่น ๆ ที่ดัดแปลงโดย Coppola ทางออกของ Playboy Playmates (Sirens) วิญญาณที่หลงทาง "พาฉันกลับบ้าน" ที่พยายามจะไปถึงเรือและชาวพื้นเมือง (หน้าขาว) ของเคิร์ตซ์แยกเรือแคนู (ประตูนรก) ให้กับวิลลาร์ด (กับเชฟและแลนซ์) เพื่อเข้าไปในค่ายเปรียบได้กับ Virgil และ "The Inferno" ( Divine Comedy ) โดยDante ในขณะที่คอปโปลาแทนที่ลัทธิล่าอาณานิคมของ ยุโรปด้วย การแทรกแซงของ อเมริกาข้อความในหนังสือของคอนราดยังคงชัดเจน [16]
มักมีการสันนิษฐานว่าการตีความ ตัวละคร เคิร์ ตซ์ของคอปโปลา มีต้นแบบมาจากโทนี่ โปเจ้าหน้าที่ทหารที่ได้รับการตกแต่งอย่างงดงามในยุคเวียดนามจากแผนกกิจกรรมพิเศษของ ซีไอเอ การ กระทำของโพในเวียดนามและใน "สงครามลับ" ในประเทศเพื่อนบ้านอย่างลาว โดยเฉพาะอย่างยิ่งวิธีการทำสงครามที่นอกรีตอย่างมากและมักจะป่าเถื่อน แสดงความคล้ายคลึงกันหลายอย่างกับตัวละครเคิร์ตซ์; ตัวอย่างเช่น เป็นที่ทราบกันดีว่า Poe ปล่อยศีรษะที่ถูกตัดขาดจากเฮลิคอปเตอร์ไปยังหมู่บ้านที่ศัตรูควบคุม ซึ่งเป็นรูปแบบหนึ่งของสงครามจิตวิทยาและใช้หูมนุษย์บันทึกจำนวนศัตรูที่กองทหารพื้นเมืองของเขาสังหาร เขาจะส่งหูเหล่านี้กลับไปยังผู้บังคับบัญชาของเขาเพื่อพิสูจน์ประสิทธิภาพของปฏิบัติการของเขาในลาว [18] [19]คอปโปลาปฏิเสธว่าโพเป็นอิทธิพลหลักและกล่าวว่าตัวละครมีพื้นฐานมาจากกองกำลังพิเศษอย่างพันเอกRobert B. Rheaultซึ่งเป็นหัวหน้ากลุ่มกองกำลังพิเศษที่ 5 (พฤษภาคมถึงกรกฎาคม 2512) และเป็นเจ้าของในปี 2512 การจับกุมคดีฆาตกรรมสายลับสองหน้าผู้ต้องสงสัยThai Khac ChuyenในNha Trangทำให้เกิดข่าวร่วมสมัยจำนวนมาก ในเรื่องGreen Beret Affair [ 20]รวมถึงการเผยแพร่วลี " ยุติด้วยอคติอย่างสุดโต่ง "", [21]ซึ่งใช้อย่างเด่นชัดในภาพยนตร์[ ต้องการอ้างอิง ]
ตัวละครของพันโท Bill Kilgore มีพื้นฐานมาจากตัวละครหลายตัว รวมถึง John B. Stockton ผู้บัญชาการกองร้อยที่ 1กรมทหารม้าที่ 9ในเวียดนาม และนายพลทหารราบในตำนานJames F. Hollingsworth [22]
การใช้บทกวีของ TS Eliot
ในภาพยนตร์เรื่องนี้ ไม่นานก่อนที่ผู้พันเคิร์ตซ์จะเสียชีวิต เขาท่องส่วนหนึ่งของบทกวี " The Hollow Men " ของ ทีเอส เอเลียต บทกวีนำหน้าในฉบับพิมพ์ด้วยบทประพันธ์ "มิสทาห์ เคิร์ตซ์ – เขาตายแล้ว" ซึ่งเป็นข้อความอ้างอิงจากHeart of Darkness ของคอน ราด [23]
หนังสือสองเล่มที่เห็นเปิดบนโต๊ะของเคิร์ตซ์ในภาพยนตร์เรื่องนี้ ได้แก่From Ritual to RomanceโดยJessie WestonและThe Golden BoughโดยSir James Frazerหนังสือสองเล่มที่ Eliot อ้างถึงเป็นแหล่งข้อมูลหลักและแรงบันดาลใจสำหรับบทกวีของเขา " The Waste Land " ต้นฉบับของ Eliot สำหรับ "The Waste Land" คือข้อความนี้จากHeart of Darknessซึ่งลงท้ายด้วยคำพูดสุดท้ายของ Kurtz: [24]
เมื่อวิลลาร์ดได้รับการแนะนำให้รู้จักกับตัวละครของเดนนิส ฮอปเปอร์เป็นครั้งแรก นักข่าวช่างภาพบรรยายถึงคุณค่าของเขาเกี่ยวกับคุณค่าในตัวเคิร์ตซ์ว่า: "ฉันน่าจะเป็นกรงเล็บขาดๆ เจ. อัลเฟรด พรู ฟร็อก ". [25]นอกจากนี้ ตัวละครของเดนนิส ฮอปเปอร์ ยังถอดความจุดจบของ "The Hollow Men" เป็นตัวละครของมาร์ติน ชีน: "นี่คือวิธีที่โลกร่วมเพศจะจบลง! [...] ไม่ใช่ด้วยเสียงโครมคราม แต่ด้วยเสียงครวญคราง" [26]
การผลิต
การพัฒนา
ขณะทำงานเป็นผู้ช่วยของฟรานซิส ฟอร์ด คอปโปลาเรื่องThe Rain People ในปี 1967 ผู้อำนวยการสร้างภาพยนตร์ จอห์น มิลิอุสได้รับการสนับสนุนจาก จอร์จ ลูคัสและสตีเวน สปีลเบิร์กเพื่อนของเขาให้เขียนบทภาพยนตร์สงครามเวียดนาม [27] [1]Milius ต้องการเป็นอาสาสมัครในสงคราม และรู้สึกผิดหวังเมื่อเขาถูกปฏิเสธเนื่องจากเป็นโรคหอบหืด เขา เกิดความคิดที่จะดัดแปลงเนื้อเรื่องของHeart of Darkness ของโจเซฟ คอนราดสู่ฉากสงครามเวียดนาม เขาเคยอ่านนวนิยายเรื่องนี้ตอนเป็นวัยรุ่นและนึกถึงเรื่องนี้เมื่ออาจารย์ภาษาอังกฤษในวิทยาลัยของเขา เออร์วิน แบล็คเกอร์ จาก USC กล่าวถึงความพยายามหลายครั้งที่ไม่ประสบความสำเร็จในการดัดแปลงเป็นภาพยนตร์ แบล็คเกอร์ท้าทายชั้นเรียนของเขาโดยกล่าวว่า "ไม่มีนักเขียนบทคนใดเคยสร้างภาพยนตร์ที่ดัดแปลงมาจากHeart of Darkness ของโจเซฟ คอนราดได้อย่างสมบูรณ์แบบ " [29] [30] [ข]
คอปโปลาให้เงิน Milius 15,000 ดอลลาร์เพื่อเขียนบทภาพยนตร์โดยสัญญาว่าจะเพิ่มอีก 10,000 ดอลลาร์หากไฟเขียว [31] [32]มิเลียสอ้างว่าเขาเขียนบทภาพยนตร์ในปี พ.ศ. 2512 เขาต้องการใช้นวนิยายของคอนราดเป็น [31]บางแหล่งระบุว่าชื่อดั้งเดิมของ Milius คือThe Psychedelic Soldier [33]แต่ Milius โต้แย้งเรื่องนี้ในการสัมภาษณ์ปี 2010 โดยอ้างว่าApocalypse Nowเป็นชื่อที่ตั้งใจไว้เสมอ [34]
มิเลียสสร้างตัวละครวิลลาร์ดและเคิร์ตซ์บางส่วนจากเพื่อนของเขา เฟร็ด เร็กซ์เซอร์ Rexer อ้างว่ามีประสบการณ์โดยตรงกับฉากที่ถ่ายทอดโดยตัวละครของ Brando ที่แขนของชาวบ้านถูกแฮกโดยเวียดกง; และเคิร์ตซ์มีพื้นฐานมาจาก Robert B. Rheault หัวหน้าหน่วยรบพิเศษในเวียดนาม [35]นักวิชาการไม่เคยพบหลักฐานใด ๆ ที่ยืนยันคำกล่าวอ้างของ Rexer หรือพฤติกรรมใด ๆ ที่คล้ายคลึงกันของเวียดกง และถือว่าเป็นตำนานเมือง [36] [37]ชื่อApocalypse Nowได้รับแรงบันดาลใจจากป้ายกระดุมที่เป็นที่นิยม ในหมู่ พวกฮิปปี้ในช่วงปี 1960 ที่เขียนว่า "Nirvana Now" [38]
มีอยู่ช่วงหนึ่ง คอปโปลาบอกกับมิเลียสว่า "เขียนทุกฉากที่คุณต้องการเข้าไปในภาพยนตร์เรื่องนั้น" [29]และเขาเขียนแบบร่างสิบฉบับ จำนวนมากกว่าหนึ่งพันหน้า เขาได้รับอิทธิพลจากบทความของMichael Herrเรื่อง "The Battle for Khe Sanh" ซึ่งกล่าวถึงยาเสพติด ร็อกแอนด์โรล และผู้คนที่เรียกการโจมตีทางอากาศใส่ตนเอง เขา ยังได้รับแรงบันดาล ใจ จากภาพยนตร์เช่นDr. Strangelove
Milius กล่าวว่าบทคลาสสิก "Charlie don't surf" ได้รับแรงบันดาลใจจากความคิดเห็นของAriel Sharonในช่วงสงครามหกวันเมื่อเขาออกไปดำน้ำหลังจากยึดดินแดนของศัตรูและประกาศว่า "เรากำลังกินปลาของพวกเขา" เขาพูดว่า "ฉันชอบกลิ่นของต้นปาล์มในตอนเช้า" เพิ่งมาถึงเขา [40]
Warner Bros. - Seven Artsซื้อบทภาพยนตร์ในปี 1969 แต่ทำให้มันพลิกผัน และ รู้สึกว่าลูคัสเป็นคนที่เหมาะสมสำหรับงานนี้ ลูคัสทำงานร่วมกับ Miliusเป็นเวลาสี่ปีในการพัฒนาภาพยนตร์เรื่องนี้ ในขณะที่ทำงานในภาพยนตร์เรื่องอื่น ๆ รวมถึงบทของเขาสำหรับStar Wars เขาเข้าใกล้Apocalypse Nowในฐานะหนังตลกสีดำ , [ 43 ]และตั้งใจจะถ่ายทำหลังจากสร้างTHX 1138โดยการถ่ายภาพหลักจะเริ่มในปี 1971 [31] Gary Kurtzเพื่อนและโปรดิวเซอร์ของ Lucasเดินทางไปฟิลิปปินส์ สำรวจสถานที่ที่เหมาะสม พวกเขาตั้งใจจะถ่ายทำภาพยนตร์เรื่องนี้ทั้งในนาข้าวระหว่างสต็อกตันและซาคราเมนโต แคลิฟอร์เนียและในสถานที่จริงในเวียดนามใต้ด้วยงบประมาณ 2 ล้านดอลลาร์ สไตล์ ภาพยนตร์โดยใช้ กล้อง 16 มม.และทหารจริงๆ ในขณะที่สงครามยังดำเนินอยู่ กำลังเกิดขึ้น. [29] [42] [44]อย่างไรก็ตาม เนื่องจากความกังวลด้านความปลอดภัยของสตูดิโอและการมีส่วนร่วมของลูคัสกับAmerican GraffitiและStar Warsลูคัสจึงตัดสินใจระงับโปรเจ็กต์นี้ [31] [42]
ก่อนการผลิต
คอปโปลาสนใจบทของมิเลียส ซึ่งเขาอธิบายว่าเป็น "เรื่องขบขันและสยองขวัญเชิงจิตวิทยาที่น่ากลัว" และได้รับลิขสิทธิ์ ใน ฤดูใบไม้ผลิปี พ.ศ. 2517 เขาได้หารือกับเพื่อนและผู้ร่วมอำนวยการสร้างFred RoosและGrey Fredericksonถึงแนวคิดในการผลิตภาพยนตร์เรื่องนี้ [46]เขาขอให้ลูคัสและมิเลียสกำกับ แต่ทั้งคู่เกี่ยวข้องกับโปรเจ็กต์อื่น [46] (ลูคัสได้เดินหน้าสร้างStar Warsแล้ว[29]) คอปโปลาตั้งใจแน่วแน่ที่จะสร้างภาพยนตร์เรื่องนี้และมุ่งไปข้างหน้าด้วยตัวเอง เขามองว่ามันเป็นคำแถลงที่ชัดเจนเกี่ยวกับธรรมชาติของสงครามสมัยใหม่ ความแตกต่างระหว่างความดีและความชั่ว และผลกระทบของวัฒนธรรมอเมริกันต่อส่วนอื่นๆ ของโลก เขากล่าวว่าเขาต้องการพาผู้ชม "ผ่านประสบการณ์ที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนของสงคราม และให้พวกเขาตอบสนองได้เท่ากับผู้ที่ผ่านสงครามมา" [45]
ในปี พ.ศ. 2518 คอปโปลาหวังว่าจะได้รับความร่วมมือจากกองทัพสหรัฐฯและสำรวจที่ตั้งทางทหารในจอร์เจียและฟลอริดา [1]แต่กองทัพไม่สนใจ ในขณะที่โปรโมตThe Godfather Part IIในออสเตรเลีย คอปโปลาและผู้อำนวยการสร้างของเขาได้สำรวจสถานที่ที่เป็นไปได้สำหรับApocalypse Nowในเมืองแคนส์ทางตอนเหนือของรัฐควีนส์แลนด์เนื่องจากมีป่าที่คล้ายกับของเวียดนาม[47]และในมาเลเซีย [1]เขาตัดสินใจสร้างภาพยนตร์เรื่องนี้ในฟิลิปปินส์เนื่องจากสามารถเข้าถึงอุปกรณ์ทางทหารของอเมริกาและแรงงานราคาถูก ผู้ประสานงานการผลิต Fred Roos ได้สร้างภาพยนตร์ทุนต่ำสองเรื่องที่นั่นสำหรับMonte Hellmanและมีเพื่อนและผู้ติดต่ออยู่ที่นั่น เฟ รดเดอริกสันไปฟิลิปปินส์และรับประทานอาหารค่ำกับประธานาธิบดีเฟอร์ดินานด์ มาร์กอสเพื่อสนับสนุนการผลิตอย่างเป็นทางการและอนุญาตให้ใช้ยุทโธปกรณ์ทางทหารของประเทศได้ คอปโปลาใช้เวลาไม่กี่เดือนสุดท้ายของปี พ.ศ. 2518 ในการแก้ไขสคริปต์ของมิเลียสและเจรจากับUnited Artistsเพื่อจัดหาเงินทุนสำหรับการผลิต Milius อ้างว่ามันจะเป็น "ภาพยนตร์ที่มีความรุนแรงที่สุดเท่าที่เคยสร้างมา" [1]จากข้อมูลของ Frederickson งบประมาณประมาณ 12 ถึง 14 ล้านเหรียญสหรัฐ [49] American Zoetropeของคอปโปลาได้รับ 7.5 ล้านดอลลาร์จาก United Artists สำหรับสิทธิ์การจัดจำหน่ายในประเทศ และ 8 ล้านดอลลาร์จากการขายในต่างประเทศ โดยสันนิษฐานว่าภาพยนตร์เรื่องนี้จะแสดงโดย Marlon Brando, Steve McQueenและGene Hackman [45]
การคัดเลือกนักแสดง
สตีฟ แมคควีนเป็นตัวเลือกแรกของคอปโปลาในบทวิลลาร์ด แต่แมคควีนไม่ต้องการออกจากอเมริกาเป็นเวลาสามเดือน และคอปโปลาไม่เต็มใจที่จะจ่ายค่าธรรมเนียม 3 ล้านดอลลาร์ของเขา [1]เมื่อแมคควีนลาออกในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2519 คอปโปลาต้องคืนเงิน 5 ล้านดอลลาร์จาก 21 ล้านดอลลาร์ที่เขาหามาได้ [1] อัล ปาชิโนได้รับบทนี้ด้วย แต่เขาก็ไม่อยากจากไปนานขนาดนั้นเช่นกัน และกลัวที่จะล้มป่วยในป่าเหมือนกับที่เขาเคยทำในสาธารณรัฐโดมินิกันระหว่างการถ่ายทำThe Godfather Part II แจ็ ค นิโคลสัน , โรเบิร์ต เรดฟอร์ดและเจมส์ คานถูกทาบทามให้เล่นเคิร์ตซ์หรือวิลลาร์ด [44] คีธ คาร์ราดีน ,นิค โนลเต้และ เฟรเดริก ฟอร์เรสต์ ก็ได้รับการพิจารณาให้วิลลาร์ดเช่นกัน ในการ ให้สัมภาษณ์ของ The Hollywood Reporter ในปี 2558 Clint Eastwoodเปิดเผยว่า Coppola เสนอให้เขารับบทเป็น Willard แต่ก็เหมือนกับ McQueen และ Pacino เขาไม่ต้องการอยู่ห่างจากอเมริกาเป็นเวลานาน นอกจากนี้เขายังเปิดเผยว่า McQueen พยายามโน้มน้าวให้เขาเล่น Willard; McQueen อยากเล่นเป็น Kurtz เพราะเขาจะต้องทำงานเพียงสองสัปดาห์ [51]
คอปโปลายังเสนอบทพันเอกเคิร์ตซ์ให้กับออร์สัน เวลส์และลี มาร์วินซึ่งทั้งคู่ปฏิเสธ [52] [53] [54]
คอปโปลาและรูสประทับใจ ในบททดสอบของ มาร์ติน ชีนเรื่องไมเคิลในThe Godfatherและเขากลายเป็นตัวเลือกอันดับต้น ๆ ของพวกเขาในการแสดงเป็นวิลลาร์ด แต่เขาก็ตกลงรับโปรเจ็กต์อื่นไปแล้ว Harvey Keitelได้รับบทนี้จากผลงานของเขาในMean StreetsของMartin Scorsese ใน ช่วงต้นปี พ.ศ. 2519 คอปโปลาได้ชักชวนมาร์ลอน แบรนโดให้แสดงเป็นเคิร์ตซ์ โดยได้รับค่าจ้าง 2 ล้านเหรียญสหรัฐสำหรับการทำงานในสถานที่หนึ่งเดือนในเดือนกันยายน พ.ศ. 2519 แบรนโดยังได้รับ 10% ของค่าเช่าโรงละคร ขั้นต้น และ 10% ของสิทธิ์การขายทีวี ทำรายได้ให้เขาประมาณ 9 ล้านเหรียญสหรัฐ [56] [57]
แฮ็คแมนถูกกำหนดให้เล่นไวแอตต์ คาเนจ ซึ่งต่อมากลายเป็นคิลกอร์ รับบทโดยโรเบิร์ต ดูวัลล์ [1]เดนนิส ฮอปเปอร์ได้รับเลือกให้เป็นนักข่าวสงครามและผู้สังเกตการณ์ของเคิร์ตซ์; เมื่อคอปโปลาได้ยินฮ็อปเปอร์พูดไม่หยุดในสถานที่ เขาจำได้ว่าวาง เจมส์ คานเป็นตัวเลือกแรกในการเล่นผู้พันลูคัส แต่คานต้องการเงินมากเกินไปสำหรับสิ่งที่ถือเป็นส่วนย่อย และแฮร์ริสัน ฟอร์ดได้รับเลือกแทน
ก่อนออกเดินทางเพื่อถ่ายภาพหลัก คอปโปลาได้ออกโฆษณาในสื่อการค้าโดยประกาศว่า Keitel, Duvall และคนอื่นๆ เป็น "ตัวเลือกแรก" สำหรับภาพยนตร์เรื่องนี้ [1]นอกจากนี้ยังระบุรายชื่อนักแสดงคนอื่น ๆ ที่ไม่ปรากฏในภาพยนตร์เรื่องนี้ ได้แก่Harry Dean Stanton , Robby BensonและMichael Learned [1]
แซม บอ ททอม ส์, แลร์รี ฟิชเบิร์ น และอัลเบิร์ต ฮอลล์ต่างลงนามในข้อตกลงเจ็ดปีกับคอปโปลา รวมถึงการฝึกการแสดงที่พวกเขาเลือกในข้อตกลงของพวกเขา [1]บอตส์ติดพยาธิปากขอขณะถ่ายทำภาพยนตร์ในฟิลิปปินส์ และพยาธิ "ทำลายตับของเขา" [58]
หลักการถ่ายภาพ
เมื่อวันที่ 1 มีนาคม พ.ศ. 2519 คอปโปลาและครอบครัวบินไปมะนิลาและเช่าบ้านหลังใหญ่ที่นั่นเพื่อถ่ายทำสี่เดือนตามแผน [44] [1]อุปกรณ์ด้านเสียงและการถ่ายภาพมาจากแคลิฟอร์เนียตั้งแต่ปลายปี พ.ศ. 2518 จอห์น แอชลีย์ช่วยงานผลิตในฟิลิปปินส์ ภาพยนตร์เรื่องนี้มีกำหนดฉายในวันเกิดปีที่ 38 ของคอปโปลา คือวันที่ 7 เมษายน พ.ศ. 2520 [1]
การถ่ายทำเริ่มขึ้นในวันที่ 20 มีนาคม พ.ศ. 2519 ภายในเวลาไม่กี่วัน คอปโปลาไม่พอใจที่ฮาร์วีย์ ไคเทลเล่นงานวิลลาร์ด โดยกล่าวว่านักแสดง "พบว่าเป็นการยากที่จะเล่นเป็นผู้ชมเฉยๆ" แบรนโดไม่มีกำหนดถ่ายทำจนกระทั่งสามเดือนต่อมา เนื่องจากเขาไม่ต้องการทำงานในขณะที่ลูก ๆ ของเขากำลังปิดเทอม Keitel จึงออกจากโปรเจ็กต์ในเดือนเมษายนและออกจากข้อตกลงเจ็ดปีที่เขาเซ็นไว้เช่นกัน [1] [60]คอปโปลากลับไปลอสแองเจลิสและแทนที่ Keitel ด้วย Martin Sheen ซึ่งมาถึงฟิลิปปินส์เมื่อวันที่ 24 เมษายน[60]มีรายงานว่าจำเป็นต้องถ่ายทำใหม่เพียงสี่วันหลังจากการเปลี่ยนแปลง [1]
ไต้ฝุ่นโอลกาทำลายฉาก 40–80% ที่ไอบาและในวันที่ 26 พฤษภาคม พ.ศ. 2519 การผลิตก็ปิดลง Dean Tavoularis จำได้ว่า "ฝนเริ่มตกหนักขึ้นเรื่อย ๆ จนในที่สุดข้างนอกก็ขาวโพลนต้นไม้ทั้งหมดหักงอที่ 45 องศา" ลูกเรือบางคนติดอยู่ในโรงแรม ส่วนคนอื่นๆ อยู่ในบ้านหลังเล็กๆ ที่พายุพัดจนไม่สามารถเคลื่อนที่ได้ ฉาก Playboy Playmate ถูกทำลาย ทำลายตารางการถ่ายทำหนึ่งเดือน นักแสดงและทีมงานส่วนใหญ่เดินทางกลับสหรัฐอเมริกาเป็นเวลาหกถึงแปดสัปดาห์ Tavoularis และทีมของเขายังคงสำรวจสถานที่ใหม่ๆ และสร้างฉาก Playmate ใหม่ในสถานที่อื่น นอกจากนี้ การถ่ายทำยังมีบอดี้การ์ดคอยเฝ้าอยู่ตลอดในตอนกลางคืน และวันหนึ่งบัญชีเงินเดือนทั้งหมดก็ถูกขโมยไป ตามที่ภรรยาของคอปโปลากล่าวว่าเอลีเนอร์ , ภาพยนตร์เรื่องนี้ล่าช้ากว่ากำหนดหกสัปดาห์และเกินงบไป 2 ล้านเหรียญ; [61]คอปโปลายื่นคำร้องประกัน 500,000 ดอลลาร์สำหรับความเสียหายจากพายุไต้ฝุ่น[1]และรับเงินกู้จาก United Artists โดยมีเงื่อนไขว่าหากภาพยนตร์เรื่องนี้ไม่ได้สร้างค่าเช่าโรงละครเกิน 40 ล้านดอลลาร์ เขาจะต้องรับผิดชอบค่าเสียหายส่วนนี้ แม้จะมีค่าใช้จ่ายเพิ่มขึ้น แต่คอปโปลาสัญญากับUniversity of the Philippines Film Center 1% ของผลกำไร สูงสุด 1 ล้านดอลลาร์ สำหรับกองทุนเพื่อการศึกษาด้านภาพยนตร์ [1]
คอปโปลาบินกลับสหรัฐฯ ในเดือนมิถุนายน พ.ศ. 2519 เขาอ่านหนังสือเกี่ยวกับเจงกิสข่านเพื่อทำความเข้าใจกับตัวละครของเคิร์ตซ์ให้ดียิ่งขึ้น [61]เมื่อเริ่มถ่ายทำในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2519 [41]มาร์ลอน แบรนโดมาถึงมะนิลาด้วยน้ำหนักที่มากเกินไป และเริ่มทำงานร่วมกับคอปโปลาเพื่อเขียนตอนจบใหม่ ผู้กำกับลดทอนน้ำหนักของแบรนโดด้วยการแต่งตัวให้เขาเป็นสีดำ ถ่ายภาพเฉพาะใบหน้าของเขา และให้นักแสดงอีกคนที่สูงกว่าสองเท่ามาแสดงให้เขาเห็นว่าเป็นตัวละครที่เกือบจะเป็นตำนาน [63]
หลังคริสต์มาสปี 1976 คอปโปลาได้ดูภาพประกอบคร่าวๆ แต่ยังต้องปรับแต่งตอนจบ เขากลับมาที่ฟิลิปปินส์ในต้นปี พ.ศ. 2520 และกลับมาถ่ายทำต่อ [63]
เมื่อวันที่ 5 มีนาคมของปีนั้น ชีนซึ่งขณะนั้นอายุเพียง 36 ปี มีอาการหัวใจวายจนเกือบเสียชีวิต และต้องดิ้นรนเป็นระยะทางหนึ่งในสี่ไมล์เพื่อขอความช่วยเหลือ เมื่อถึงเวลานั้นภาพยนตร์เรื่องนี้ใช้งบเกินงบมาก ชีนกังวลว่าการระดมทุนจะถูกระงับหากข่าวเกี่ยวกับอาการของเขาไปถึงนักลงทุน และเขาอ้างว่าเขาป่วยเป็นโรคลมแดดแทน จนกระทั่งเขากลับมาที่กองถ่ายในวันที่ 19 เมษายนโจ เอสเตเวซ พี่ชายของเขา ก็เข้ามาแทนเขาและให้เสียงพากย์สำหรับตัวละครของเขา คอปโปลายอมรับในภายหลังว่าเขาไม่สามารถบอกได้อีกต่อไปว่าฉากใดเป็นของโจหรือมาร์ติน ซีเควน ซ์สำคัญในสวนฝรั่งเศสมีค่าใช้จ่ายหลายแสนดอลลาร์แต่ถูกตัดออกจากภาพยนตร์เรื่องสุดท้าย ข่าวลือเริ่มแพร่สะพัดว่าApocalypse Nowมีตอนจบหลายแบบ แต่ Richard Beggsซึ่งทำงานเกี่ยวกับองค์ประกอบเสียงกล่าวว่า "ไม่มีตอนจบห้าแบบ ข่าวลือเหล่านี้มาจากการที่คอปโปลาออกจากบทภาพยนตร์ดั้งเดิมบ่อยครั้ง คอปโปลายอมรับว่า เขา ไม่มีตอนจบเพราะแบรนโดอ้วนเกินไปที่จะเล่นฉากตาม ที่ เขียน ไว้ในสคริปต์ต้นฉบับ ด้วยความช่วยเหลือจากเดนนิส จาค็อบ คอปโปลาตัดสินใจว่าตอนจบอาจเป็น "ตำนานคลาสสิกของฆาตกรที่ขึ้นมาจากแม่น้ำ ฆ่าราชา แล้วตัวเองก็กลายเป็นราชา - มันคือFisher KingจากThe Golden Bough " [65]การถ่ายภาพหลักสิ้นสุดลงในวันที่ 21 พฤษภาคม พ.ศ. 2520 [66]หลังจาก 238 วัน [41]
หลังการผลิตและเสียง
งบประมาณเพิ่มขึ้นเป็นสองเท่าเป็นมากกว่า 25 ล้านดอลลาร์ และเงินกู้ของคอปโปลาจาก United Artists เพื่อเป็นทุนสนับสนุนได้ขยายออกไปเป็นมากกว่า 10 ล้านดอลลาร์ [1] UA ออกกรมธรรม์ประกันชีวิตมูลค่า 15 ล้านดอลลาร์ให้กับคอปโปลา เมื่อถึงเดือนมิถุนายน พ.ศ. 2520 คอปโปลาเสนอรถยนต์ บ้าน และ กำไรจาก The Godfatherเพื่อเป็นหลักทรัพย์ในการปิดฉากภาพยนตร์เรื่องนี้ [68] [1]เมื่อสตาร์วอร์สได้รับความนิยมอย่างมาก คอปโปลาส่งโทรเลขไปหาจอร์จ ลูคัสเพื่อขอเงิน [69]วันที่วางจำหน่ายถูกเลื่อนกลับไปเป็นฤดูใบไม้ผลิปี 1978 [1]
นักแต่งเพลงชาวญี่ปุ่นอิซาโอะ โทมิตะลงนามเพื่อแต่งเพลงประกอบต้นฉบับ โดยคอปโปลาต้องการให้ซาวด์แทร็กของภาพยนตร์เรื่องนี้ฟังดูเหมือนเพลงThe Planets ที่ดัดแปลงโดยกุสตาฟ โฮลต์ทางอิเล็กทรอนิกส์ ของโทมิตะ โทมิตะไปไกลถึงการร่วมทีมกับทีมงานภาพยนตร์ในฟิลิปปินส์ แต่ท้ายที่สุดแล้วสัญญาค่ายเพลงทำให้เขาไม่มีส่วนเกี่ยวข้อง ใน ฤดูร้อนปี 1977 คอปโปลาบอกกับWalter Murchว่าเขามีเวลาสี่เดือนในการประกอบเสียง Murch ตระหนักว่าเดิมทีบทได้รับการบรรยาย แต่ Coppola ละทิ้งความคิดนี้ในระหว่างการถ่ายทำ [66]เมิร์ชคิดว่ามีวิธีที่จะรวบรวมภาพยนตร์โดยไม่มีคำบรรยาย แต่ต้องใช้เวลาถึงสิบเดือน และตัดสินใจลองอีกครั้ง [71]เขาใส่กลับเข้าไปในบันทึกทั้งหมดด้วยตัวเขาเอง เมื่อถึงเดือนกันยายน คอปโปลาบอกกับภรรยาของเขาว่าเขารู้สึกว่า "มีโอกาสเพียง 20% ที่ [I] จะสามารถดึงหนังออกได้" เขา โน้มน้าวให้ผู้บริหารของ United Artists ชะลอการฉายรอบปฐมทัศน์จากเดือนพฤษภาคมเป็นตุลาคม พ.ศ. 2521 ผู้เขียนMichael Herrได้รับโทรศัพท์จาก Zoetrope ในเดือนมกราคม พ.ศ. 2521 และถูกขอให้ทำงานในการเล่าเรื่องของภาพยนตร์โดยอิงจากหนังสือที่ได้รับการตอบรับอย่างดีเกี่ยวกับเวียดนามDispatches [72]เขาบอกว่าคำบรรยายที่เขียนขึ้นนั้น "ไร้ประโยชน์โดยสิ้นเชิง" และใช้เวลาหนึ่งปีในการสร้างคำบรรยายใหม่ โดยคอปโปลาได้ให้แนวทางที่ชัดเจนแก่เขา [72]
Murch มีปัญหาในการพยายามสร้างซาวด์แทร็กสเตอริโอสำหรับApocalypse Nowเนื่องจากคลังเสียงไม่มีการบันทึกเสียงสเตอริโอของอาวุธ วัสดุเสียงที่นำกลับมาจากฟิลิปปินส์ไม่เพียงพอเนื่องจากทีมงานขนาดเล็กไม่มีเวลาและทรัพยากรในการบันทึกเสียงป่าและเสียงรอบข้าง Murch และทีมงานของเขาสร้างอารมณ์ของป่าในเพลงประกอบ Apocalypse Nowใช้เทคนิคเสียงใหม่สำหรับภาพยนตร์ เนื่องจาก Murch ยืนกรานที่จะบันทึกเสียงปืนที่ทันสมัยที่สุดและใช้ระบบ Dolby Stereo 70 มม. Six Trackสำหรับการเปิดตัว 70 มม. ซึ่งใช้เสียงสองช่องด้านหลังผู้ชมเช่นกัน เป็นสามช่องจากหลังจอภาพยนตร์ [72]การเปิดตัว 35 มม. ใช้Dolby Stereo ใหม่ระบบสเตอริโอออปติคัล แต่เนื่องจากข้อจำกัดของเทคโนโลยีในขณะนั้น การเปิดตัว 35 มม. ที่เล่นในโรงภาพยนตร์ส่วนใหญ่จึงไม่รวมเสียงรอบทิศทาง [73]ในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2521 คอปโปลาเลื่อนการเปิดออกไปจนถึงฤดูใบไม้ผลิปี พ.ศ. 2522 [74]ค่าใช้จ่ายที่มากเกินไปสูงถึง 18 ล้านดอลลาร์ ซึ่งคอปโปลาต้องรับผิดเป็นการส่วนตัว [75]
การโต้เถียง
ควาย ถูกฆ่าด้วย มีดแมเชเทสำหรับฉากสำคัญในพิธีกรรมที่ดำเนินการโดย ชนเผ่า Ifugao ในท้องถิ่น ซึ่งก่อนหน้านี้ Coppola ได้เห็นร่วมกับ Eleanor ภรรยาของเขา (ซึ่งถ่ายทำพิธีกรรมนี้ในภายหลังซึ่งแสดงในสารคดีHearts of Darkness ) และทีมงานภาพยนตร์ แม้ว่าจะเป็นการผลิตของอเมริกาภายใต้ กฎหมาย การทารุณกรรมสัตว์ของ อเมริกา แต่ฉากดังกล่าวที่ถ่ายทำในฟิลิปปินส์ไม่ได้รับการดูแลหรือตรวจสอบ American Humane Associationให้คะแนนภาพยนตร์เรื่องนี้ว่า "รับไม่ได้" [76]
ศพมนุษย์จริงๆ ถูกซื้อมาจากชายผู้กลายเป็นโจรปล้นสุสาน ตำรวจสอบปากคำทีมงานภาพยนตร์ ถือหนังสือเดินทาง และทหารนำศพออกไป แต่มีการใช้สิ่งพิเศษเพื่อปลอมตัวเป็นศพในภาพยนตร์แทน [77]
ในระหว่างการถ่ายทำ เดนนิส ฮอปเปอร์และมาร์ลอน แบรนโดไม่ลงรอยกัน ทำให้แบรนโดปฏิเสธที่จะเข้าร่วมฉากในเวลาเดียวกับฮอปเปอร์
การเรียบเรียงและการตีพิมพ์
ในปี พ.ศ. 2433 เมื่ออายุได้ 32 ปี คอนราดได้รับการแต่งตั้งจากบริษัทการค้าของเบลเยียมให้ประจำการบนเรือกลไฟลำหนึ่ง ขณะแล่นไปตามแม่น้ำคองโกจากสถานีหนึ่งไปยังอีกสถานีหนึ่ง กัปตันเริ่มป่วยและคอนราดเข้ารับตำแหน่งแทน เขานำทางเรือขึ้นลำน้ำสาขา ของแม่น้ำ LualabaไปยังสถานีKinduซึ่ง อยู่ด้านในสุดของบริษัทการค้า ในรัฐ อิสระคองโกตะวันออก Marlow มีประสบการณ์คล้ายกับผู้เขียน [5]
เมื่อคอนราดเริ่มเขียนโนเวลลา แปดปีหลังจากกลับมาจากแอฟริกา เขาได้รับแรงบันดาลใจจากบันทึกการเดินทาง ของ เขา เขาอธิบายว่าHeart of Darknessเป็น "เรื่องราวที่บ้าคลั่ง" ของนักข่าวที่กลายเป็นผู้จัดการสถานีในการตกแต่งภายใน (แอฟริกัน) และทำให้ตนเองเป็นที่เคารพบูชาของชนเผ่าพื้นเมือง นิทานเรื่องนี้ได้รับการตีพิมพ์ครั้งแรกเป็นอนุกรมสามตอนในเดือนกุมภาพันธ์ มีนาคม และเมษายน พ.ศ. 2442 ในนิตยสาร Blackwood's(กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2442 เป็นฉบับที่ 1,000 ของนิตยสาร: ฉบับพิเศษ) ในปี 1902 Heart of Darknessรวมอยู่ในหนังสือYouth: a Narrative, and Two Other Stories ตีพิมพ์เมื่อวัน ที่ 13 พฤศจิกายน 1902 โดยWilliam Blackwood
ปริมาณประกอบด้วยYouth: a Narrative , Heart of DarknessและThe End of the Tetherตามลำดับ ในปี 1917 สำหรับหนังสือรุ่นต่อๆ ไป คอนราดเขียน " บันทึกของผู้แต่ง " ซึ่งหลังจากปฏิเสธ "เอกภาพแห่งจุดประสงค์ทางศิลปะ" ที่เป็นรากฐานของคอลเลกชั่นนี้ เขากล่าวถึงเรื่องราวแต่ละเรื่องจากสามเรื่องและให้ความเห็นเล็กน้อยเกี่ยวกับมาร์โลว์ ผู้บรรยายเรื่อง นิทานในสองเรื่องแรก เขากล่าวว่า Marlow ปรากฏตัวครั้งแรกใน Youth
วันที่ 31 พฤษภาคม พ.ศ. 2445 ในจดหมายถึงวิลเลียม แบล็กวูด คอนราดกล่าวว่า
ฉันขอให้คุณเป็นตัวของตัวเองเพื่อเป็นสักขีพยาน ... หน้าสุดท้ายของHeart of Darknessที่บทสัมภาษณ์ของชายและหญิงล็อคอิน - เหมือนเดิม - คำอธิบายเรื่องเล่าทั้งหมด 30,000 คำในมุมมองเชิงชี้นำเดียวของช่วงทั้งหมด ชีวิตและทำให้เรื่องราวนั้นค่อนข้างแปลกใหม่มากกว่าเรื่องเล็ก ๆ น้อย ๆ ของชายผู้คลั่งไคล้ในใจกลางแอฟริกา [6]
มีแหล่งที่มามากมายสำหรับตัวละครของคู่อริเคิร์ตซ์ Georges-Antoine Kleinเจ้าหน้าที่ที่ป่วยและเสียชีวิตบนเรือกลไฟของ Conrad เสนอโดยนักวิจารณ์วรรณกรรมเพื่อเป็นพื้นฐานสำหรับเคิร์ตซ์ [7]บุคคลสำคัญที่เกี่ยวข้องใน "คอลัมน์ด้านหลัง" ที่หายนะของEmin Pasha Relief Expeditionได้รับการระบุว่าเป็นแหล่งที่น่าจะเป็นไปได้ รวมถึงหัวหน้าคอลัมน์Edmund Musgrave Barttelotพ่อค้าทาสTippu Tipและผู้นำการสำรวจHenry Morton Stanley นักสำรวจ ชาว เวลส์ [8] [9] Norman Sherryนักเขียนชีวประวัติของ Conradตัดสินว่า Arthur Hodister (1847–1892) พ่อค้าชาวเบลเยียมผู้สันโดษแต่ประสบความสำเร็จ เขาพูดภาษาคองโกได้สามภาษาและเป็นที่นับถือของชาวคองโกจนถึงจุดที่นับถือศาสนา เป็นต้นแบบหลัก ในขณะที่นักวิชาการรุ่นหลังได้หักล้างสมมติฐานนี้ [10] [11] [12] Adam HochschildในKing Leopold's Ghostเชื่อว่าทหารเบลเยียมLéon Romมีอิทธิพลต่อตัวละครนี้ Peter Firchowกล่าวถึงความเป็นไปได้ที่เคิร์ตซ์เป็นส่วนประกอบ โดยจำลองมาจากตัวเลขต่างๆ ที่มีอยู่ในรัฐอิสระคองโกในขณะนั้น เช่นเดียวกับจินตนาการของ Conrad ถึงสิ่งที่พวกเขาอาจมีเหมือนกัน [14]
แรงกระตุ้นในการแก้ไขเพื่อกำหนดกฎของคนๆ หนึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของงานเขียนของเคิร์ตซ์ซึ่งมาร์โลว์ค้นพบระหว่างการเดินทางของเขา โดยเขาพูดจาโผงผางในนามของ "สมาคมระหว่างประเทศเพื่อการปราบปรามศุลกากรที่ป่าเถื่อน" เกี่ยวกับเหตุผลที่เห็นแก่ผู้อื่นและอารมณ์อ่อนไหวของเขาที่คาดคะเนถึงอารยธรรม " ป่าเถื่อน"; เอกสารฉบับหนึ่งลงท้ายด้วยการประกาศอย่างมืดมนว่า "กำจัดสัตว์เดรัจฉานให้หมดสิ้น!" [15] "International Society for the Suppression of Savage Customs" ถูกตีความว่าเป็นการอ้างอิงแบบประชดประชันถึงหนึ่งในผู้เข้าร่วมการประชุมที่เบอร์ลินสมาคมระหว่างประเทศแห่งคองโก (หรือที่เรียกว่า " International Congo Society ")สมาคมระหว่างประเทศเพื่อการสำรวจและอารยธรรมแห่งแอฟริกากลาง ”.
The Wizard of Oz
การผลิต
การพัฒนา
การผลิตภาพยนตร์เรื่องนี้เริ่มต้นขึ้นเมื่อSnow White and the Seven Dwarfs (1937) ของWalt Disneyแสดงให้เห็นว่าภาพยนตร์ที่ดัดแปลงจากเรื่องราวของเด็กยอดนิยมและนิทานพื้นบ้านในเทพนิยายยังคงประสบความสำเร็จได้ [18] [19]ในเดือนมกราคม พ.ศ. 2481 เมโทร-โกลด์วิน-เมเยอร์ ซื้อสิทธิ์ใน นิยายยอดนิยมของแอล. แฟรงก์ บามจากซามูเอล โกลด์วิน โกลด์วินคิดเล่นๆ กับไอเดียในการสร้างภาพยนตร์เรื่องนี้เพื่อเป็นพาหนะสำหรับเอ็ดดี แคนทอร์ซึ่งอยู่ภายใต้สัญญากับซามูเอล โกลด์วิน โปรดักชันส์และผู้ที่โกลด์วินต้องการให้รับบทเป็นหุ่นไล่กา [19]
สคริปต์ต้องผ่านนักเขียนและการแก้ไขหลายครั้งก่อนที่จะถ่ายทำครั้งสุดท้าย [20] ผู้ช่วยของ Mervyn LeRoy , William H. Cannonได้ส่งโครงร่างสั้นสี่หน้า [20]เนื่องจากภาพยนตร์แฟนตาซีที่ผ่านมาไปได้ไม่ดีนัก เขาจึงแนะนำให้ปรับสีหรือถอดองค์ประกอบมหัศจรรย์ของเรื่องออก ในโครงร่างของเขา หุ่นไล่กาเป็นคนที่โง่เขลามากจนงานเดียวที่เปิดรับเขาคือการไล่อีกาออกจากไร่ข้าวโพด นอกจากนี้ในโครงร่างของเขา Tin Woodman ยังเป็นอาชญากรที่ไร้หัวใจจนเขาถูกตัดสินให้ถูกขังอยู่ในชุดสูทชั่วนิรันดร์ การทรมานนี้ทำให้เขากลายเป็นคนที่อ่อนโยนและใจดีมากขึ้น วิสัยทัศน์ของ Cannon คล้ายกับการดัดแปลงภาพยนตร์ของLarry Semon ในปี 1925ของเรื่องซึ่งขาดองค์ประกอบวิเศษ
หลังจากนั้น LeRoy จ้างนักเขียนบทภาพยนตร์Herman J. Mankiewiczซึ่งส่งร่างฉากแคนซัสความยาว 17 หน้าในไม่ช้า ไม่กี่สัปดาห์ต่อมา Mankiewicz ได้ส่งอีก 56 หน้า LeRoy ยังจ้างNoel LangleyและกวีOgden Nashเพื่อเขียนเรื่องราวในเวอร์ชันที่แยกจากกัน ทั้งสามคนนี้ไม่มีใครรู้เกี่ยวกับคนอื่นๆ และนี่ไม่ใช่ขั้นตอนที่ผิดปกติ แนชส่งโครงร่างสี่หน้า แลงลีย์หันมารับการรักษา 43 หน้าและบทภาพยนตร์แบบเต็ม จากนั้นแลงก์ลีย์ได้เปลี่ยนสคริปต์อีกสามบท คราวนี้รวมเพลงที่เขียนโดยแฮโรลด์ อาร์เลนและยิป ฮาร์เบิร์ก ฟลอเรนซ์ ไรเออ ร์สัน และเอ็ดการ์ อัลลัน วูล์ฟส่งสคริปต์และถูกนำขึ้นเครื่องเพื่อปรับแต่งการเขียน พวกเขาถูกถามเพื่อให้แน่ใจว่าเรื่องราวเป็นไปตามหนังสือของ Baum อย่างไรก็ตามโปรดิวเซอร์Arthur Freedไม่พอใจกับงานของพวกเขาและมอบหมายงานให้แลงก์ลีย์อีกครั้ง ในระหว่างการถ่ายทำVictor FlemingและJohn Lee Mahin ได้แก้ไขบทเพิ่มเติมโดยเพิ่มและตัดบางฉากออก Jack Haley และ Bert Lahr ยังเป็นที่รู้กันว่าเคยเขียนบทสนทนาของพวกเขาสำหรับซีเควนซ์แคนซัส
พวกเขาร่างสคริปต์ฉบับสุดท้ายเสร็จในวันที่ 8 ตุลาคม พ.ศ. 2481 หลังจากเขียนซ้ำหลายครั้ง [22]โดยรวมแล้ว มันเป็นการผสมผสานกันระหว่างความคิดสร้างสรรค์หลายๆ อย่าง แต่แลงลีย์ ไรเออร์สัน และวูล์ฟได้รับเครดิต นอกเหนือจากที่กล่าวมาแล้ว คนอื่นๆ ที่มีส่วนร่วมในการดัดแปลงโดยไม่ให้เครดิต ได้แก่Irving Brecher , Herbert Fields , Arthur Freed , Yip Harburg , Samuel Hoffenstein , Jack Mintz , Sid Silvers , Richard Thorpe , George CukorและKing Vidor [19]
นอกจากนี้ Ernie Harburg ลูกชายของนักแต่งเพลง (และผู้เขียนชีวประวัติ) รายงานว่า:
อย่างไรก็ตาม ยิปยังเขียนบทสนทนาทั้งหมดในช่วงเวลานั้นและการเตรียมเพลง และเขายังเขียนส่วนที่ให้หัวใจ สมอง และประสาท เพราะเขาเป็นคนแก้ไขบทสุดท้าย และเขา – มีนักเขียนบทภาพยนตร์ 11 คนในเรื่องนั้น – และเขาดึงเรื่องทั้งหมดมารวมกัน เขียนบทของตัวเองและให้เรื่องนี้สอดคล้องและเป็นเอกภาพซึ่งทำให้มันเป็นงานศิลปะ แต่เขาไม่ได้รับเครดิตสำหรับสิ่งนั้น เขาได้เนื้อเพลงโดย EY Harburg คุณเข้าใจไหม แต่อย่างไรก็ตาม เขามีอิทธิพลต่อสิ่งนี้ [23]
ผู้ผลิตดั้งเดิมคิดว่าผู้ชมในปี 1939 ซับซ้อนเกินไปที่จะยอมรับว่า Oz เป็นแฟนตาซีที่ตรงไปตรงมา ดังนั้นจึงถูกมองว่าเป็นลำดับความฝัน ที่ยาวและ ซับซ้อน เนื่องจากพวกเขาเล็งเห็นถึงความจำเป็นในการดึงดูดผู้ชมที่อายุน้อยด้วยการดึงดูดความสนใจจากแฟชั่นและสไตล์สมัยใหม่ โน้ตเพลงจึงมีเพลงชื่อ "The Jitterbug" และสคริปต์ได้นำเสนอฉากที่มีการแข่งขันดนตรีหลายรายการ เจ้าหญิงผู้เอาแต่ใจและเห็นแก่ตัวในออซได้ออกกฎหมายห้ามดนตรีทุกรูปแบบ ยกเว้นดนตรีคลาสสิกและโอเปเรต ต้า เจ้าหญิงทรงท้าทายโดโรธีในการประกวดร้องเพลง ซึ่งลีลาการแกว่ง ของโดโรธี ทำให้ผู้ฟังเคลิบเคลิ้มและได้รับรางวัลใหญ่ ส่วนนี้เขียนขึ้นครั้งแรกสำหรับBetty Jaynes , [24]แต่ถูกทิ้งในเวลาต่อมา
อีกฉากหนึ่งซึ่งถูกลบออกก่อนการอนุมัติบทสุดท้ายและไม่เคยถ่ายทำเลย คือฉากส่งท้ายในแคนซัสหลังจากโดโรธีกลับมา ก้อนใหญ่ (คู่หู Kansan กับหุ่นไล่กา) กำลังจะออกจากวิทยาลัยเกษตร และดึงคำสัญญาจากโดโรธีที่จะเขียนถึงเขา ฉากบอกเป็นนัยว่าความรักจะพัฒนาระหว่างคนทั้งสองในที่สุด ซึ่งอาจตั้งใจให้เป็นคำอธิบายสำหรับความลำเอียงของโดโรธีที่มีต่อหุ่นไล่กาเหนือเพื่อนอีกสองคนของเธอ แนวคิดพล็อตนี้ไม่เคยตกหล่นโดยสิ้นเชิง แต่เห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในบทสุดท้ายเมื่อโดโรธี ก่อนที่เธอจะออกจากออซ บอกหุ่นไล่กาว่า "ฉันคิดว่าฉันจะคิดถึงคุณมากที่สุด" [25]
ให้ความสนใจอย่างมากกับการใช้สีในการผลิต โดยทีมงานฝ่ายผลิตของ MGM ให้ความสำคัญกับบางสีมากกว่าสีอื่นๆ แผนกศิลป์ของสตูดิโอใช้เวลาเกือบหนึ่งสัปดาห์ในการปรับเฉดสีเหลืองที่ใช้สำหรับถนนอิฐเหลือง [26]
การคัดเลือกนักแสดง
มีรายงานว่ามีนักแสดงหญิงหลายคนได้รับการพิจารณาให้รับบทโดโรธี รวมถึงเชอร์ลีย์ เทมเพิลจาก20th Century Foxซึ่งเป็นดาราเด็กที่โดดเด่นที่สุดในขณะนั้น Deanna Durbinญาติผู้มาใหม่พร้อมเสียงโอเปร่าที่เป็นที่รู้จัก; และจูดี้ การ์แลนด์ผู้มีประสบการณ์มากที่สุดในสามคนนี้ อย่างเป็นทางการ การตัดสินใจเลือกการ์แลนด์มีสาเหตุมาจากปัญหาสัญญา
เดิมที เรย์ โบลเจอร์รับบทเป็น มนุษย์กระป๋อง และบัดดี้ เอ็บเซ็นรับบทเป็นหุ่นไล่กา อย่างไรก็ตามโบลเจอร์ปรารถนาที่จะเล่นหุ่นไล่กาเหมือนที่ เฟรดสโตนไอดอลในวัยเด็กของเขาเคยทำบนเวทีในปี 2445 ; ด้วยการแสดงนั้น Stone เป็นแรงบันดาลใจให้เขากลายเป็นนักแสดงละครตั้งแต่แรกเริ่ม ตอนนี้ไม่มีความสุขกับบทบาทของเขาในฐานะ Tin Man (มีรายงานว่าอ้างว่า "ฉันไม่ใช่นักแสดงดีบุก ฉันเหลวไหล") โบลเจอร์โน้มน้าวให้โปรดิวเซอร์ Mervyn LeRoy แต่งเขาใหม่ในส่วนที่เขาต้องการ [27]Ebsen ไม่คัดค้าน; หลังจากศึกษาพื้นฐานการเดินที่โดดเด่นของหุ่นไล่กากับ Bolger แล้ว (ในฐานะนักเต้นมืออาชีพ Ebsen ได้รับเลือกให้เข้าร่วมเพราะสตูดิโอมั่นใจว่าเขาจะสามารถทำเลียนแบบท่า "เดินโคลงเคลง" ของ Stone's Scarecrow อันโด่งดังได้) เขาก็บันทึกเสียง เพลงทั้งหมดของเขาผ่านการซ้อมทั้งหมดในฐานะ Tin Man และเริ่มถ่ายทำร่วมกับนักแสดงที่เหลือ [28]
เบิร์ต ลาห์รเซ็นสัญญากับสิงโตขี้ขลาดเมื่อวันที่ 25 กรกฎาคม พ.ศ. 2481 และชาร์ลส์ เกรปวินได้รับเลือกให้เป็นลุงเฮนรี่ในวันที่ 12 สิงหาคม
เดิมที WC Fieldsได้รับเลือกให้รับบทพ่อมด (หลังจากEd Wynnปฏิเสธเพราะเห็นว่าบทนี้ "เล็กเกินไป") แต่สตูดิโอหมดความอดทนหลังจากต่อล้อต่อเถียงเรื่องค่าตัวของ Fields อย่างยืดเยื้อ Wallace Beeryโน้มน้าวให้รับบทนี้ แต่สตูดิโอปฏิเสธที่จะไว้ชีวิตเขาในระหว่างตารางการถ่ายทำที่ยาวนาน แฟรงก์ มอร์แกนผู้เล่นสัญญารายอื่นถูกคัดออกในวันที่ 22 กันยายนแทน
Pat Walsheนักแสดงเพลงรุ่นเก๋าเป็นที่รู้จักกันดีจากการแสดงของเขาในฐานะลิงต่างๆ ในการผลิตละครและการแสดงละครสัตว์มากมาย เขาได้รับเลือกให้เป็น Nikko ซึ่งเป็นหัวหน้าของWinged Monkeyในวันที่ 28 กันยายน และเดินทางไปที่สตูดิโอ MGM ในวันที่ 3 ตุลาคม
การค้นหาความสามารถที่กว้างขวางสร้างคนจำนวนน้อยกว่าร้อยคนเพื่อเล่น Munchkins; นี่หมายความว่าซีเควนซ์ Oz ส่วนใหญ่ของภาพยนตร์เรื่องนี้จะต้องถ่ายทำก่อนที่จะเริ่มทำงานในซีเควนซ์มันชกินแลนด์ได้ เจอร์รี มาเรนนักแสดงจาก Munchkin กล่าวว่า เด็กๆ แต่ละคนได้รับค่าจ้างมากกว่า 125 ดอลลาร์ต่อสัปดาห์ (เทียบเท่ากับ 2,400 ดอลลาร์ในปัจจุบัน) Meinhardt Raabeซึ่งรับบทเป็นเจ้าหน้าที่ชันสูตรศพ เปิดเผยในสารคดีเรื่องThe Making of the Wizard of Oz ในปี 1990 ว่าแผนกเครื่องแต่งกายและเสื้อผ้าของ MGM ภายใต้การดูแลของนักออกแบบเอเดรียนต้องออกแบบเครื่องแต่งกายมากกว่า 100 ชุดสำหรับซีเควนซ์มันชกินส์ พวกเขาถ่ายภาพและจัดหมวดหมู่มันชกินส์แต่ละตัวในชุดของพวกเขา เพื่อให้พวกเขาสามารถใช้ชุดเดียวกันและแต่งหน้าได้อย่างสม่ำเสมอในแต่ละวันของการผลิต
เดิม เกล ซอนเดอ ร์การ์ด ได้รับเลือกให้เป็นแม่มดชั่วร้ายแห่งตะวันตก แต่ได้ถอนตัวจากบทบาทเมื่อบุคลิกของแม่มดเปลี่ยนจากเจ้าเล่ห์และมีเสน่ห์ (คิดว่าจะเลียนแบบราชินีผู้ชั่วร้ายใน Disney's Snow White and the Seven Dwarfs ) เป็น "แม่มดขี้เหร่" ที่คุ้นเคย . เธอถูกแทนที่ในวันที่ 10ตุลาคม พ.ศ. 2481 เพียงสามวันก่อนเริ่มการถ่ายทำโดยMargaret Hamiltonผู้ เล่นสัญญา MGM Sondergaard กล่าวในการให้สัมภาษณ์เกี่ยวกับโบนัสพิเศษในดีวีดีว่าเธอไม่เสียใจเลยที่ปฏิเสธบทนี้ ซอนเด อร์การ์ดจะรับบทวายร้ายแมวเสน่ห์ใน ภาพยนตร์ เรื่องThe Blue Bird ของ Maurice Maeterlinckเวอร์ชันของฟ็อกซ์ในปี 1940แฮมิลตันมีบทบาทที่คล้ายคลึงกับแม่มดชั่วร้ายในภาพยนตร์ของจูดี การ์แลนด์เรื่องBabes in Arms (1939)
จากข้อมูลของ Aljean Harmetz เสื้อโค้ทที่ "กลายเป็นเมล็ด" ที่ Morgan สวมใส่ในฐานะพ่อมดนั้นเลือกจากชั้นวางเสื้อโค้ตที่ซื้อจากร้านขายของมือสอง ตามตำนาน มอร์แกนพบฉลากบนเสื้อโค้ตซึ่งระบุว่าครั้งหนึ่งเคยเป็นของบาม ภรรยาม่ายของบามยืนยันเรื่องนี้ และในที่สุดโค้ตก็ถูกมอบให้แก่เธอ แต่ Michael Patrick Hearnนักเขียนชีวประวัติของ Baum กล่าวว่าครอบครัว Baum ปฏิเสธว่าไม่เคยเห็นเสื้อคลุมหรือรู้เรื่องนี้มาก่อน แฮมิลตันคิดว่ามันเป็นข่าวลือที่สตูดิโอสร้างขึ้น [31]
การถ่ายทำ
ริชาร์ด ธอร์ป เป็นผู้กำกับ
การถ่ายทำThe Wizard of Ozเริ่มขึ้นเมื่อวันที่ 13 ตุลาคม พ.ศ. 2481 ที่สตูดิโอ Metro-Goldwyn-Mayerในคัลเวอร์ซิตี แคลิฟอร์เนียโดยมีริชาร์ด ธอร์ปเป็นผู้กำกับแทนผู้กำกับคนเดิมนอร์แมน เทาโรก ซึ่งถ่ายทำการทดสอบด้วยเทคนิคสีในช่วงแรกๆ ไม่กี่รายการ และหลังจากนั้น กำหนดใหม่ ในตอนแรก ธ อร์ปถ่ายทำฟุตเทจประมาณสองสัปดาห์ รวมทั้งหมดเก้าวัน ซึ่งเกี่ยวข้องกับการเผชิญหน้าครั้งแรกของโดโรธีกับหุ่นไล่กา และซีเควนซ์จำนวนหนึ่งในปราสาทของแม่มดชั่วร้าย เช่น การช่วยเหลือของโดโรธี ซึ่งแม้ว่าจะไม่ได้เผยแพร่ แต่ก็มีฟุตเทจเดียวของบัดดี้ เอบเซนทิน แมน
เอ็บเซ่นถูกแทนที่โดยเฮลี่ย์
ฝ่ายผลิตต้องเผชิญกับความท้าทายในการสร้างเครื่องแต่งกายของ Tin Man มีการทดสอบหลายครั้งเพื่อค้นหาการแต่งหน้าและเสื้อผ้าที่เหมาะสมสำหรับเอบเซน สิบวันหลังจากการถ่ายทำ Ebsenประสบอาการแพ้ต่อเครื่องสำอางที่เป็นผงอะลูมิเนียมที่เขาสวม แม้ว่าเขาจะจำได้ว่าคืนหนึ่งหายใจเข้าโดยไม่ได้รับผลกระทบใด ๆ ในทันที เขาเข้ารับการรักษาในโรงพยาบาลด้วยอาการวิกฤตและถูกบังคับให้ออกจากโครงการในเวลาต่อมา ในการสัมภาษณ์ภายหลัง (รวมอยู่ในดีวีดีThe Wizard of Oz ที่วางจำหน่ายในปี 2548 ) เขาจำได้ว่าหัวหน้าสตูดิโอชื่นชมความเจ็บป่วยที่รุนแรงของเขาหลังจากที่เขาเข้ารับการรักษาในโรงพยาบาลเท่านั้น การถ่ายทำหยุดลงในขณะที่กำลังหาคนมาแทนเขา
ไม่มีฟุตเทจของ Ebsen ในชื่อ Tin Man ที่ได้รับการเผยแพร่ – มีเพียงภาพถ่ายที่ถ่ายระหว่างการถ่ายทำและการทดสอบการแต่งหน้าเท่านั้น แจ็ค เฮลีย์ตัวแทนของเขาสันนิษฐานว่าเอบเซนถูกไล่ออก เครื่องสำอางที่ใช้สำหรับเฮลีย์เปลี่ยนไปอย่างเงียบ ๆ เป็นอลูมิเนียมวาง โดยมีชั้นของสีทาน้ำมันสีขาวตัวตลกอยู่ข้างใต้ เพื่อปกป้องผิวของเขา แม้ว่ามันจะไม่ได้ส่งผลร้ายต่อเฮลีย์เท่าเดิม แต่มีอยู่ช่วงหนึ่งที่เขาต้องทนทุกข์ทรมานจากการติดเชื้อที่ตา เพื่อลดต้นทุนการผลิต เฮลีย์บันทึกเฉพาะเพลง "ถ้าฉันมีแค่หัวใจ" และท่อนโซโลซ้ำในช่วง "ถ้าฉันมีแต่เส้นประสาท" และเพลงที่ทิ้งไป "The Jitterbug"; ด้วยเหตุนี้ เสียงของ Ebsen จึงยังคงได้ยินในเพลงที่เหลือที่มี Tin Man เป็นเสียงร้องของกลุ่ม
คำพูดสั้น ๆ ของ George Cukor
LeRoy หลังจากตรวจสอบภาพและรู้สึกว่า Thorpe กำลังเร่งการผลิตซึ่งส่งผลเสียต่อการแสดงของนักแสดง Thorpe จึงเข้ามาแทนที่ ระหว่างการปรับโครงสร้างการผลิตจอร์จ คูคอร์เข้ามาควบคุมชั่วคราวภายใต้การแนะนำของเลอรอย ในขั้นต้น สตูดิโอให้การ์แลนด์สวมวิกผมสีบลอนด์และแต่งหน้าแบบ "เบบี้ดอล" และเธอก็เล่นโดโรธีในแบบที่เกินจริง Cukor เปลี่ยนการแต่งหน้าและเครื่องแต่งกายของ Garland และ Hamilton และบอกให้ Garland "เป็นตัวของตัวเอง" นี่หมายความว่าฉากทั้งหมดที่การ์แลนด์และแฮมิลตันสร้างเสร็จแล้วจะต้องถ่ายทำใหม่ คูกอร์ยังแนะนำให้สตูดิโอเลือกนักแสดง แจ็ค เฮลีย์ ซึ่งยืมตัวมาจากฟ็อกซ์ มารับบท ดีบุกแมน [34]
วิคเตอร์ เฟลมมิง ผู้กำกับหลัก
Cukor ไม่ได้ถ่ายทำฉากใด ๆ สำหรับภาพยนตร์เรื่องนี้ แต่ทำหน้าที่เป็นเพียงที่ปรึกษาด้านความคิดสร้างสรรค์ในการผลิตที่มีปัญหาเท่านั้น ความมุ่งมั่นก่อนหน้าที่จะกำกับGone with the Windทำให้เขาต้องออกในวันที่ 3 พฤศจิกายน พ.ศ. 2481 เมื่อวิกเตอร์ เฟลมมิงรับหน้าที่กำกับ ในฐานะผู้กำกับ เฟลมมิงเลือกที่จะไม่เปลี่ยนภาพยนตร์เรื่องนี้จากการปรับเปลี่ยนแนวสร้างสรรค์ของคูคอร์ เนื่องจากผู้อำนวยการสร้างเลอรอยได้แสดงความพอใจกับแนวทางใหม่ของภาพยนตร์เรื่องนี้แล้ว
การผลิตซีเควนซ์เทคคัลเลอร์จำนวนมากเป็นกระบวนการที่ยาวนานและเหน็ดเหนื่อยยาวนานกว่าหกเดือน ตั้งแต่เดือนตุลาคม พ.ศ. 2481 ถึงมีนาคม พ.ศ. 2482 นักแสดงส่วนใหญ่ทำงานหกวันต่อสัปดาห์ และต้องมาถึงให้เร็วที่สุดตั้งแต่ตี 4 เพื่อให้พอดีกับ การแต่งหน้าและเครื่องแต่งกาย และมักไม่ ออกจนถึง 19.00 น. หรือหลังจากนั้น การแต่งหน้าและเครื่องแต่งกายที่ยุ่งยากถูกทำให้อึดอัดยิ่งขึ้นเนื่องจากแสงที่สว่างในเวลากลางวันซึ่งเป็นกระบวนการทางเทคนิคในยุคแรกๆ ที่จำเป็น ซึ่งอาจทำให้ฉากร้อนขึ้นกว่า 100 °F (38 °C) Bolger กล่าวในภายหลังว่าลักษณะที่น่ากลัวของเครื่องแต่งกายทำให้หัวหน้า Oz ส่วนใหญ่ไม่สามารถรับประทานอาหารในสตูดิโอได้ [35]และความเป็นพิษของเครื่องสำอางที่ทำจากทองแดงของแฮมิลตันทำให้เธอต้องกินอาหารเหลวในวันถ่ายทำ [36]ต้องใช้เวลาถึงสิบสองเทคกว่าที่โตโต้จะวิ่งไปพร้อมกับนักแสดงขณะที่พวกเขาข้ามไปตามถนนอิฐสีเหลือง
ฉากทั้งหมดของ Oz ถ่ายทำด้วยเทคนิคสีสามแถบ [19] [20]เครดิตเปิดและปิดและซีเควนซ์แคนซัสถ่ายทำเป็นขาวดำและลงสีด้วยสีซีเปีย ฟิล์มสีซีเปียยังใช้ในฉากที่ป้าเอมปรากฏตัวในลูกบอลคริสตัลของแม่มดชั่วร้าย ภาพยนตร์เรื่องนี้ไม่ใช่ภาพยนตร์เรื่องแรกที่ใช้สี Technicolor ซึ่งเปิดตัวในThe Gulf Between (1917)
ที่ทางออกจากเมือง Munchkinland ของแฮมิลตัน มีการ ติดตั้ง ลิฟต์ แบบซ่อน ไว้เพื่อลดระดับของเธอให้ต่ำกว่าระดับเวที ขณะที่ไฟและควันปะทุขึ้นเพื่ออำพรางทางออกของเธอ เทคแรกดำเนินไปได้ด้วยดี แต่เทคที่สอง ไฟที่ระเบิดออกมาเร็วเกินไป เปลวไฟจุดไฟเผาใบหน้าของเธอที่เป็นสีเขียวซึ่งมีส่วนผสมของทองแดง ทำให้มือและใบหน้าของเธอไหม้ระดับสาม เธอใช้เวลาพักฟื้นสามเดือนก่อนที่จะกลับไปทำงาน เครื่องสำอางสีเขียวของเธอมักจะถูกลบออกด้วยอะซิโตนเนื่องจากเนื้อหาของทองแดง ที่ เป็นพิษ เนื่องจากแผลไฟไหม้ของแฮมิลตัน ช่างแต่งหน้า Jack Young จึงลบเครื่องสำอางออกด้วยแอลกอฮอล์เพื่อป้องกันการติดเชื้อ [38]
ผลงานสุดท้ายของ King Vidor ในฐานะผู้กำกับ
ในวันที่ 12 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2482 เฟลมมิงรีบเปลี่ยนตัวคูคอร์มากำกับGone with the Wind ในวันต่อมา สตูดิโอได้มอบหมายให้King Vidor เพื่อนของเฟลมมิง มากำกับThe Wizard of Oz ให้เสร็จ (ส่วนใหญ่เป็นซีเปียในโทนสีซีเปียในยุคแรกๆ ของแคนซัส รวมถึงการร้องเพลง " Over the Rainbow" และ the tornado ของ Garland ) แม้ว่าภาพยนตร์เรื่องนี้จะได้รับความนิยมในการออกฉาย แต่ Vidor ก็เลือกที่จะไม่ให้เครดิตสาธารณะสำหรับผลงานของเขาจนกระทั่งเฟลมมิงเสียชีวิตในปี2492
ข้อกล่าวหาเรื่องการล่วงละเมิดทางเพศและการล่วงละเมิดอื่นๆ
นับตั้งแต่ภาพยนตร์เรื่องนี้ออกฉาย เรื่องราวที่น่าเชื่อถือได้ออกมาระบุว่า จูดี้ การ์แลนด์ต้องทนต่อการล่วงละเมิดอย่างกว้างขวางระหว่างและก่อนการถ่ายทำจากฝ่ายต่างๆ ที่เกี่ยวข้อง [39] [40] [41]สตูดิโอพยายามอย่างเต็มที่เพื่อเปลี่ยนรูปลักษณ์ของเธอรวมถึงการรัดหน้าอกและให้ยา Benzedrine เพื่อลดน้ำหนักของเธอพร้อมกับท่อนบนและท่อนล่างที่ทำให้หัวเราะคิกคัก มีการอ้างว่าสมาชิกหลายคนในทีมนักแสดงชี้ไปที่หน้าอกของเธอและแสดงความคิดเห็นลามกอนาจาร ผู้กำกับวิคเตอร์ เฟลมมิงตบเธอระหว่างฉากแนะนำตัวของสิงโตขี้ขลาด เมื่อการ์แลนด์หยุดหัวเราะกับการแสดงของลาร์ไม่ได้ เมื่อฉากเสร็จสิ้น เฟลมมิงซึ่งรู้สึกละอายใจในตัวเอง จึงสั่งให้ทีมงานชกหน้าเขา อย่างไรก็ตามการ์แลนด์กลับจูบเขาแทน[42] [43]มีการกล่าวอ้างในบันทึกความทรงจำว่านักแสดงที่เมาบ่อยที่แสดงภาพมันชกินส์เสนอและบีบเธอ [44] [45] [41]นอกจากนี้ยังมีข้อกล่าวหาว่าเธอถูกหลุยส์ บี. เมเยอร์คลำหา
แรงบันดาลใจที่สร้างสรรค์
ชีวิตส่วนตัวของบอม
.jpg)
ตามที่ลูกชายของ Baum, Harry Nealผู้เขียนมักเล่าให้ลูกๆ ฟังว่า "เรื่องราวแปลกประหลาดก่อนที่จะกลายเป็นเนื้อหาสำหรับหนังสือของเขา" [19]แฮร์รี่เรียกพ่อของเขาว่า "ผู้ชายที่อ้วนที่สุดที่ฉันรู้จัก" ชายผู้สามารถให้เหตุผลที่เหมาะสมว่าทำไมนกสีดำที่ปรุงในพายจึงออกไปร้องเพลงได้ในภายหลัง [19]
ตัวละคร อุปกรณ์ประกอบฉาก และไอเดียมากมายในนิยายได้มาจากชีวิตส่วนตัวและประสบการณ์ของ Baum [20]บอมมีงานที่แตกต่างกัน ย้ายบ่อย และพบปะผู้คนมากมาย ดังนั้นแรงบันดาลใจของเรื่องราวอาจนำมาจากแง่มุมต่างๆ ในชีวิตของเขา [20]ในบทนำของเรื่อง Baum เขียนว่า "มันปรารถนาที่จะเป็นเทพนิยายที่ทันสมัย ซึ่งยังคงรักษาความอัศจรรย์ใจและความสุขเอาไว้ [21]
หุ่นไล่กาและมนุษย์ไม้ดีบุก
ตอนเป็นเด็ก บอมมักจะฝันร้ายว่ามีหุ่นไล่กาไล่ตามเขาไปทั่วทุ่ง [22]ชั่วครู่ก่อนที่ "นิ้วฟางมอมแมม" ของหุ่นไล่กาที่เกือบจับคอของเขา มันจะขาดออกจากกันต่อหน้าต่อตาเขา ทศวรรษต่อมา เมื่อโตเป็นผู้ใหญ่ บามได้รวมเอาผู้ทรมานของเขาไว้ในนวนิยายเรื่องหุ่นไล่กา ในช่วงต้นทศวรรษ 1880 การเล่น Matches ของ Baum กำลังแสดงอยู่เมื่อ "แสงวูบวาบจากตะเกียงน้ำมันก๊าดจุดประกายไฟที่จันทัน" ทำให้โรงอุปรากรของ Baum ถูกเปลวเพลิง นักวิชาการ Evan I. Schwartz เสนอว่านี่อาจเป็นแรงบันดาลใจให้เกิดความกลัวอย่างรุนแรงที่สุดของ Scarecrow: "มีเพียงสิ่งเดียวในโลกที่ฉันกลัว นั่นคือไม้ขีดไฟ" [24]
ตามคำบอกเล่าของแฮร์รี่ ลูกชายของบาม คนตัดไม้ดีบุกเกิดจากความดึงดูดของบามต่อหน้าต่างโชว์ เขาต้องการสร้างสิ่งที่น่าหลงใหลสำหรับตู้โชว์บนหน้าต่าง ดังนั้นเขาจึงใช้เศษวัสดุหลากหลายประเภทเพื่อสร้างรูปร่างที่โดดเด่น จากหม้อต้มน้ำเขาสร้างร่างกาย จากท่อเตาที่มีสลักเกลียวเขาสร้างแขนและขา และจากก้นกระทะเขาทำเป็นรูปหน้า จากนั้น Baum ก็วางหมวกรูปกรวยไว้บนร่าง ซึ่งท้ายที่สุดก็กลายเป็น Tin Woodman [25]
โดโรธี ลุงเฮนรี่ และเหล่าแม่มด
ม็อด เกจภรรยาของบามมักจะมาเยี่ยมหลานสาวแรกเกิดของพวกเขา โดโรธี หลุยส์ เกจ ซึ่งเธอชื่นชอบในฐานะลูกสาวที่เธอไม่เคยมี ทารกป่วยหนักและเสียชีวิตเมื่ออายุได้ห้าเดือนในเมืองบลูมิงตัน รัฐอิลลินอยส์เมื่อวันที่ 11 พฤศจิกายน พ.ศ. 2441 จากภาวะ "เลือดคั่งในสมอง" ม็อดเสียใจมาก เพื่อ บรรเทาความทุกข์ใจของเธอ แฟรงก์ทำให้ตัวเอกของเขาในเรื่องThe Wonderful Wizard of Ozเป็นเด็กผู้หญิงชื่อโดโรธี และเขาได้อุทิศหนังสือเล่มนี้ให้กับภรรยาของเขา ทารก ถูกฝังไว้ที่Evergreen Cemeteryซึ่งหลุมฝังศพของเธอมีรูปปั้นของตัวละคร Dorothy วางอยู่ข้างๆ [28]
หลายทศวรรษต่อมาJocelyn Burdickลูกสาวของ Magdalena Carpenter หลานสาวอีกคนของ Baum และอดีตวุฒิสมาชิก สหรัฐจากNorth Dakota จากพรรคเดโมแครต ยืนยันว่าแม่ของเธอมีส่วนเป็นแรงบันดาลใจให้ตัวละคร Dorothy ด้วยเช่นกัน เบอร์ดิกอ้างว่าลุงทวดของเธอใช้เวลาอยู่ที่บ้านไร่ของคาร์เพนเตอร์อยู่พักใหญ่...และผูกพันกับมักดาเลนามาก Burdickได้รายงานความคล้ายคลึงกันหลายอย่างระหว่างบ้านไร่ของแม่เธอกับฟาร์มของป้าเอ็มและลุงเฮนรี่ [29]
ลุงเฮนรี่มีต้นแบบมาจากเฮนรี เกจ พ่อตาของบอม เฮนรี่ไม่ค่อยเห็นด้วยกับมาทิลด้าภรรยาของเขา แม้ว่าเขาจะเจริญรุ่งเรืองในธุรกิจและเพื่อนบ้านของเขาก็มองมาที่เขา ในทำนองเดียวกัน ลุงเฮนรี่เป็น "คนเฉื่อยชาแต่ทำงานหนัก" ซึ่ง "ดูเคร่งขรึมและเคร่งขรึมและไม่ค่อยพูด" [30]แม่มดในนวนิยายเรื่องนี้ได้รับอิทธิพลจาก การวิจัยการ ล่าแม่มดที่รวบรวมโดย Matilda Gage เรื่องราวของการกระทำอันป่าเถื่อนต่อแม่มดที่ถูกกล่าวหาทำให้บามหวาดกลัว เหตุการณ์สำคัญสองเหตุการณ์ในนวนิยายเกี่ยวข้องกับแม่มดชั่วร้ายที่ต้องพบกับความตายด้วยวิธีการเชิงเปรียบเทียบ [31]
Emerald City และดินแดนแห่ง Oz
ในปี 1890 Baum อาศัยอยู่ในเมืองAberdeen รัฐ South Dakotaในช่วงที่เกิดภัยแล้ง และเขาได้เขียนเรื่องราวที่เฉียบแหลมในคอลัมน์ "Our Landlady" ของเขาในThe Saturday Pioneer ของ Aberdeen เกี่ยวกับชาวนาที่ให้แว่นตาสีเขียวแก่ม้าของเขา ทำให้พวกเขาเชื่อว่าไม้ ชิปที่พวกเขากินนั้นเป็นเศษหญ้า [32]ในทำนองเดียวกัน พ่อมดได้ให้ผู้คนใน Emerald City สวมแว่นตาสีเขียวเพื่อให้พวกเขาเชื่อว่าเมืองของพวกเขาสร้างจากมรกต [33]
ระหว่างที่ Baum พักอยู่ที่ Aberdeen เป็นเวลาสั้นๆ การเผยแพร่ตำนานเกี่ยวกับดินแดนทางตะวันตกที่อุดมสมบูรณ์ยังคงดำเนินต่อไป อย่างไรก็ตาม ตะวันตกแทนที่จะเป็นดินแดนมหัศจรรย์กลับกลายมาเป็นดินแดนรกร้างเพราะภัยแล้งและภาวะซึมเศร้า ในปี 1891 Baum ย้ายครอบครัวจากเซาท์ดาโคตาไปยังชิคาโก ในเวลานั้น ชิคาโกกำลังเตรียมพร้อมสำหรับการจัดงานนิทรรศการหอมกรุ่นโลกในปี พ.ศ. 2436 นักวิชาการลอร่าบาร์เร็ตต์ระบุว่าชิคาโก "คล้ายกับออซมากกว่าแคนซัส" หลังจากพบว่าตำนานเกี่ยวกับความร่ำรวยที่ประเมินค่าไม่ได้ของตะวันตกนั้นไม่มีมูลความจริง บามได้สร้าง "ส่วนขยายของพรมแดนอเมริกาในออซ" ในหลาย ๆ ด้าน การสร้างของ Baum นั้นคล้ายคลึงกับการพิทักษ์ชายแดนจริง ๆ เนื่องจากข้อเท็จจริงที่ว่าตะวันตกยังไม่ได้รับการพัฒนาในเวลานั้น โดโรธีที่มันชกินส์พบในตอนต้นของนวนิยายเรื่องนี้เป็นตัวแทนของชาวนา เช่นเดียวกับวิงกีส์ที่เธอพบในภายหลัง [34]
ตำนานท้องถิ่นเล่าว่า Oz หรือที่รู้จักกันในชื่อ Emerald City ได้รับแรงบันดาลใจจากอาคารทรงปราสาทที่โดดเด่นในชุมชน Castle Park ใกล้ฮอลแลนด์ รัฐมิชิแกนซึ่ง Baum อาศัยอยู่ในช่วงฤดูร้อน ถนนอิฐสีเหลืองได้มาจากถนนในเวลานั้นที่ปูด้วยอิฐสีเหลือง ซึ่งตั้งอยู่ในพีคสคิลล์ นิวยอร์กซึ่งบามเข้าเรียนที่โรงเรียนทหารพี คสคิ ลล์ นักวิชาการของ Baum มักอ้างถึงงาน Chicago World's Fair ("เมืองสีขาว") ในปี 1893 ว่าเป็นแรงบันดาลใจสำหรับ Emerald City ตำนานอื่นๆ บอกว่าแรงบันดาลใจมาจากHotel Del Coronadoใกล้เมืองซานดิเอโก รัฐแคลิฟอร์เนีย บามเป็นแขกประจำของโรงแรมและเขียนหนังสือเกี่ยวกับออซหลายเล่มที่นั่น [35]ในการให้สัมภาษณ์ในปี พ.ศ. 2446The Publishers' Weekly , [36] Baum กล่าวว่าชื่อ "Oz" มาจากตู้เก็บเอกสารของเขาที่มีข้อความว่า "O–Z" [37] [22]
นักวิจารณ์บางคนแนะนำว่า Baum's Oz อาจได้รับแรงบันดาลใจจากออสเตรเลีย ออสเตรเลียมักสะกดเป็นภาษาเรียกขานหรือเรียกว่า "ออซ" นอกจากนี้ ในOzma of Oz (1907) โดโรธีกลับไปหา Oz อันเป็นผลมาจากพายุในทะเล ขณะที่เธอกับลุง Henry กำลังเดินทางโดยเรือไปยังออสเตรเลีย เช่นเดียวกับออสเตรเลีย ออซเป็นทวีปเกาะแห่งหนึ่งทางตะวันตกของแคลิฟอร์เนีย โดยมีพื้นที่ที่มีผู้คนอาศัยล้อมรอบบนทะเลทรายอันยิ่งใหญ่ Baum อาจตั้งใจให้ Oz เป็นออสเตรเลียหรือดินแดนมหัศจรรย์ใจกลางทะเลทรายออสเตรเลียอันยิ่งใหญ่ [38]
การผจญภัยของอลิซในแดนมหัศจรรย์
นอกจากได้รับอิทธิพลจากเทพนิยายของพี่น้องกริมม์และฮันส์ คริสเตียน แอนเด อร์ เซ็นแล้วบามยังได้รับอิทธิพลอย่างมากจาก นวนิยายเรื่อง Alice's Adventures in Wonderland ของนัก เขียนชาวอังกฤษชื่อ Lewis Carrollในปี 1865 [40]แม้ว่า Baum จะพบว่าเนื้อเรื่องของนวนิยายของ Carroll ไม่ต่อเนื่องกัน แต่เขาก็ระบุแหล่งที่มาของความนิยมของหนังสือเล่มนี้ว่าเป็นอลิซเอง ซึ่งเป็นเด็กที่ผู้อ่านอายุน้อยสามารถระบุได้ และสิ่งนี้มีอิทธิพลต่อการเลือกโดโรธีของ Baum เป็นตัวเอกของเขา [39]
Baum ยังได้รับอิทธิพลจากมุมมองของ Carroll ที่ว่าหนังสือเด็กทุกเล่มควรมีภาพประกอบที่หรูหรา น่าอ่าน และไม่มีบทเรียนเกี่ยวกับศีลธรรม ในช่วงยุควิกตอเรียนแครอลปฏิเสธความนิยมที่คาดหวังว่าหนังสือเด็กจะต้องเต็มไปด้วย บทเรียน ทางศีลธรรมและแทนที่จะโต้แย้งว่าเด็กควรได้รับอนุญาตให้เป็นเด็ก [42]
แม้ว่าจะได้รับอิทธิพลจากงานภาษาอังกฤษของแคร์โรลล์ แต่บามพยายามสร้างเรื่องราวที่มีองค์ประกอบของอเมริกันที่เป็นที่รู้จัก เช่น การทำฟาร์มและอุตสาหกรรม [41]ดังนั้น บามจึงผสมผสานลักษณะดั้งเดิมของเทพนิยายเช่นแม่มดและพ่อมดเข้ากับสิ่งที่เป็นที่รู้จักในชีวิตแถบมิดเวสต์ของผู้อ่านวัยเยาว์ เช่นหุ่นไล่กาและทุ่งข้าวโพด [43]
อิทธิพลของเดนสโลว์
ผู้วาดภาพประกอบดั้งเดิมของนวนิยายWW Denslowได้ช่วยในการพัฒนาเรื่องราวของ Baum และมีอิทธิพลอย่างมากต่อวิธีการตีความ Baum และ Denslowมีความสัมพันธ์ในการทำงานอย่างใกล้ชิดและทำงานร่วมกันเพื่อสร้างการนำเสนอเรื่องราวผ่านภาพและข้อความ [22]สีเป็นองค์ประกอบสำคัญของเรื่องและมีอยู่ตลอดทั้งภาพ โดยแต่ละบทมีการแสดงสีที่แตกต่างกัน เดนสโลว์ยังเพิ่มลักษณะเฉพาะให้กับภาพวาดของเขาที่บามไม่เคยบรรยาย ตัวอย่างเช่น เดนสโลว์วาดบ้านและประตูเมืองมรกตด้วยใบหน้า
ใน หนังสือ Ozเล่ม ต่อมา จอห์น อาร์. นีลผู้วาดภาพประกอบภาคต่อทั้งหมด ยังคงใช้องค์ประกอบจากภาพประกอบก่อนหน้าของเดนสโลว์ รวมทั้งใบหน้าบนประตูของ Emerald City อีก แง่มุมหนึ่งคือหมวกกรวยของ Tin Woodman ซึ่งไม่ได้กล่าวถึงในข้อความจนกระทั่งมีหนังสือเล่มต่อๆ มา แต่ปรากฏในการตีความตัวละครของศิลปินส่วนใหญ่ รวมถึงการแสดงบนเวทีและภาพยนตร์ในปี 1902–09, 1908, 1910, 1914, 2468 2474 2476 2482 2525 2528 2531 2535 และอื่น ๆ นักวาดภาพประกอบในยุคแรก ๆ คนหนึ่งที่ไม่รวมหมวกกรวยคือ Russell H. Schulz ในปี 1957 Whitman Publishingฉบับ - ชูลซ์วาดภาพเขาสวมหม้อบนศีรษะ ภาพประกอบของ Libico Maraja ซึ่งปรากฏครั้งแรกในฉบับภาษาอิตาลีในปี 1957 และยังปรากฏในฉบับภาษาอังกฤษและฉบับอื่นๆ ด้วย เป็นที่รู้จักกันดีในการวาดภาพเขาในสภาพเปลือยเปล่า
การพาดพิงถึงอเมริกาในศตวรรษที่ 19
หลายทศวรรษหลังจากการตีพิมพ์ งานของ Baum ก่อให้เกิดการตีความทางการเมืองหลายประการ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเกี่ยวกับขบวนการประชานิยมในศตวรรษที่ 19ในสหรัฐอเมริกา [45] ในบทความ American Quarterlyปี 1964 ชื่อ "The Wizard of Oz: Parable on Populism", [46]เฮนรี ลิตเติลฟิลด์นักการศึกษา กล่าวว่าหนังสือเล่มนี้ใช้เปรียบเปรยสำหรับการ ถกเถียงเรื่องนโยบายการเงิน แบบ ไบ เมทัลลิสม์ ในปลายศตวรรษที่ 19 [47] [48]วิทยานิพนธ์ของ Littlefield ได้รับการสนับสนุนบางส่วน แต่ถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างกว้างขวางจากผู้อื่น [49] [50] [51]การตีความทางการเมืองอื่น ๆ ตามมาในไม่ช้า ในปี พ.ศ. 2514 นักประวัติศาสตร์Richard J. Jensen ตั้ง ทฤษฎีในThe Winning of the Midwestว่า "Oz" มาจากคำย่อทั่วไปของ "oz" ซึ่งใช้สำหรับแสดงปริมาณทองคำและเงิน
Gone with the Wind
การผลิต
ก่อนตีพิมพ์นวนิยายเรื่องนี้ ผู้บริหารและสตูดิโอในฮอลลีวูดหลายแห่งปฏิเสธที่จะสร้างภาพยนตร์จากนวนิยายเรื่องนี้ รวมถึงLouis B. MayerและIrving ThalbergจากMetro-Goldwyn-Mayer (MGM), Pandro BermanจากRKO PicturesและDavid O. Selznickจากเซลซ์นิค อินเตอร์เนชั่นแนล พิคเจอร์ส Jack L. WarnerจากWarner Brosชอบเรื่องนี้ แต่ดาราดัง อย่าง Bette Davisไม่สนใจ และDarryl Zanuckจาก20th Century-Foxก็เสนอเงินไม่มากพอ อย่างไรก็ตาม Selznick เปลี่ยนใจหลังจากเคย์ บราวน์ บรรณาธิการเรื่องราวของเขาและหุ้นส่วนทางธุรกิจจอห์น เฮย์ วิทนีย์กระตุ้นให้เขาซื้อลิขสิทธิ์ภาพยนตร์เรื่องนี้ ในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2479 หนึ่งเดือนหลังจากตีพิมพ์ เซลซ์นิคซื้อสิทธิ์ในราคา 50,000 ดอลลาร์ [3] [4] [5]
การคัดเลือกนักแสดง
การคัดเลือกนักแสดงนำทั้งสองกลายเป็นความพยายามที่ซับซ้อนเป็นเวลาสองปี สำหรับบทบาทของเร็ตต์ บัตเลอร์ เซลนิกต้องการตัวคลาร์ก เกเบิล ตั้งแต่เริ่มต้น แต่เกเบิลอยู่ภายใต้สัญญากับเอ็มจีเอ็ม ซึ่งไม่เคยให้เขายืมตัวไปที่สตูดิโออื่น [3] Gary Cooperได้รับการพิจารณา แต่Samuel Goldwynซึ่งเป็นผู้ที่ Cooper อยู่ภายใต้สัญญา - ปฏิเสธที่จะให้ยืมตัวเขา วอ ร์เนอร์เสนอแพ็คเกจของ Bette Davis, Errol FlynnและOlivia de Havillandสำหรับบทบาทนำเพื่อแลกกับสิทธิ์ในการจัดจำหน่าย [7]เมื่อถึงเวลานี้ Selznick มุ่งมั่นที่จะได้ Gable และในเดือนสิงหาคม พ.ศ. 2481 ในที่สุดเขาก็ตกลงกับพ่อตาของเขา Louis B. Mayer หัวหน้า MGM: MGM จะให้ Gable และเงิน 1,250,000 ดอลลาร์สำหรับครึ่งหนึ่งของงบประมาณของภาพยนตร์ และเป็นการตอบแทน เซลนิกจะต้องจ่ายเงินเดือนให้เกเบิลทุกสัปดาห์ กำไรครึ่งหนึ่งจะตกเป็นของ MGM ในขณะที่Loew's, Incซึ่งเป็นบริษัทแม่ของ MGM จะเป็นผู้เผยแพร่ภาพยนตร์เรื่องนี้ [3] [6]
ข้อตกลงในการเผยแพร่ผ่าน MGM หมายถึงการชะลอการเริ่มต้นการผลิตจนถึงสิ้นปี พ.ศ. 2481 เมื่อข้อตกลงการจัดจำหน่ายของ Selznick กับUnited Artistsได้ข้อสรุป Selznick ใช้ ความล่าช้าในการแก้ไขสคริปต์ต่อไป และที่สำคัญกว่านั้น สร้างการประชาสัมพันธ์ให้กับภาพยนตร์ด้วยการค้นหาบทบาทของ Scarlett Selznick เริ่มการคัดเลือก ทั่วประเทศโดย สัมภาษณ์คนที่ไม่รู้จัก 1,400 คน ความพยายามนี้มีค่าใช้จ่าย 100,000 ดอลลาร์และพิสูจน์แล้วว่าไร้ประโยชน์สำหรับวัตถุประสงค์หลักในการคัดเลือกนักแสดง แต่กลับสร้างการประชาสัมพันธ์ที่ "ประเมินค่าไม่ได้" [3]นักวิ่งแถวหน้า ได้แก่Miriam HopkinsและTallulah Bankheadซึ่ง Selznick มองว่ามีความเป็นไปได้ก่อนที่จะซื้อลิขสิทธิ์ภาพยนตร์; Joan Crawfordซึ่งเซ็นสัญญากับ MGM ก็ได้รับการพิจารณาว่ามีศักยภาพในการจับคู่กับ Gable หลังจากตกลงกับ MGM ได้ Selznick ได้จัดการสนทนากับNorma Shearerซึ่งเป็นดาราหญิงอันดับต้น ๆ ของ MGM ในเวลานั้น แต่เธอก็ถอนตัวออกจากการพิจารณา แคธารีน เฮปเบิร์นพยายามอย่างหนักเพื่อรับบทนี้โดยได้รับการสนับสนุนจากจอร์จ คูคอร์ เพื่อนของเธอซึ่งได้รับการว่าจ้างให้มากำกับ แต่เธอถูกคัดค้านโดยเซลซ์นิคผู้ซึ่งรู้สึกว่าเธอไม่เหมาะกับบทนี้ [6] [7] [8]
นักแสดงหญิงที่มีชื่อเสียงหลายคนหรือกำลังจะมีชื่อเสียงในไม่ช้าได้รับการพิจารณา แต่มีผู้หญิงเพียงสามสิบเอ็ดคนเท่านั้นที่ได้รับการทดสอบหน้าจอสำหรับ Scarlett รวมถึงArdis Ankerson , Jean Arthur , Tallulah Bankhead , Diana Barrymore , Joan Bennett , Nancy Coleman , Frances Dee , Ellen Drew (ในบท Terry Ray), Paulette Goddard , Susan Hayward (ภายใต้ชื่อจริงของเธอคือ Edythe Marrenner), Vivien Leigh , Anita Louise , Haila Stoddard , Margaret Tallichet , Lana TurnerและLinda Watkins. แม้ว่ามา ร์กาเร็ต มิตเชลล์จะปฏิเสธที่จะเปิดเผยชื่อที่เธอเลือก แต่นักแสดงหญิงที่เข้าใกล้การได้รับอนุมัติจากเธอมากที่สุดคือมิเรียม ฮอปกินส์ ซึ่งมิทเชลล์รู้สึกว่าเป็นนักแสดงประเภทที่เหมาะสมที่จะเล่นเป็นสการ์เลตต์ตามที่เขียนไว้ในหนังสือ อย่างไรก็ตาม ฮอปกินส์อยู่ในวัยสามสิบกลางๆ ในเวลานั้น และถือว่าแก่เกินไปสำหรับบทนี้ [6] [7] [8]นักแสดงหญิงสี่คน รวมทั้ง ฌอง อาเธอร์ และ โจน เบนเน็ตต์ ยังอยู่ระหว่างการพิจารณาในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2481; อย่างไรก็ตาม มีเพียงสองคนที่เข้ารอบสุดท้าย Paulette Goddard และ Vivien Leigh ได้รับการทดสอบในTechnicolorทั้งคู่ในวันที่ 20 ธันวาคม[10]ก็อดดาร์ดเกือบจะได้รับบทนี้ แต่การโต้เถียงเรื่องการแต่งงานของเธอกับCharlie Chaplinทำให้ Selznick เปลี่ยนใจ[3]
Selznick พิจารณาอย่างเงียบ ๆ เกี่ยวกับ Vivien Leigh นักแสดงสาวชาวอังกฤษที่ยังไม่ค่อยมีใครรู้จักในอเมริกา สำหรับบทบาทของ Scarlett ตั้งแต่เดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2481 เมื่อ Selznick เห็นเธอในFire Over Englandและ A Yank ที่Oxford ตัวแทนชาวอเมริกันของ Leigh เป็นตัวแทนในลอนดอนของ หน่วยงานจัดหางาน Myron Selznick (นำโดยพี่ชายของ David Selznick ซึ่งเป็นหนึ่งในเจ้าของ Selznick International) และเธอได้ร้องขอในเดือนกุมภาพันธ์ให้ส่งชื่อของเธอเพื่อรับการพิจารณาในฐานะ Scarlett ในช่วงฤดูร้อนปี 1938 Selznicks กำลังเจรจากับAlexander Kordaซึ่ง Leigh อยู่ภายใต้สัญญาสำหรับการให้บริการของเธอในปีต่อมา [11]พี่ชายของ Selznick จัดให้พวกเขาพบกันเป็นครั้งแรกในคืนวันที่ 10 ธันวาคม พ.ศ. 2481 เมื่อมีการถ่ายทำการเผาเมืองแอตแลนตา ในจดหมายถึงภรรยาของเขาในอีกสองวันต่อมา Selznick ยอมรับว่าลีห์เป็น "ม้ามืดของ Scarlett" และหลังจากการทดสอบหน้าจอหลายครั้ง การคัดเลือกนักแสดงของเธอได้รับการประกาศเมื่อวันที่ 13 มกราคม พ.ศ. 2482 ก่อนการถ่ายทำภาพยนตร์ Selznick แจ้งนักข่าวหนังสือพิมพ์Ed Sullivanว่า "พ่อแม่ของ Scarlett O'Hara เป็นชาวฝรั่งเศสและชาวไอริช พ่อแม่ของ Miss Leigh เป็นชาวฝรั่งเศสและชาวไอริช" [13]
ปัญหาเร่งด่วนสำหรับ Selznick ตลอดการคัดเลือกนักแสดงคือความล้มเหลวอย่างต่อเนื่องของฮอลลีวูดในการแสดงสำเนียงทางใต้อย่าง ถูกต้อง สตูดิโอเชื่อว่าหากเน้นเสียงไม่ถูกต้อง อาจส่งผลเสียต่อความสำเร็จของภาพยนตร์เรื่องนี้ได้ Selznick ว่าจ้างSusan Myrick (ผู้เชี่ยวชาญด้านคำพูด ภาษาใต้ มารยาท และขนบธรรมเนียมที่ Mitchell แนะนำให้เขา) และ Will A. Price เพื่อเป็นโค้ชให้กับนักแสดงในการพูดคุยกับคนทางใต้ มิทเชลล์ชื่นชมเกี่ยวกับงานเสียงร้องของนักแสดง โดยสังเกตว่าไม่มีการวิจารณ์เมื่อภาพยนตร์เรื่องนี้ออกฉาย [14] [15]
บทภาพยนตร์
ของผู้เขียนบทภาพยนตร์ต้นฉบับซิดนีย์ โฮเวิร์ดนักประวัติศาสตร์ภาพยนตร์ โจแอนน์ เย็ค เขียนว่า "การลดความซับซ้อนของ มิติมหากาพย์ ของGone with the Windเป็นงานหนักหนาสาหัส ... และการส่งครั้งแรกของฮาวเวิร์ดก็นานเกินไป และอย่างน้อยที่สุดก็ต้องใช้ ภาพยนตร์หกชั่วโมง ... [ผู้อำนวยการสร้าง] Selznick ต้องการให้ Howard อยู่ในกองถ่ายเพื่อทำการแก้ไข ... แต่ Howard ปฏิเสธที่จะออกจาก New England [และ] ด้วยเหตุนี้ การแก้ไขจึงได้รับการจัดการโดยนักเขียนท้องถิ่นจำนวนมาก" Selznickไล่ผู้กำกับ George Cukor ไปสามสัปดาห์ในการถ่ายทำและตามหา Victor Fleming ซึ่งกำกับThe Wizard of Ozในเวลานั้น เฟลมมิ่งไม่พอใจกับบทนี้ เซลซ์นิคจึงดึงตัวเบน เฮ คท์ ผู้เขียนบทเข้ามาเพื่อเขียนบทภาพยนตร์ใหม่ทั้งหมดภายในห้าวัน เฮชท์กลับไปร่างต้นฉบับของฮาวเวิร์ด และภายในสิ้นสัปดาห์ก็แก้ไขสคริปต์ครึ่งแรกได้สำเร็จทั้งหมด เซลซ์นิครับหน้าที่เขียนบทครึ่งหลังใหม่ด้วยตัวเองแต่กลับล่าช้ากว่ากำหนด ดังนั้นฮาวเวิร์ดจึงกลับมาเขียนบทเป็นเวลาหนึ่งสัปดาห์ ปรับปรุงฉากสำคัญหลายฉากในส่วนที่สอง [17]
"เมื่อถึงเวลาที่ภาพยนตร์เรื่องนี้ออกฉายในปี 1939 มีคำถามว่าใครควรได้รับเครดิตจากหน้าจอ" Yeck เขียน "แต่แม้จะมีจำนวนนักเขียนและการเปลี่ยนแปลง บทสุดท้ายก็ใกล้เคียงกับฉบับของฮาวเวิร์ดอย่างน่าทึ่ง ความจริงที่ว่าชื่อของฮาวเวิร์ดเพียงอย่างเดียวปรากฏในเครดิตอาจสร้างความประทับใจให้กับความทรงจำของเขามากพอๆ กับงานเขียนของเขา สำหรับในปี 1939 ซิดนีย์ ฮาวเวิร์ด เสียชีวิตด้วยวัย 48 ปีในอุบัติเหตุรถแทรกเตอร์ในฟาร์ม และก่อนที่หนังจะฉายรอบปฐมทัศน์" [16] Selznick ในบันทึกที่เขียนขึ้นในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2482 กล่าวถึงเครดิตการเขียนของภาพยนตร์เรื่องนี้: "[Y] คุณสามารถพูดอย่างตรงไปตรงมาว่าเนื้อหาจำนวนค่อนข้างน้อยในภาพซึ่งไม่ได้มาจากหนังสือ ส่วนใหญ่เป็นของฉันเอง ,จอห์น แวน ดรูเตน . ทันทีที่ฉันสงสัยว่ามีสิบคำต้นฉบับของ [Oliver] Garrett ในสคริปต์ทั้งหมด สำหรับการสร้าง นี่เป็นของฉันเองประมาณ 80 เปอร์เซ็นต์ และส่วนที่เหลือแบ่งระหว่างJo Swerlingและ Sidney Howard โดย Hecht มีส่วนอย่างมากในการสร้างซีเควนซ์เดียว" [18]
ตามที่ผู้เขียนชีวประวัติของ Hecht William MacAdams "ในรุ่งเช้าของวันอาทิตย์ที่ 20 กุมภาพันธ์ 1939 David Selznick ... และผู้กำกับ Victor Fleming เขย่า Hecht ให้ตื่นเพื่อแจ้งว่าเขายืมตัวมาจาก MGM และต้องมาพร้อมกับพวกเขาทันทีและไปทำงานGone with the Windซึ่ง Selznick เริ่มถ่ายทำเมื่อ 5 สัปดาห์ก่อน Selznick มีค่าใช้จ่าย 50,000 ดอลลาร์ในแต่ละวัน ภาพยนตร์ถูกระงับเพื่อรอการเขียนบทภาพยนตร์ขั้นสุดท้าย และเวลาคือสิ่งสำคัญ Hecht อยู่ระหว่างการทำงานกับภาพยนตร์เรื่องAt the Circus for the Marx Brothers . นึกถึงตอนในจดหมายถึงเพื่อนนักเขียนบทภาพยนตร์Gene Fowlerเขาบอกว่าเขาไม่ได้อ่านนวนิยายเรื่องนี้ แต่ Selznick และผู้กำกับ Fleming ไม่สามารถรอให้เขาอ่านได้ พวกเขาแสดงฉากตามสคริปต์ดั้งเดิมของ Sidney Howard ซึ่งจำเป็นต้องรีบเขียนใหม่ เฮชต์เขียนว่า "หลังจากแสดงและพูดคุยกันในแต่ละฉากแล้ว ฉันนั่งลงที่เครื่องพิมพ์ดีดแล้วเขียนออกมา เซลนิกและเฟลมมิงกระตือรือร้นที่จะแสดงต่อ รีบเร่งให้ฉันทำงานแบบนี้เป็นเวลาเจ็ดวัน สิบแปดถึงยี่สิบชั่วโมงต่อวัน Selznick ปฏิเสธที่จะให้เรากินอาหารกลางวันโดยอ้างว่าอาหารจะทำให้เราช้าลง เขาให้กล้วยและถั่วลิสงเค็ม ... ดังนั้นในวันที่เจ็ดฉันจึงเสร็จสิ้นเก้าม้วนแรกของ Civil มหากาพย์สงคราม”
MacAdams เขียนว่า "เป็นไปไม่ได้ที่จะระบุได้แน่ชัดว่า Hecht เขียนบทมากแค่ไหน ... ในเครดิตอย่างเป็นทางการที่ยื่นต่อScreen Writers Guildแน่นอนว่า Sidney Howard ได้รับเครดิตบทนี้แต่ผู้เขียนบทอีกสี่คนถูกต่อท้าย ... Jo Swerling สำหรับการมีส่วนร่วมในการรักษา Oliver HP Garrett และ Barbara Keon ในการสร้างบทภาพยนตร์ และ Hecht ไปจนถึงบทสนทนา ..." [19]
การถ่ายทำ
การถ่ายภาพหลักเริ่มขึ้นในวันที่ 26 มกราคม พ.ศ. 2482 และสิ้นสุดในวันที่ 1 กรกฎาคม โดยงานหลังการถ่ายทำดำเนินต่อไปจนถึงวันที่ 11 พฤศจิกายน พ.ศ. 2482 จอร์จ คูคอร์ ผู้กำกับ ซึ่งเซลซ์นิกมีความสัมพันธ์ในการทำงานมายาวนานและใช้เวลาเกือบสองปีในการเตรียมการถ่ายทำGone with the Windถูกแทนที่หลังจากถ่ายทำไม่ถึงสามสัปดาห์ [7] [nb 4] Selznick และ Cukor ไม่เห็นด้วยกับขั้นตอนของการถ่ายทำและสคริปต์[7] [20]แต่คำอธิบายอื่น ๆ ทำให้ Cukor ออกไปเนื่องจาก Gable รู้สึกไม่สบายใจในการทำงานกับเขา Emanuel Levyผู้เขียนชีวประวัติของ Cukor อ้างว่า Gable ทำงานในแวดวงเกย์ของฮอลลีวูดในฐานะนักต้มตุ๋นและ Cukor รู้อดีตของเขา Gable จึงใช้อิทธิพลของเขาเพื่อปลดเขาออก วิเวียน ลีห์และโอลิเวีย เดอ ฮาวิลแลนด์รู้เรื่องการยิงของคูกอร์ในวันที่มีการถ่ายทำฉากตลาดสดในแอตแลนตา และทั้งคู่ไปที่สำนักงานของเซลซ์นิคในชุดเต็มยศและอ้อนวอนให้เขาเปลี่ยนใจ วิคเตอร์ เฟลมมิงซึ่งกำกับThe Wizard of Ozถูกเรียกตัวจาก MGM เพื่อถ่ายทำภาพยนตร์เรื่องนี้ให้เสร็จ แม้ว่าคูคอร์จะยังคงเป็นโค้ชให้กับลีห์และเดอ ฮาวิลแลนด์เป็นการส่วนตัว [17]แซม วูดผู้อำนวยการ MGM อีกคนซึ่งทำงานเป็นเวลาสองสัปดาห์ในเดือนพฤษภาคม เมื่อเฟลมมิงออกจากการผลิตชั่วคราวเนื่องจากความเหนื่อยล้า แม้ว่าฉากบางฉากของ Cukor จะถูกถ่ายใหม่ในภายหลัง แต่ Selznick ประเมินว่างานของเขา "สามวงล้อทึบ" ยังคงอยู่ในการตัดขั้นสุดท้าย เมื่อสิ้นสุดการถ่ายภาพหลัก คูคอร์ใช้เวลาถ่ายทำสิบแปดวัน เฟลมมิงเก้าสิบสาม และวูดยี่สิบสี่วัน [7]
ผู้กำกับภาพลี การ์เมสเริ่มงานสร้าง แต่ในวันที่ 11 มีนาคม พ.ศ. 2482 หลังจากหนึ่งเดือนของการถ่ายทำภาพยนตร์ที่เซลนิกและเพื่อนร่วมงานมองว่า "มืดเกินไป" ก็ถูกแทนที่ด้วยเออร์เนสต์ ฮัลเลอร์โดยทำงานร่วมกับช่างถ่ายภาพยนตร์ เทคนิคสี เรย์ เรนนาฮา น การ์เมสสร้างเสร็จในสามส่วนแรกของภาพยนตร์เรื่องนี้ ซึ่งส่วนใหญ่เป็นทุกอย่างก่อนที่เมลานีจะมีลูก แต่ไม่ได้รับเครดิต [23]
การถ่ายทำส่วนใหญ่ถ่ายทำที่ " 40 หลัง " ของ Selznick International โดยมีฉากสถานที่ถ่ายทำในแคลิฟอร์เนีย ส่วนใหญ่อยู่ในลอสแองเจลีสเคาน์ตี้หรือเวนทูราเคาน์ตี้ที่ อยู่ใกล้เคียง ธารา บ้านสวนทางตอนใต้ของ ตัวละคร มีอยู่ในฐานะไม้อัดและซุ้มกระดาษอัดซึ่งสร้างบนพื้นที่สตูดิโอของ Selznick เท่านั้น สำหรับการ เผาแอตแลนตา มีการสร้างอาคารปลอมขึ้นใหม่ด้านหน้าฉากเก่าที่ถูกทิ้งร้างจำนวนมากของ Selznick backlot และ Selznick เองก็เป็นผู้ดำเนินการควบคุมวัตถุระเบิดที่เผาพวกมัน [3]แหล่งข่าวในขณะนั้นประเมินต้นทุนการผลิตไว้ที่ 3.85 ล้านดอลลาร์ ทำให้เป็นภาพยนตร์ที่แพงที่สุดอันดับสองที่สร้างขึ้นจนถึงจุดนั้น โดยมีเพียงBen-Hur (1925) มีค่าใช้จ่ายมากขึ้น [26] [nb 5]
แม้ว่าตำนานจะยืนยันว่าสำนักงาน Haysปรับ Selznick 5,000 ดอลลาร์สำหรับการใช้คำว่า "ประณาม" ในบรรทัดทางออกของ Butlerแต่ในความเป็นจริง คณะกรรมการ สมาคมภาพยนตร์ได้ผ่านการแก้ไขรหัสการผลิตเมื่อวันที่ 1 พฤศจิกายน พ.ศ. 2482 ซึ่งห้ามใช้คำว่า "นรก" " หรือ "ประณาม" ยกเว้นเมื่อการใช้ "จำเป็นและจำเป็นสำหรับการแสดงภาพในบริบททางประวัติศาสตร์ที่เหมาะสมของฉากหรือบทสนทนาใด ๆ ที่อิงตามข้อเท็จจริงทางประวัติศาสตร์หรือนิทานพื้นบ้าน ... หรือการอ้างอิงจากงานวรรณกรรม โดยมีเงื่อนไขว่าห้ามใช้เช่นนั้น จะต้องได้รับอนุญาตซึ่งเป็นการคัดค้านโดยเนื้อแท้หรือขัดต่อรสนิยมที่ดี" ด้วยการแก้ไขดังกล่าวฝ่ายบริหารรหัสการผลิตไม่คัดค้านการปิดไลน์ของ Rhett อีกต่อไป [28]
ดนตรี
ในการแต่งเพลงประกอบนั้น Selznick เลือกMax Steinerซึ่งเขาเคยทำงานที่ RKO Pictures ในช่วงต้นทศวรรษ 1930 Warner Bros. ซึ่งทำสัญญากับ Steiner ในปี 1936 ตกลงที่จะให้ Selznick ยืมตัวเขา Steiner ใช้เวลา 12 สัปดาห์ในการแต่งเพลง ซึ่งเป็นระยะเวลาที่ยาวนานที่สุดที่เขาเคยใช้เวลาเขียนเพลงหนึ่งเพลง และนานถึง 2 ชั่วโมง 36 นาที มันก็นานที่สุดเท่าที่เขาเคยเขียนมาเช่นกัน จ้างนักดนตรีห้าคน: Hugo Friedhofer , Maurice de Packh, Bernhard Kaun , Adolph Deutschและ Reginald Bassett
เพลงประกอบละครมีธีมความรัก 2 ธีม ธีมหนึ่งสำหรับความรักที่หอมหวานของแอชลีย์และเมลานี และอีกธีมที่กระตุ้นความหลงใหลของสการ์เล็ตต์ที่มีต่อแอชลีย์ แม้ว่าจะไม่มีธีมความรักของสการ์เลตต์และเรตต์ก็ตาม Steiner ดึงดนตรีโฟล์คและเพลงรักชาติมาใช้อย่างมาก ซึ่งรวมถึง เพลงของ Stephen Fosterเช่น "Louisiana Belle", "Dolly Day", "Ringo De Banjo", " Beautiful Dreamer ", " Old Folks at Home " และ "Katie Belle" ซึ่งเป็นพื้นฐานของธีมของ Scarlett; เพลงอื่นที่โดดเด่นได้แก่: "Marching through Georgia" โดยHenry Clay Work , " Dixie ", " Garryowen " และ "" ธีมที่เกี่ยวข้องกับภาพยนตร์เรื่องนี้มากที่สุดในปัจจุบันคือท่วงทำนองที่คลอไปกับ Tara ไร่โอฮาร่า ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1940 "Tara's Theme" เป็นพื้นฐานทางดนตรีของเพลง "My Own True Love" โดยMack Davidโดยรวมแล้วมีเพลงแยกย่อยเก้าสิบเก้าเพลงในโน้ตเพลง
เนื่องจากความกดดันในการแต่งเพลงให้เสร็จตรงเวลา Steiner จึงได้รับความช่วยเหลือในการแต่งเพลงจาก Friedhofer, Deutsch และHeinz Roemheldนอกจากนี้ ท่อนสั้นๆ 2 เพลงโดยFranz WaxmanและWilliam Axtถูกนำมาจากคะแนนในห้องสมุด MGM
ประวัติความเป็นมาและการตีพิมพ์
Margaret Mitchellเกิดในปี 1900 ในแอตแลนตาเป็น คนใต้และเป็นนักเขียนมาตลอดชีวิตของเธอ เธอเติบโตมากับการได้ยินเรื่องราวเกี่ยวกับสงครามกลางเมืองอเมริกาและการฟื้นฟูจากคุณย่าชาวไอริช-อเมริกันแอนนี่ ฟิตซ์เจอรัลด์ สตีเฟนส์ผู้ซึ่งต้องทนทุกข์ทรมานขณะอาศัยอยู่ในสวนของครอบครัว บ้าน ในชนบท เมย์เบล สตีเฟนส์ มิทเชลล์แม่ผู้เข้มแข็งและเฉลียวฉลาดของเธอเป็น ผู้มีสิทธิ เลือกตั้งที่ต่อสู้เพื่อสิทธิสตรีในการลงคะแนนเสียง [44]
มิตเชลล์พบรักกับนายทหารคนหนึ่ง เขาเสียชีวิตในสงครามโลกครั้งที่ 1 และเธอจะจดจำความทรงจำของเขาไปตลอดชีวิต หลังจากเรียนที่วิทยาลัยสมิธเป็นเวลาหนึ่งปี ซึ่งเป็นช่วงเวลาที่แม่ของเธอเสียชีวิตจากโรคไข้หวัดใหญ่ระบาด ในปี พ.ศ. 2461 มิทเชลล์ก็กลับไปแอตแลนตา เธอแต่งงานแล้ว แต่สามีของเธอเป็นคนเถื่อน มิทเชลล์รับงานเขียนบทความสารคดีสำหรับวารสารแอตแลนตาในช่วงเวลาที่ผู้เปิดตัวในชั้นเรียนของเธอไม่ได้ทำงาน หลังจากหย่าขาดจากสามีคนแรก เธอแต่งงานอีกครั้งกับชายผู้มีความสนใจในการเขียนและวรรณกรรมเหมือนเธอ เขาเป็นผู้ชายที่ดีที่สุดในงานแต่งงานครั้งแรกของเธอ [45]
Margaret Mitchell เริ่มเขียนGone with the Windในปี 1926 เพื่อข้ามเวลาไปในขณะที่ฟื้นตัวจากอาการบาดเจ็บที่รักษาได้ช้าจากอุบัติเหตุรถชน [46]ในเดือนเมษายน พ.ศ. 2478 แฮโรลด์ ลาแธมแห่งมักมิลลัน บรรณาธิการที่กำลังมองหานิยายเรื่องใหม่ อ่านต้นฉบับของเธอและเห็นว่าเรื่องนี้น่าจะเป็นหนังสือขายดี หลังจากที่ลาแธมตกลงที่จะจัดพิมพ์หนังสือ มิตเชลล์ทำงานอีกหกเดือนเพื่อตรวจสอบข้อมูลอ้างอิงทางประวัติศาสตร์และเขียนบทเปิดใหม่หลายครั้ง มิทเชลล์และสามีของเธอ จอห์น มาร์ช บรรณาธิการสำเนาโดยการค้า แก้ไขฉบับสุดท้ายของนวนิยาย มิทเชลเขียนช่วงเวลาสุดท้ายของหนังสือเล่มนี้ก่อนแล้วจึงเขียนเหตุการณ์ที่นำไปสู่พวกเขา [48] Gone with the Windตีพิมพ์ในเดือนมิถุนายน พ.ศ. 2479[49]
ชื่อ
ผู้เขียนตั้งชื่อนิยายอย่างไม่แน่นอนว่าพรุ่งนี้เป็นอีกวันจากบรรทัดสุดท้าย ชื่อที่เสนออื่น ๆ ได้แก่Bugles Sang True , Not in Our StarsและTote the Weary Load [47]ในที่สุด ชื่อเรื่องที่มิตเชลล์เลือกมาจากบรรทัดแรกของบทที่สามของบทกวี "Non Sum Qualis Eram Bonae sub Regno Cynarae" โดยErnest Dowson :
Scarlett O'Hara ใช้วลีชื่อเรื่องเมื่อเธอสงสัยว่าบ้านของเธอในไร่ที่เรียกว่า " Tara " ยังคงตั้งอยู่หรือไม่ หรือว่า "หายไปกับสายลมที่พัดผ่านจอร์เจีย" [16]ในความหมายทั่วไป ชื่อเรื่องเป็นการอุปมาอุปไมยถึงการล่มสลายของวิถีชีวิตในภาคใต้ก่อนสงครามกลางเมือง เมื่อนำมาพิจารณาในบริบทของบทกวีของ Dowson เกี่ยวกับ "Cynara" วลี "หายไปกับสายลม" หมายถึงการสูญเสียกาม บทกวีแสดงความเสียใจของใครบางคนที่สูญเสียความรู้สึกที่มีต่อ "ความหลงใหลเก่า" ของเขา Cynara [53]Cynara ของ Dowson ชื่อที่มาจากคำภาษากรีกสำหรับอาติโช๊คแสดงถึงความรักที่หายไป [54]
เป็นไปได้ว่าผู้เขียนได้รับอิทธิพลจากการเชื่อมโยงวลี "Gone with the wind" กับ Tara ในแนวของ Ulysses ของJames Joyceในบท "Aeolus"
โครงสร้าง
เรื่องเล่าวัยใส
Margaret Mitchell จัดเรียงGone with the Windตามลำดับเวลา โดยเน้นไปที่ชีวิตและประสบการณ์ของตัวละครหลัก Scarlett O'Hara ขณะที่เธอเติบโตจากวัยรุ่นสู่วัยผู้ใหญ่ ในช่วงเวลาของนวนิยายเรื่องนี้ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2404 ถึง พ.ศ. 2416 สการ์เล็ตต์มีอายุตั้งแต่สิบหกถึงยี่สิบแปดปี นี่คือประเภทของBildungsroman , [55]นวนิยายที่เกี่ยวข้องกับการเติบโตทางศีลธรรมและจิตใจของตัวเอกจากวัยหนุ่มสาวสู่วัยผู้ใหญ่ (เรื่องราวที่กำลังจะมาถึง) พัฒนาการของ Scarlett ได้รับผลกระทบจากเหตุการณ์ในช่วงเวลาของเธอ มิทเชลล์ใช้โครงสร้างการเล่าเรื่องเชิงเส้นที่ราบรื่น นวนิยายเรื่องนี้ขึ้นชื่อเรื่อง "ความอ่านง่าย" ที่ยอดเยี่ยม [56]เนื้อเรื่องเต็มไปด้วยตัวละครที่สดใส
ประเภท
Gone with the Windมักจะจัดอยู่ในวรรณกรรมประเภทย่อยของนวนิยายอิงประวัติศาสตร์ พาเมลา เรจิสแย้งว่าจัดประเภทเป็นนวนิยายอิงประวัติศาสตร์ ได้อย่างเหมาะสมกว่า เนื่องจากไม่มีองค์ประกอบทั้งหมดของแนวโรแมนติก นวนิยายเรื่องนี้ได้รับการอธิบายว่าเป็นคลาสสิกยุคแรกของประเภทประวัติศาสตร์อีโรติกเพราะคิดว่ามีภาพอนาจารในระดับหนึ่ง [59]
องค์ประกอบพล็อต
การเป็นทาส
การเป็นทาสในสหรัฐอเมริกาในGone with the Windเป็นฉากหลังของเรื่องราวที่เกี่ยวข้องกับสิ่งอื่นเป็นหลัก [60]นิยายเกี่ยวกับสวนทางใต้ (หรือที่เรียกว่าวรรณกรรมต่อต้านทอมโดยอ้างอิงถึงปฏิกิริยาต่อนวนิยายต่อต้านการเป็นทาสของแฮเรียต บีเชอร์ สโตว์ , กระท่อมของลุงทอมในปี 1852) จากกลางศตวรรษที่ 19 ซึ่งถึงจุดสูงสุดในGone with the Wind , เขียนขึ้นจากมุมมองและค่านิยมของเจ้าของทาสและมีแนวโน้มที่จะนำเสนอทาสว่านอนสอนง่ายและมีความสุข [61]
ระบบวรรณะ
ตัวละครในนวนิยายถูกจัดออกเป็นสองกลุ่มพื้นฐานตามสายชั้นเรียน: ชนชั้นชาวไร่สีขาว เช่น สการ์เลตต์และแอชลีย์ และชนชั้นคนใช้ในบ้านสีดำ ทาสที่ปรากฎในGone with the Windส่วนใหญ่เป็นคนรับใช้ในบ้านที่ภักดี เช่น แมมมี่ หมู พริสซี่ และลุงปีเตอร์ [62]คนรับใช้ในบ้านเป็น " วรรณะ " สูงสุด ของทาสในระบบวรรณะของมิตเชลล์ [36]พวกเขาเลือกที่จะอยู่กับเจ้านายของพวกเขาหลังจากการประกาศการปลดปล่อยในปี 1863 และการแก้ไขครั้งที่สิบสามที่ ตามมาของ 1865 ทำให้พวกเขาเป็นอิสระ ในบรรดาคนรับใช้ที่อาศัยอยู่ที่ทารา สการ์เลตต์คิดว่า "พวกเขามีคุณสมบัติของความภักดี ความไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย และความรักที่ความเครียดไม่สามารถทำลายได้ ไม่มีเงินก็ซื้อได้" [63]
ทาสภาคสนามเป็นชนชั้นล่างในระบบวรรณะของมิตเชลล์ [36] [64]ทาสทุ่งจากไร่ธาราและหัวหน้าคนงาน บิ๊กแซม ถูกทหารสัมพันธมิตรนำตัวไปขุดคูน้ำ[8]และไม่เคยกลับไปที่ไร่ มิทเชลเขียนว่าทาสทุ่งคนอื่น "ภักดี" และ "ปฏิเสธที่จะใช้ประโยชน์จากอิสรภาพใหม่", [36]แต่นวนิยายเรื่องนี้ไม่มีทาสทุ่งที่อยู่ในไร่เพื่อทำงานหลังจากที่พวกเขาได้รับการปลดปล่อยแล้ว
ชาวอเมริกันวิลเลียม เวลส์ บราวน์หลุดพ้นจากการเป็นทาสและตีพิมพ์ไดอารี่หรือเรื่องเล่าเกี่ยวกับทาสในปี พ.ศ. 2390 เขาเขียนเกี่ยวกับความไม่เสมอภาคในเงื่อนไขระหว่างคนรับใช้ในบ้านและมือภาคสนาม:
ในช่วงเวลาที่มิสเตอร์คุกเป็นผู้ดูแล ฉันเป็นคนรับใช้ในบ้าน – สถานการณ์ดีกว่ามือภาคสนาม เพราะฉันได้รับอาหารดีกว่า เสื้อผ้าดีกว่า และไม่จำเป็นต้องลุกตามเสียงกริ่ง แต่ประมาณครึ่งชั่วโมงหลังจากนั้น . ฉันมักจะนอนและได้ยินเสียงแส้และเสียงกรีดร้องของทาส [65]
ทาสผู้ซื่อสัตย์และจงรักภักดี
ย้อนเวลากลับไปในยุคมืดมนของต้นทศวรรษที่ 60 ซึ่งน่าเสียใจที่เป็นเช่นนั้น – ผู้คนต่อสู้ หลั่งเลือด และเสียชีวิตเพื่ออิสรภาพของชาวนิโกร – อิสรภาพของเธอ! – และเธอก็ยืนดูและทำหน้าที่ ของเธอ ที่คูน้ำสุดท้าย –
มันเป็นชีวิตของเธอที่ต้องรับใช้และเธอก็ทำมันได้ดี
ขณะที่ถูกยิงและกระสุนดังกึกก้องเพื่อปลดพันธนาการการเป็นทาสออกจากร่างกายและจิตวิญญาณของเธอ เธอรัก ต่อสู้เพื่อ และปกป้อง พวกเราที่จับเธอเป็นทาส "มาร์สเตอร์" และ "มิสซิส!" ของเธอ
—ตัดตอนมาจากMy Old Black Mammyโดย James W. Elliott, 1914. [66]
แม้ว่านวนิยายจะมีความยาวมากกว่า 1,000 หน้า แต่ตัวละครของ Mammy ไม่เคยคิดว่าชีวิตของเธอจะเป็นอย่างไรเมื่ออยู่ห่างจาก Tara เธอ ตระหนักถึงอิสระที่จะไปไหนมาไหนตามที่เธอต้องการ โดยพูดว่า "อา ว่างแล้ว มิสสการ์เลตต์ คุณช่วยฉันหน่อยได้ไหม อา ดวน เวนเทอร์ ไป" แต่แมมมี่ยังคงมีหน้าที่รับผิดชอบ "มิสเอลเลน ชิลี" [11] (ไม่มีชื่ออื่นสำหรับ Mammy ในนวนิยายเรื่องนี้)
สิบแปดปีก่อนการตีพิมพ์Gone with the Windบทความชื่อ "The Old Black Mammy" เขียนในConfederate Veteranในปี 1918 กล่าวถึงมุมมองโรแมนติกของตัวละครแม มมีที่ คงอยู่ในวรรณกรรมภาคใต้ :
ด้วยความสัตย์ซื่อและความทุ่มเทของเธอ เธอจึงถูกจารึกไว้ในวรรณกรรมของภาคใต้ ดังนั้นความทรงจำของเธอจะไม่มีวันผ่านไป แต่จะมีชีวิตอยู่ต่อไปในนิทานที่เล่าขานถึง "วันตายที่ไม่มีวันหวนคิดถึง" เหล่านั้น [68] [69]
Micki McElyaในหนังสือClinging to Mammy ของเธอ นำเสนอตำนานของทาสผู้ซื่อสัตย์ในร่างของ Mammy ที่อ้อยอิ่งเพราะคนอเมริกันผิวขาวปรารถนาที่จะอยู่ในโลกที่ชาวแอฟริกันอเมริกันไม่โกรธต่อความอยุติธรรมของการเป็นทาส [70]
นวนิยายต่อต้านระบบทาสที่ขายดีที่สุดเรื่องUncle Tom's Cabinโดย Harriet Beecher Stowe ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1852 ได้รับการกล่าวถึงสั้นๆ ในGone with the Windว่าได้รับการยอมรับจากพวกแยงกีว่าเป็น ความ สนใจที่ยั่งยืนของทั้ง กระท่อมของ ลุงทอมและGone with the Windส่งผลให้เกิดแบบแผนของทาสผิวดำในศตวรรษที่ 19 [71] Gone with the Windได้กลายเป็นจุดอ้างอิงสำหรับนักเขียนคนต่อมาเกี่ยวกับภาคใต้ ทั้งขาวและดำเหมือนกัน [72]
ระฆังใต้
Young คิดถึง whut ขมวดคิ้วและ' ดันออกมา dey chins an' พูดว่า 'Ah will' an' 'Ah woan' mos' โดยทั่วไปจะเป็นสามีของสามี
—แมมมี่[23]
เบลล์ทางตอนใต้เป็นแม่แบบสำหรับหญิงสาวของชนชั้นสูงในอเมริกาตอนใต้ก่อนวัยอันควร เชื่อกันว่าสาวงามทางใต้นั้นมีเสน่ห์ทางร่างกาย แต่ที่สำคัญกว่านั้นคือมีเสน่ห์โดยส่วนตัวพร้อมกับทักษะทางสังคมที่ซับซ้อน เธออยู่ภายใต้หลักปฏิบัติที่ถูกต้องของเพศหญิง นางเอกของนวนิยายเรื่อง Scarlett O'Hara มีเสน่ห์แม้ว่าจะไม่สวย
สำหรับ Scarlett สาว สาวใต้ในอุดมคติคือ Ellen O'Hara แม่ของเธอ ใน "A Study in Scarlett" ที่ตีพิมพ์ในThe New Yorker Claudia Roth Pierpontเขียนว่า :
เด็กหญิงชาวใต้ได้รับการอบรมให้สอดคล้องกับสายพันธุ์ย่อยของ "สุภาพสตรี" ในศตวรรษที่ 19 ... สำหรับ Scarlett อุดมคตินั้นรวมอยู่ในมารดาผู้น่ารักของเธอ Ellen ผู้ศักดิ์สิทธิ์ ซึ่งหลังของเขาไม่เคยพิงพนักเก้าอี้เลย ที่เธอนั่งซึ่งวิญญาณแตกสลายทุกหนทุกแห่งถูกเข้าใจผิดว่าเป็นความสงบโดยชอบธรรม[74]
อย่างไรก็ตาม Scarlett ไม่เต็มใจที่จะปฏิบัติตามเสมอไป Kathryn Lee Seidel ในหนังสือของเธอThe Southern Belle in the American Novelเขียนว่า:
ส่วนหนึ่งของเธอพยายามที่จะกบฏต่อข้อ จำกัด ของหลักปฏิบัติที่พยายามหล่อหลอมเธอให้เป็นรูปแบบที่เธอไม่เหมาะตามธรรมชาติ [75]
สการ์เล็ตต์สวมบทบาทเป็นสาวใต้ผู้เย้ายวนใจ ใช้ชีวิตผ่านโชคชะตาและความมั่งคั่งที่ผันผวนสุดขีด และเอาชีวิตรอดเพื่อสร้างทาราและความนับถือตนเองของเธอขึ้นมาใหม่ [76]ลักษณะที่ดีงามของเธอ (ความหลอกลวง ความเฉลียวฉลาด เจ้าเล่ห์ และความฉาบฉวยของ Scarlett) ซึ่งตรงกันข้ามกับลักษณะที่ดีงามของ Melanie (ความไว้ใจ การเสียสละ และความภักดี) ทำให้เธอสามารถอยู่รอดได้ในช่วงหลังสงครามทางตอนใต้และไล่ตามเธอไป ผลประโยชน์หลักซึ่งก็คือการหาเงินให้เพียงพอต่อการอยู่รอดและมั่งคั่ง แม้ว่า สการ์เล็ตต์จะ "เกิด" ราวปี พ.ศ. 2388 แต่เธอก็มีภาพลักษณ์ที่ดึงดูดใจผู้อ่านในยุคปัจจุบันด้วยจิตวิญญาณที่กระตือรือร้นและเป็นอิสระ ความมุ่งมั่น และการปฏิเสธที่ดื้อรั้นที่จะรู้สึกพ่ายแพ้ [78]
ภูมิหลังทางประวัติศาสตร์
การแต่งงานควรจะเป็นเป้าหมายของสตรีชาวใต้ทั้งหมด เนื่องจากสถานะของผู้หญิงถูกกำหนดโดยสามีเป็นส่วนใหญ่ การแสวงหาทางสังคมและการศึกษาทั้งหมดมุ่งตรงไปที่มัน แม้จะมีสงครามกลางเมืองและการสูญเสียผู้ชายที่มีคุณสมบัติเหมาะสมไปรุ่นหนึ่ง แต่หญิงสาวก็ยังถูกคาดหวังให้แต่งงาน [79]ตามกฎหมายและแบบแผนทางสังคมภาคใต้ หัวหน้าครัวเรือนเป็นผู้ใหญ่ ผู้ชายผิวขาว และผู้หญิงผิวขาวทุกคนและชาวแอฟริกันอเมริกันทุกคนคิดว่าต้องการการปกป้องและคำแนะนำเพราะพวกเขาขาดความสามารถในการใช้เหตุผลและการควบคุมตนเอง [80]
สมาคมประวัติศาสตร์แอตแลนตา ได้จัดแสดงนิทรรศการ Gone with the Windจำนวนหนึ่ง ในจำนวน นี้ จัดแสดงในปี 1994 ที่มีชื่อว่า "Disputed Territories: Gone with the Wind and Southern Myths" นิทรรศการถามว่า "สการ์เล็ตต์เป็นผู้หญิงหรือเปล่า" โดยพบว่าในอดีตผู้หญิงส่วนใหญ่ในยุคนั้นไม่ได้มีส่วนร่วมในกิจกรรมทางธุรกิจ เนื่องจากสการ์เลตต์อยู่ในช่วงสร้างใหม่เมื่อเธอบริหารโรงเลื่อย ผู้หญิงผิวขาวทำงานแบบดั้งเดิม เช่น สอนและเย็บผ้า และโดยทั่วไปไม่ชอบทำงานนอกบ้าน [81]
ในช่วงสงครามกลางเมือง สตรีชาวใต้มีบทบาทสำคัญในการเป็นพยาบาลอาสาสมัครที่ทำงานในโรงพยาบาลชั่วคราว หลายคนเป็นผู้หญิงชนชั้นกลางและชนชั้นสูงที่ไม่เคยทำงานเพื่อรับค่าจ้างหรือได้เห็นภายในโรงพยาบาล พยาบาลคนหนึ่งคือเอดา ดับเบิลยู. บาคอต หญิงม่ายสาวที่สูญเสียลูกสองคน Bacot มาจากครอบครัวไร่นาใน เซาท์แคโรไลนาที่ร่ำรวยซึ่งเป็นเจ้าของทาส 87 คน [82]
ในฤดูใบไม้ร่วงปี พ.ศ. 2405 กฎหมายของสมาพันธรัฐได้มีการเปลี่ยนแปลงเพื่ออนุญาตให้ผู้หญิงทำงานในโรงพยาบาลในฐานะสมาชิกของแผนกการแพทย์ของสมาพันธรัฐ [83] Kate Cummingพยาบาลอายุ 27 ปีจาก Mobile, Alabama บรรยายถึงสภาพโรงพยาบาลในยุคดึกดำบรรพ์ในบันทึกของเธอ:
พวกเขาอยู่ในห้องโถง บนแกลเลอรี และแออัดอยู่ในห้องเล็กๆ ในตอนแรกอากาศที่เหม็นจากมวลมนุษย์ทำให้ฉันเวียนหัวและป่วย แต่ไม่นานฉันก็เอาชนะมันได้ เราต้องเดินและเมื่อเราคุกเข่าลง เลือดและน้ำให้พวกเขา แต่เราไม่คิดอะไรเลย [84]
การต่อสู้
สงครามกลางเมืองสิ้นสุดลงในวันที่ 26 เมษายน พ.ศ. 2408 เมื่อนายพลจอห์นสตัน ฝ่ายสัมพันธมิตร ยอมจำนนกองทัพของเขาในการรณรงค์ของแคโรไลนาต่อนายพลเชอร์แมน มีการกล่าวถึงหรือแสดงการต่อสู้หลายครั้งในGone with the Wind
ช่วงต้นและกลางปีแห่งสงคราม
- การรบเจ็ดวัน 25 มิถุนายน – 1 กรกฎาคม พ.ศ. 2405 ริชมอนด์ เวอร์จิเนีย ชัยชนะของฝ่ายสัมพันธมิตร [7]
- การรบแห่งเฟรเดอริกส์เบิร์ก 11–15 ธันวาคม พ.ศ. 2405 เฟรเดอริคเบิร์ก เวอร์จิเนีย ชัยชนะของฝ่ายสัมพันธมิตร [34]
- Streight's Raid 19 เมษายน - 3 พฤษภาคม พ.ศ. 2406 ทางตอนเหนือของแอละแบมา พันเอกสเตรท และคนของเขาถูกจับโดย นายพลนาธาน เบดฟอร์ด ฟอร์เรสต์ [34]
- การรบแห่งแช นเซลเลอ ร์สวิลล์ 30 เมษายน - 6 พฤษภาคม พ.ศ. 2406 ในสปอตซิลเวเนียเคาน์ตี เวอร์จิเนีย ใกล้กับหมู่บ้านแชนเซลเลอร์สวิลล์ เวอร์จิเนีย ชัยชนะของฝ่ายสัมพันธมิตร [34]
- Ashley Wilkes ประจำการอยู่ที่แม่น้ำ Rapidan รัฐเวอร์จิเนียในฤดูหนาวปี พ.ศ. 2406 หลังจากนั้น [85]ถูกจับและถูกส่งไปยังค่ายกักกันของสหภาพRock Island [86]
- การปิดล้อมวิกส์เบิร์ก 18 พฤษภาคม – 4 กรกฎาคม พ.ศ. 2406 วิกส์เบิร์ก มิสซิสซิปปี ชัยชนะของสหภาพ [34]
- ยุทธการเกตตีสเบิร์ก 1-3 กรกฎาคม พ.ศ. 2406 ต่อสู้ในและรอบๆ เมืองเกตตีสเบิร์ก เพนซิลเวเนีย ชัยชนะของสหภาพ "พวกเขาคาดหวังความตาย พวกเขาไม่ได้คาดหวังความพ่ายแพ้" [34]
- การรบแห่งชิกกามอกา 19–20 กันยายน พ.ศ. 2406 ทางตะวันตกเฉียงเหนือของจอร์เจีย การต่อสู้ครั้งแรกในจอร์เจียและความพ่ายแพ้ของสหภาพที่สำคัญที่สุด [86]
- แคมเปญแชตทานูกาพฤศจิกายน–ธันวาคม พ.ศ. 2406 เทนเนสซี ชัยชนะของสหภาพ เมืองนี้กลายเป็นฐานการจัดหาและการขนส่งสำหรับแคมเปญแอตแลนตาของเชอร์แมนในปี 2407 [86]
แคมเปญแอตแลนตา
การรณรงค์แอตแลนตา (พฤษภาคม-กันยายน 2407) เกิดขึ้นทางตะวันตกเฉียงเหนือของจอร์เจียและบริเวณรอบๆ แอตแลนตา
นายพลจอห์นสตันคนสนิทต่อสู้และล่าถอยจากดาลตัน (7–13 พฤษภาคม) [8]ไปยังเรซากา(13–15 พฤษภาคม) ถึงภูเขาเคนเนซอร์ (27 มิถุนายน) นายพลเชอร์แมนของสหภาพประสบความสูญเสียอย่างหนักต่อกองทัพสัมพันธมิตรที่ยึดที่มั่น ไม่สามารถผ่าน Kennesaw ได้ เชอร์แมนเหวี่ยงคนของเขาไปที่แม่น้ำ Chattahoocheeซึ่งกองทัพสัมพันธมิตรรออยู่ที่ฝั่งตรงข้ามของแม่น้ำ เป็นอีกครั้งที่นายพลเชอร์แมนขนาบข้างกองทัพสัมพันธมิตร บีบให้จอห์นสตันล่าถอยไปยังพีชทรีครีก (20 กรกฎาคม) ซึ่งอยู่ห่างจากแอตแลนตาไปทางตะวันออกเฉียงเหนือ 5 ไมล์
- การรบแห่งแอตแลนตา 22 กรกฎาคม พ.ศ. 2407 ทางตะวันออกเฉียงใต้ของแอตแลนตา เมืองนี้จะไม่พังทลายลงจนกว่าจะถึงวันที่ 2 กันยายน พ.ศ. 2407 การสูญเสียอย่างหนักสำหรับนายพลฮูดแห่งสมาพันธรัฐ
- การรบที่โบสถ์เอซรา 28 กรกฎาคม พ.ศ. 2407 เชอร์แมนล้มเหลวในการโจมตีทางตะวันตกของแอตแลนตา ซึ่งทางรถไฟเข้ามาในเมือง
- การรบที่ Utoy Creek , 5–7 สิงหาคม พ.ศ. 2407 ความพยายามของเชอร์แมนล้มเหลวในการทำลายทางรถไฟที่อีสต์พอยต์เข้าสู่แอตแลนตาจากทางตะวันตก สหภาพแรงงานสูญเสียอย่างหนัก
- ยุทธการที่โจนส์โบโรห์ 31 สิงหาคม – 1 กันยายน พ.ศ. 2407 เชอร์แมนตัดทางรถไฟจากทางใต้เข้าสู่แอตแลนตาได้สำเร็จ เมืองแอตแลนตาถูกทิ้งร้างโดยนายพลฮูดและถูกยึดครองโดยกองทหารพันธมิตรในช่วงที่เหลือของสงคราม
เดินทัพไปทะเล
การรณรงค์สะวันนาดำเนินการในจอร์เจียระหว่างเดือนพฤศจิกายนและธันวาคม พ.ศ. 2407
การสังหารประธานาธิบดีลินคอล์น
แม้ว่าจะ มีการกล่าวถึง อับราฮัม ลินคอล์นในนวนิยายเรื่องนี้ถึง 14 ครั้ง แต่ไม่มีการกล่าวถึงการลอบสังหาร เขา เมื่อวันที่ 14 เมษายน พ.ศ. 2408
ความเป็นลูกผู้ชาย
ที่รักของใครบางคน! ยังเด็กและกล้าหาญมาก! ใบหน้าที่อ่อนหวานยังคงสวมอยู่ - ในไม่ช้าจะถูกฝุ่นจากหลุมฝังกลบ - แสงแห่งความสง่างามในวัยเด็กของเขา!
— Somebody's Darlingโดย Marie La Coste แห่งจอร์เจีย [8] [87]
แอชลีย์ วิลค์สเป็นสุภาพบุรุษในอุดมคติของความเป็นชายใต้ในสายตาของสการ์เลตต์ แอชลีย์ เป็นชาวไร่โดยได้รับมรดก รู้ว่าพรรคร่วมใจตายแล้ว [88]อย่างไรก็ตาม ชื่อของแอชลีย์บ่งบอกถึงความซีดเซียว "ผิวสีซีดของเขาบ่งบอกถึงแนวคิดเรื่องความตายของสัมพันธมิตร" [89]
แอชลีย์ครุ่นคิดที่จะออกจากจอร์เจียไปนิวยอร์กซิตี้ หากเขาไปทางเหนือ เขาคงเข้าร่วมการปลูกถ่ายอวัยวะของอดีตสมาพันธรัฐอีกหลายแห่งที่นั่น แอ ชลีย์รู้สึกขมขื่นจากสงคราม บอกสการ์เล็ตต์ว่าเขา "อยู่ในสถานะหยุดการเคลื่อนไหว" นับตั้งแต่ยอมจำนน เขารู้สึกว่าเขาไม่ได้ "แบกรับภาระของผู้ชาย" ที่ทารา และเชื่อว่าเขา "น้อยกว่าผู้ชายมาก น้อยกว่าผู้หญิงมากจริงๆ" [21]
"ความฝันของเด็กสาวที่มีต่ออัศวินผู้สมบูรณ์แบบ", [19]แอชลีย์ก็เหมือนเด็กสาวคนหนึ่ง [90]ด้วย "สายตาของกวี", [91]แอชลีย์มี "ความอ่อนไหวแบบผู้หญิง" สกา ร์เลตต์โกรธที่ "คำด่าทอของแอชลีย์" เมื่อพ่อของเธอบอกเธอว่าครอบครัววิลค์ส [20] (การใช้คำว่า "เควียร์" ของมิทเชลเป็นความหมายแฝงทาง เพศเพราะ เควี ยร์ ในช่วงทศวรรษที่ 1930 มีความเกี่ยวข้องกับรักร่วมเพศ) [93]ความเป็นหญิงของแอชลีย์เกี่ยวข้องกับรูปร่างหน้าตาของเขา การขาดพลังและความไร้สมรรถภาพทางเพศ [94]เขาขี่ม้า เล่นโปกเกอร์ และดื่มแบบ "ผู้ชายที่ดี"แอชลีย์สวมหัวของเมดูซ่าบนผ้าผูกคอ[20] [93]
แอชลีย์ วิลค์ส คนรักของสการ์เล็ตต์ขาดความเป็นลูกผู้ชาย และสามีของเธอที่ "หน้าเหมือนลูกวัว" [5]ชาร์ลส์ แฮมิลตัน และ "สาวแก่ใส่กางเกงใน", [5]แฟรงก์ เคนเนดี - ก็ไม่มีลูกผู้ชายเช่นกัน มิทเชลวิจารณ์ความเป็นชายในสังคมภาคใต้ตั้งแต่ยุคฟื้นฟู [96]แม้แต่ Rhett Butler ผู้สำรวยที่ได้รับการดูแลเป็นอย่างดี[97]ก็ยังเป็นผู้หญิงที่อ่อนแอหรือ "เกย์รหัส" [98]ชาร์ลส์ แฟรงก์ และแอชลีย์เป็นตัวแทนของความอ่อนแอของขาวใต้หลังสงคราม [89]อำนาจและอิทธิพลของมันลดลง
สกอลลาวัก
คำว่า "สแกลลาวัก" หมายถึง คนเกียจคร้าน คนพเนจร หรือคนพาล [99] Scallawagมีความหมายพิเศษหลังจากสงครามกลางเมืองในฐานะฉายาของชาวใต้ผิวขาวที่ยอมรับและสนับสนุนการปฏิรูปของพรรครีพับลิกัน มิทเชลล์ให้คำจำกัดความของสแกลลาแวกว่าเป็น "ชาวใต้ที่เปลี่ยนพรรครีพับลิกันอย่างมีกำไร" [101] Rhett Butler ถูกกล่าวหาว่าเป็น นอกจากเรื่องสแกลลอจแล้ว มิทเชลล์ยังแสดงภาพตัวโกงประเภทอื่นๆ ในนวนิยายเรื่องนี้ด้วย ได้แก่ แยงกี้ คนเดินพรมรีพับลิกัน โสเภณี และผู้ดูแล ในช่วงปีแรก ๆ ของสงครามกลางเมือง Rhett ถูกเรียกว่า "วายร้าย" เพราะ "ผลประโยชน์ที่เห็นแก่ตัว" ของเขาที่ตักตวงผลประโยชน์ในฐานะนักวิ่งปิดล้อม [43]
Rhett ถูกดูถูกเหยียดหยาม เขาเป็น "ฮีโร่ที่มืดมน ลึกลับ และร้ายกาจเล็กน้อยที่หลุดออกจากโลก" นัก วิชาการด้านวรรณกรรมได้ระบุองค์ประกอบของสามีคนแรกของมิตเชลล์ Berrien "Red" Upshaw ในลักษณะของ Rhett [103]อีกคนเห็นภาพของนักแสดงชาวอิตาลีรูดอล์ฟ วาเลนติโนซึ่งมาร์กาเร็ต มิทเชลล์ ให้สัมภาษณ์ในฐานะนักข่าวรุ่นเยาว์ของThe Atlanta Journal [104] [105]ฮีโร่ในนิยาย Rhett Butler มี "ใบหน้าที่คล้ำ ฟันกระพริบ และดวงตาที่มืดมิด" [17]เขาเป็น "คนขี้โกง ไร้มารยาท ไร้เกียรติ"
The Shawshank Redemption
การผลิต
การพัฒนา
Darabont ร่วมงานกับผู้เขียนStephen King เป็นครั้งแรก ในปี 1983 ในการดัดแปลงภาพยนตร์สั้นเรื่อง " The Woman in the Room " โดยซื้อสิทธิ์จากเขาในราคา $1 ซึ่งเป็นDollar Dealที่ King เคยช่วยผู้กำกับหน้าใหม่สร้างประวัติโดยดัดแปลงเรื่องสั้นของเขา หลังจาก ได้รับเครดิตการเขียนบทภาพยนตร์ครั้งแรกในปี 1987 สำหรับA Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors Darabontกลับมาหา King ด้วยเงิน 5,000 ดอลลาร์เพื่อซื้อสิทธิ์ในการดัดแปลงRita Hayworth และ Shawshank Redemptionซึ่งเป็นโนเวลลา 96 หน้าจาก King's 1982 รวม เรื่อง Different Seasonsซึ่งเขียนขึ้นเพื่อสำรวจประเภทอื่นนอกเหนือจากเรื่องสยองขวัญที่เขารู้จักกันทั่วไปแม้ว่า คิงจะไม่เข้าใจว่าเรื่องราวซึ่งส่วนใหญ่เน้นไปที่เร้ดครุ่นคิดกับแอนดี้เพื่อนนักโทษของเขาอาจกลายเป็นภาพยนตร์สารคดีได้ แต่ดาราบอนต์เชื่อว่า "ชัดเจน" [8] King ไม่เคยขึ้นเงินเช็ค 5,000 ดอลลาร์จาก Darabont; ต่อมาเขาได้ใส่กรอบและส่งคืนให้กับ Darabont พร้อมกับข้อความซึ่งอ่านว่า: "ในกรณีที่คุณต้องการเงินประกันตัว รัก สตีฟ" [37]
ห้าปีต่อมา ดาราบอนต์เขียนบทในช่วงแปดสัปดาห์ เขาขยายความเกี่ยวกับเรื่องราวของกษัตริย์ บรูคส์ซึ่งในโนเวลลาเป็นตัวละครรองที่เสียชีวิตในบ้านพักคนชรา กลายเป็นตัวละครที่น่าเศร้าที่แขวนคอตัวเองในที่สุด ทอมมี่ ผู้ซึ่งในโนเวลลายอมแลกหลักฐานของเขาเพื่อปลดแอนดี้เพื่อย้ายไปยังคุกที่ดีกว่า ในบทภาพยนตร์ถูกสังหารตามคำสั่งของพัศดีนอร์ตัน ซึ่งเป็นตัวละครพัศดีหลายตัวในเรื่องราวของคิง [8] Darabont เลือกที่จะสร้างตัวละครผู้คุมคนเดียวเพื่อทำหน้าที่เป็นศัตรูหลัก [38]ในบรรดาแรงบันดาลใจของเขา Darabont ได้แสดงผลงานของผู้กำกับFrank CapraรวมถึงMr. Smith Goes to Washington (1939) และIt's a Wonderful Life(พ.ศ. 2489) พรรณนาว่าเป็นนิทานสูง ; Darabont เปรียบShawshank Redemptionเป็นเรื่องราวที่สูงกว่าหนังในคุก นอกจากนี้เขายังอ้างถึงGoodfellas ( 1990) ว่าเป็นแรงบันดาลใจในการใช้บทสนทนาเพื่ออธิบายเวลาที่ผ่านไปในสคริปต์ และละครในคุกBirdman of Alcatraz (1962) ที่กำกับโดยJohn Frankenheimer [40]ในภายหลังในขณะที่กำลังสอดแนมสถานที่ถ่ายทำ Darabont ได้พบกับแฟรงเกนไฮเมอร์ซึ่งกำลังสอดแนมโครงการAgainst the Wall ใน คุกของเขา เอง ดาราบอนต์จำได้ว่าแฟรงเกนไฮเมอร์ใช้เวลาว่างจากการสอดแนมเพื่อให้กำลังใจและคำแนะนำแก่ดาราบอนต์ [41]
ในเวลานั้น ภาพยนตร์เกี่ยวกับเรือนจำไม่ถือว่าน่าจะประสบความสำเร็จในบ็อกซ์ออฟฟิศ แต่บทของดาราบอนต์ถูกอ่านโดย ลิซ กลอตเซอร์ ผู้อำนวยการสร้างของ Castle Rock Entertainmentซึ่งสนใจเรื่องราวในคุกและปฏิกิริยาต่อบทภาพยนตร์ ทำให้เธอขู่ว่าจะลาออกหาก Castle Rock ไม่ได้สร้างThe Shawshank Redemption Rob Reiner ผู้กำกับและผู้ร่วมก่อตั้ง Castle Rock ก็ชอบบทนี้เช่นกัน เขาเสนอให้ดาราบอนต์ระหว่าง 2.4 ล้านดอลลาร์[42]ถึง 3 ล้านดอลลาร์เพื่อให้เขากำกับเอง ไรเนอ ร์ซึ่งเคยดัดแปลงโนเวลลาเรื่องThe Body ของคิงในปี 1982 ให้เป็นภาพยนตร์ปี 1986 เรื่องStand by Meวางแผนที่จะคัดเลือกทอม ครูซขณะที่ Andy และHarrison Fordเป็น Red [8] [43]
Castle Rock เสนอให้ทุนสนับสนุนภาพยนตร์เรื่องอื่นที่ดาราบอนต์ต้องการพัฒนา Darabont พิจารณาข้อเสนอนี้อย่างจริงจัง โดยอ้างว่าเติบโตมาอย่างยากจนในลอสแองเจลิส โดยเชื่อว่าจะเป็นการยกระดับสถานะของเขาในอุตสาหกรรม และ Castle Rock อาจไล่ออกตามสัญญาและมอบภาพยนตร์เรื่องนี้ให้ Reiner ต่อไป แต่เขาเลือกที่จะยังคงเป็นผู้กำกับต่อไป โดยกล่าวว่า ในการสัมภาษณ์ วาไรตี้ปี 2014 "คุณสามารถเลื่อนความฝันของคุณต่อไปเพื่อแลกกับเงิน และคุณก็ตายโดยที่คุณไม่ได้ทำสิ่งที่คุณตั้งใจจะทำ" Reiner ทำหน้าที่เป็นที่ปรึกษาของ Darabont ในโครงการแทน [8]ภายในสองสัปดาห์หลังจากแสดงบทให้ Castle Rock ดาราบอนต์มีงบประมาณ 25 ล้านดอลลาร์เพื่อสร้างภาพยนตร์ของเขา[2](รับค่าจ้างเขียนบทและกำกับภาพยนตร์ 750,000 ดอลลาร์บวกเปอร์เซ็นต์ของกำไรสุทธิ) [42]และการผลิตก่อนการผลิตเริ่มขึ้นในเดือนมกราคม พ.ศ. 2536 [39]
การคัดเลือกนักแสดง
ฟรีแมนได้รับเลือกตามคำแนะนำของโปรดิวเซอร์ลิซ กลอตเซอร์ ซึ่งไม่สนใจคำอธิบายตัวละครของโนเวลลาเกี่ยวกับชาวไอริชผิวขาวที่มีชื่อเล่นว่า "เรด" ตัวละครของฟรีแมนพาดพิงถึงตัวเลือกเมื่อแอนดี้ถามว่าทำไมเขาถึงเรียกว่าเรด โดยตอบว่า "อาจเป็นเพราะฉันเป็นชาวไอริช" ฟรีแมนเลือกที่จะไม่ศึกษาบทบาทของเขา โดยกล่าวว่า "การแสดงบทของผู้ที่ถูกจองจำไม่จำเป็นต้องมีความรู้เฉพาะเกี่ยวกับการคุมขัง ... เพราะผู้ชายไม่เปลี่ยน เมื่อคุณอยู่ในสถานการณ์นั้น อะไรก็ตามที่คุณต้องเขย่ง” [2]ดาราบอนต์รู้จักฟรีแมนอยู่แล้วจากบทบาทรองของเขาในละครเรื่องBrubaker (1980) ในขณะที่ร็อบบินส์ตื่นเต้นที่จะได้ร่วมงานกับนักแสดงรายการโทรทัศน์สำหรับเด็ก [41]
ในตอนแรกดาราบอนต์มองไปที่นักแสดงที่เขาชื่นชอบบางคน เช่นจีน แฮ็คแมนและโรเบิร์ต ดูวัลล์สำหรับบทบาทของแอนดี ดูเฟรสน์ แต่พวกเขาไม่ว่าง [40] Clint EastwoodและPaul Newmanได้รับการพิจารณาเช่นกัน [44]ทอม ครูซ, ทอม แฮงก์สและเควิน คอสต์เนอร์ ได้รับการเสนอและส่งต่อบทบาทนี้[8] —แฮงส์จากบทบาทนักแสดงนำในForrest Gump , [40]และคอสต์เนอร์เพราะเขารับบทนำในWaterworld [45] จอห์นนี่ เดปป์นิโคลัส เคจและชาร์ลี ชีนยังได้รับการพิจารณาสำหรับบทบาทในแต่ละช่วง ครูซเข้าร่วมโต๊ะอ่านบท แต่ปฏิเสธที่จะทำงานให้กับดาราบอนต์ที่ไม่มีประสบการณ์ ดาราบอนต์ กล่าวว่าเขาเลือกร็อบบินส์หลังจากชมการแสดงของเขาในหนังสยองขวัญแนวจิตวิทยาเรื่องJacob's Ladder ใน ปี 1990 เมื่อ ร็อบบินส์ถูกคัดเลือก เขายืนยันว่าดาราบอน ต์ใช้นักถ่ายภาพยนตร์ที่มีประสบการณ์โรเจอร์ ดีกินส์ ซึ่งเคยร่วมงานกับเขาในThe Hudsucker Proxy เพื่อเตรียมพร้อมสำหรับบทบาทนี้ ร็อบบินส์สังเกตสัตว์ที่ถูกขังในสวนสัตว์ ใช้เวลาช่วงบ่ายในที่คุมขังเดี่ยว พูดคุยกับนักโทษและผู้คุม[33] และใส่กุญแจมือและขาเป็นเวลาสองสามชั่วโมง [2]
ในตอนแรกรับบทเป็นทอมมี่ นักโทษหนุ่มแบรด พิตต์ถอนตัวหลังจากประสบความสำเร็จในThelma & Louiseและบทนี้ตกเป็นของกิล เบลโลว์ส ที่เพิ่งเปิดตัว [2] [8] เจมส์ แกน ดอลฟินี ส่งต่อบทบ็อกส์ผู้ข่มขืนในคุก บ็อบ กันตันกำลังถ่ายทำDemolition Man (1993) เมื่อเขาไปออดิชั่นเพื่อรับบทพัศดีนอร์ตัน เพื่อโน้มน้าวให้สตูดิโอเห็นว่า Gunton เหมาะกับบทนี้ ดาราบอนต์และโปรดิวเซอร์Niki Marvinจึงจัดให้เขาบันทึกการทดสอบหน้าจอในวันหยุดจากDemolition Man พวกเขามีวิกผมที่ทำขึ้นสำหรับเขาในขณะที่เขาโกนหัวให้กับDemolition Manบทบาท. กุนตันต้องการแสดงผมของนอร์ตันเพราะอาจทำให้ผมหงอกได้เพื่อสื่อถึงอายุบนหน้าจอขณะที่ภาพยนตร์ดำเนินไป กันตันทำการทดสอบหน้าจอกับร็อบบินส์ ซึ่งถ่ายทำโดยดีกินส์ หลังจากได้รับการยืนยันสำหรับบทนี้ เขาใช้วิกในฉากแรกๆ ของภาพยนตร์จนกระทั่งผมงอกใหม่ Gunton กล่าวว่า Marvin และ Darabont เห็นว่าเขาเข้าใจตัวละคร ซึ่งเข้าข้างเขา เช่นเดียวกับที่ความสูงของเขาใกล้เคียงกับ Robbins ทำให้ Andy สามารถใช้ชุดของผู้คุมได้อย่างน่าเชื่อถือ [38]
รับบทเป็นหัวหน้าผู้คุมไบรอน แฮดลีย์ แคลนซี บราวน์ได้รับโอกาสพูดคุยกับอดีตผู้คุมโดยเจ้าหน้าที่ประสานงานของฝ่ายผลิต แต่ถูกปฏิเสธ โดยเชื่อว่าไม่ใช่เรื่องดีหากจะบอกว่าตัวละครที่โหดเหี้ยมของเขาได้รับแรงบันดาลใจจากเจ้าหน้าที่ราชทัณฑ์ของรัฐโอไฮโอในทางใดทางหนึ่ง . วิลเลียม แซดเลอร์ ผู้แสดงเป็นเฮย์วูดกล่าวว่าดาราบอนต์ได้ติดต่อเขาในปี 1989 ในกองถ่าย ซีรีส์โทรทัศน์ เรื่อง Tales from the Cryptซึ่งเขาเป็นนักเขียนเกี่ยวกับการแสดงในภาพยนตร์ดัดแปลงที่เขาตั้งใจจะสร้าง อัลฟองโซลูกชายของฟรีแมนมีจี้เป็นเรดหนุ่มในรูปถ่ายเหยือก[40] และในฐานะนักโทษที่ตะโกนว่า "ปลาสด" เมื่อแอนดี้มาถึงชอว์แชงค์ [49]สิ่งพิเศษที่ใช้ในภาพยนตร์เรื่องนี้คืออดีตพัศดีและอดีตผู้ต้องขังของโรงดัดสันดาน และผู้คุมที่ประจำการจากสถานกักกันในบริเวณใกล้เคียง [2] [50]ชื่อเดิมของโนเวลลาดึงดูดผู้คนมากมายให้มาออดิชั่นสำหรับบทบาทที่ไม่มีอยู่จริงของริต้า เฮย์เวิร์ธ รวมถึงชายในชุดลากเลื่อน [42]
การถ่ายทำ
ด้วยงบประมาณ 25 ล้านดอลลาร์[51] การถ่ายภาพหลักใช้เวลาสามเดือน[8]ระหว่างเดือนมิถุนายนถึงสิงหาคม พ.ศ. 2536 [52] [53]การถ่ายทำต้องใช้วันทำงาน 18 ชั่วโมงเป็นประจำ หกวันต่อสัปดาห์ [8]ฟรีแมนบรรยายว่าการถ่ายทำเป็นเรื่องตึงเครียด โดยกล่าวว่า "ส่วนใหญ่แล้ว ความตึงเครียดจะอยู่ระหว่างนักแสดงและผู้กำกับ ฉันจำได้ว่ามีช่วงเวลาที่แย่กับผู้กำกับ Freeman กล่าวถึง Darabont ว่าต้องใช้ฉากหลายฉาก ซึ่งเขาถือว่าไม่มีความแตกต่างที่มองเห็นได้ ตัวอย่างเช่น ฉากที่แอนดี้เข้าไปหาเร้ดเป็นครั้งแรกเพื่อซื้อค้อนหินนั้นใช้เวลาถ่ายทำถึง 9 ชั่วโมง และนำเสนอฟรีแมนขว้างปาและจับลูกเบสบอลกับนักโทษอีกคนตลอดทั้งเรื่อง จำนวนเทคที่ถูกยิงส่งผลให้ฟรีแมนหันไปถ่ายทำในวันรุ่งขึ้นโดยที่แขนของเขาอยู่ในสลิง บางครั้งฟรีแมนก็ปฏิเสธที่จะทำเทคเพิ่มเติม ร็อบบินส์บอกว่านานวันเข้าก็ลำบาก ดาราบงต์รู้สึกว่าการสร้างภาพยนตร์สอนอะไรเขามากมาย "[8]เขาพบว่าการทะเลาะเบาะแว้งกับดีกินส์บ่อยที่สุด Darabont ชอบภาพทิวทัศน์มากกว่า ในขณะที่ Deakins รู้สึกว่าการไม่แสดงภาพภายนอกของเรือนจำจะเพิ่มความรู้สึกหวาดกลัวที่คับแคบ และนั่นหมายความว่าเมื่อใช้ภาพทิวทัศน์มุมกว้าง ภาพจะส่งผลกระทบมากกว่า [2]
มาร์วินใช้เวลาห้าเดือนในการสำรวจเรือนจำทั่วสหรัฐอเมริกาและแคนาดา มองหาสถานที่ที่มีความสวยงามเหนือกาลเวลาและถูกละทิ้งโดยสิ้นเชิง โดยหวังว่าจะหลีกเลี่ยงความซับซ้อนในการถ่ายทำฟุตเทจที่จำเป็น เป็นเวลาหลายชั่วโมงในแต่ละวันในเรือนจำที่มีการใช้งานอยู่ ปัญหาด้านความปลอดภัยที่จะตามมา ในที่สุดมา ร์วินก็เลือกการปฏิรูปรัฐโอไฮโอในแมนส์ฟิลด์ โอไฮโอเพื่อทำหน้าที่เป็นทัณฑสถานแห่งรัฐชอว์แชงค์ในรัฐเมน โดยอ้างถึงอาคารหินและอิฐสไตล์โกธิค [53] [54]โรงงานแห่งนี้ถูกปิดเมื่อสามปีก่อนในปี 1990, [55]เนื่องจากสภาพความเป็นอยู่ที่ไร้มนุษยธรรม [53]
โรงปฏิรูปขนาด 15 เอเคอร์ซึ่งมีโรงไฟฟ้าและฟาร์มของตัวเองถูกรื้อถอนบางส่วนหลังจากถ่ายทำเสร็จไม่นาน เหลืออาคารบริหารหลักและห้องขัง 2 บล็อก [53]ภาพภายในเรือนจำเฉพาะทางหลายภาพ เช่น ห้องรับเข้าและห้องทำงานของผู้คุม ถูกยิงในโรงดัดสันดาน ภายในห้องประชุมที่บรูคส์และเร้ดใช้ในอาคารบริหาร ภาพภายนอกของหอพักถูกถ่ายที่อื่น ฉากภายในห้องขังถูกถ่ายทำบนเวทีเสียงที่ สร้างขึ้นภายในโรงงานWestinghouse Electric ซึ่งปิดตายในบริเวณใกล้เคียง เนื่องจากดาราบอนต์ต้องการให้ห้องขังของผู้ต้องขังเผชิญหน้ากัน ฉากห้องขังเกือบทั้งหมดจึงถ่ายทำในฉากที่สร้างขึ้นโดยเฉพาะตั้งอยู่ในโรงงานเวสติงเฮาส์[53]ยกเว้นฉากที่มีการยอมรับความผิดของ Elmo Blatch สำหรับอาชญากรรมที่ Andy ถูกตัดสินว่ามีความผิด ถ่ายทำในห้องขังที่คับแคบกว่าของเรือนจำจริงๆ ฉากนี้ถ่ายทำในแมนส์ฟิลด์เช่นเดียวกับแอชแลนด์ โอไฮโอ ที่อยู่ใกล้ เคียง [57]ต้นโอ๊กที่แอนดี้ฝังจดหมายของเขาถึงเรดนั้นตั้งอยู่ใกล้กับMalabar Farm State Parkในลูคัส โอไฮโอ ; [44]ถูกทำลายโดยลมในปี 2559 [58]
เช่นเดียวกับที่เรือนจำในโอไฮโอตั้งตระหง่านแทนคุกในรัฐเมน ฉากชายหาดที่แสดงการกลับมาพบกันอีกครั้งของแอนดี้และเร้ดในซีอัวตาเนโค ประเทศเม็กซิโก ถ่ายทำจริงในทะเลแคริบเบียนบนเกาะแซงต์ครัวซึ่งเป็นหนึ่งในหมู่เกาะเวอร์จินของ สหรัฐอเมริกา [59]ชายหาดที่ 'Zihuatanejo' เป็นเขตรักษาพันธุ์สัตว์ป่าแห่งชาติ Sandy Point , [60]พื้นที่คุ้มครองสำหรับเต่าทะเลหนังกลับ ฉาก ที่ ถ่ายทำในUpper Sandusky รวมถึงฉาก ร้านขายไม้ในคุกที่ Red และเพื่อนผู้ต้องขังของเขาได้ยินThe Marriage of Figaro (ตอนนี้เรียกว่า Shawshank Woodshop), [44]และฉากเปิดศาลซึ่งถ่ายทำที่Wyandot County Courthouse [60]สถานที่ถ่ายทำอื่นๆ ได้แก่ Pugh Cabin ในMalabar Farm State Parkซึ่ง Andy นั่งข้างนอกขณะที่ภรรยาของเขากำลังมีชู้[62] บัตเลอร์ โอไฮโอยืนอยู่ใน Buxton รัฐ Maine [63]และอาคาร Bissman ใน Mansfield ทำหน้าที่เป็นบ้านครึ่งทางที่บรูคส์อยู่หลังจากได้รับการปล่อยตัว [64]
สำหรับฉากที่แสดงถึงการหลบหนีของแอนดี้จากคุก ดาราบอนท์จินตนาการว่าแอนดี้ใช้ค้อนหินขนาดจิ๋วทุบท่อน้ำทิ้ง แต่เขาตัดสินว่านี่ไม่ใช่เรื่องจริง เขาเลือกที่จะใช้หินก้อนใหญ่แทน ในขณะที่ภาพยนตร์เรื่องนี้แสดงฉากอันโด่งดังของแอนดี้ที่หลบหนีไปสู่อิสรภาพผ่านท่อระบายน้ำที่อธิบายว่าเป็น "แม่น้ำขี้" ร็อบบินส์คลานผ่านส่วนผสมของน้ำ น้ำเชื่อมช็อกโกแลต และขี้เลื่อย ลำธารที่ Robbins โผล่ออกมานั้นแท้จริงแล้วได้รับการรับรองว่าเป็นพิษโดยนักเคมีตามคำกล่าวของผู้ออกแบบงานสร้าง เทอเร นซ์มาร์ช ทีมผู้ผลิตทำเขื่อนกั้นน้ำเพื่อให้ลึกขึ้นและใช้คลอรีนเพื่อชำระล้างการปนเปื้อนบางส่วน [49] [65]จากฉากนี้ ร็อบบินส์กล่าวว่า "เมื่อคุณสร้างภาพยนตร์ คุณต้องการเป็นทหารที่ดี—คุณไม่ต้องการเป็นคนที่ [ใคร] ขวางทาง ดังนั้นคุณจะทำสิ่งต่างๆ ในฐานะนักแสดงที่ กำลังประนีประนอมต่อสุขภาพร่างกายและความปลอดภัยของคุณ" ฉากนี้ตั้งใจให้ยาวขึ้นและน่าทึ่งมากขึ้นโดยให้รายละเอียดการหลบหนีของแอนดี้ข้ามทุ่งและขึ้นรถไฟ [65] [67]จากผลงานของเขาเอง Deakins ถือว่าฉากนี้เป็นหนึ่งในฉากที่เขาชอบน้อยที่สุด โดยบอกว่าเขา "สว่างเกิน" [67]ในการตอบสนอง Darabont ไม่เห็นด้วยกับการประเมินตนเองของ Deakins เขากล่าวว่าเวลาและความแม่นยำที่ Deakins ใช้เวลาและตารางการถ่ายทำที่จำกัดของพวกเขา หมายความว่าเขาต้องแม่นยำในเรื่องที่เขาสามารถถ่ายทำและถ่ายทำอย่างไร ในการให้สัมภาษณ์ในปี 2019 เขากล่าวว่าเขารู้สึกเสียใจที่หมายความว่าเขาไม่สามารถถ่ายภาพใบหน้าของร็อบบินส์ระยะใกล้ได้ในขณะที่เขาปีนลงมาจากหลุมจากห้องขังของเขา [65]
สำหรับฉากที่แอนดี้เล่นดนตรีอย่างดื้อรั้นเหนือระบบประกาศของเรือนจำ ร็อบบินส์มีความคิดที่จะให้แอนดี้เปิดเพลงและไม่ปิด ขณะที่อยู่ในภาพยนตร์ที่สร้างเสร็จแล้ว นักโทษดูริต้า เฮย์เวิร์ธในGilda(1946) แต่เดิมพวกเขาตั้งใจจะดูThe Lost Weekend (1945) ของBilly Wilderซึ่งเป็นภาพยนตร์เกี่ยวกับอันตรายของแอลกอฮอล์ เนื่องจากฟุตเทจมีราคาสูงเกินกว่าจะจัดหาจากParamount Picturesผู้อำนวยการสร้าง Niki Marvin จึงติดต่อ ไปยัง Columbia Pictures ซึ่งเป็น ผู้ถือสิทธิ์ในการจัดจำหน่ายในประเทศของShawshank Redemptionซึ่งเสนอรายการที่มีราคาต่ำกว่า ซึ่งหนึ่งในนั้นคือGildaเนื่องจากการถ่ายทำส่วนใหญ่เกิดขึ้นในและรอบๆ คุก ฉากต่างๆ มักจะถ่ายทำตามลำดับเวลาตามลำดับของยุคต่างๆ ที่ปรากฎตลอดทั้งเรื่อง สิ่งนี้ช่วยสนับสนุนการแสดงของนักแสดงเนื่องจากความสัมพันธ์ในชีวิตจริงของพวกเขาพัฒนาไปพร้อมกับตัวละครที่เกี่ยวข้อง ดาราบอนต์ให้ความเห็นว่าฉากที่แอนดี้บอกเร้ดเกี่ยวกับความฝันที่จะไปเม็กซิโก เป็นหนึ่งในฉากสุดท้ายที่ถ่ายทำและเป็นฉากที่เขากลับมาดูซ้ำมากที่สุดเพื่อระลึกถึงการผลิตภาพยนตร์ เขาชื่นชมร็อบบินส์และฟรีแมนที่ทำฉากนี้ให้เสร็จภายในไม่กี่เทค [41]
หลังการผลิต
ภาพตัดต่อสุดท้ายของภาพยนตร์ที่ออกฉายในโรงภาพยนตร์มีความยาว 142 นาที[1]และอุทิศให้กับ Allen Greene อดีตสายลับของ Darabont ซึ่งเสียชีวิตระหว่างการถ่ายทำด้วยโรคเอดส์ การแก้ไขครั้งแรกของภาพยนตร์เรื่องนี้ดำเนินไปเป็นเวลาเกือบสองชั่วโมงครึ่ง ซึ่ง Glotzer ถือว่า "นาน" และหลายฉากถูกตัดออกรวมถึงฉากที่ยาวขึ้นของ Red ที่ปรับให้เข้ากับชีวิตหลังการคุมขัง ดาราบอนต์กล่าวว่าในการทดสอบฉาย ผู้ชมดูเหมือนจะหมดความอดทนกับฉากนี้ เนื่องจากพวกเขาเชื่ออยู่แล้วว่าเร้ดจะไม่สร้างฉากนี้ [33]อีกฉากหนึ่งที่ถูกตัดเป็นเวลาแสดงให้เห็นผู้คุมในคุกกำลังสืบสวนอุโมงค์หลบหนีของแอนดี้ นี่เป็นความคิดที่จะทำให้การกระทำช้าลง [70]เดิมทีภาพยนตร์เรื่องนี้มีการเปิดเย็นที่แสดงถึงอาชญากรรมของแอนดี้ โดยการพิจารณาคดีของเขาเล่นตลอดทั้งเครดิตเปิด แต่ฉากเหล่านี้ได้รับการแก้ไขร่วมกันเพื่อสร้างการเปิดที่ "เจาะ" มากขึ้น ฉากหนึ่งที่มีสคริปต์ซึ่ง Darabont อธิบายว่าเป็นผลงานที่ดีที่สุดของเขา ไม่ได้ถ่ายทำเพราะตารางการถ่ายทำ ในฉากนั้น เร้ดที่กำลังฝันถูกดูดเข้าไปในโปสเตอร์ของริต้า เฮย์เวิร์ธ และพบว่าตัวเองอยู่คนเดียวและไม่มีนัยสำคัญบนชายฝั่งแปซิฟิก โดยพูดว่า "ฉันกลัวมาก ไม่มีทางกลับบ้าน" ดาราบงต์กล่าวว่าเขาเสียใจที่ไม่สามารถจับภาพฉากนี้ได้ [73]
ในวิสัยทัศน์ดั้งเดิมของ Darabont สำหรับตอนจบของภาพยนตร์เรื่องนี้ เร้ดเห็นเขานั่งรถบัสไปยังชายแดนเม็กซิโก ปล่อยให้ชะตากรรมของเขาคลุมเครือ กลอตเซอร์ยืนกรานที่จะรวมฉากที่เร้ดและแอนดี้กลับมาพบกันอีกครั้งในซีฮัวตาเนโค เธอบอกว่าดาราบอนต์รู้สึกว่านี่เป็นตอนจบที่ "เชิงพาณิชย์ สนุกสนาน" แต่กลอตเซอร์ต้องการให้ผู้ชมเห็นพวกเขาด้วยกัน แค สเซิลร็อคตกลงที่จะสนับสนุนเงินทุนในการถ่ายทำฉากนี้โดยไม่ต้องมีการรวมเข้าไว้ด้วยกัน รับประกันว่า Darabont จะเป็นผู้ตัดสินใจขั้นสุดท้าย เดิมทีฉากนี้เป็นการรวมตัวกันที่ยาวนานกว่าซึ่งแอนดี้และเร้ดท่องบทสนทนาจากการพบกันครั้งแรก แต่ดาราบอนต์กล่าวว่ามันมีคุณภาพ [75]การรวมตัวที่ชายหาดเป็นการทดสอบฉากโปรดของผู้ชม ทั้งฟรีแมนและร็อบบินส์รู้สึกว่าเป็นการปิดฉากที่จำเป็น Darabont ตกลงที่จะรวมฉากนี้หลังจากได้เห็นปฏิกิริยาของผู้ชมทดสอบ โดยกล่าวว่า: "ฉันคิดว่ามันเป็นสถานที่ที่วิเศษและยกระดับสำหรับตัวละครของเราที่จะมาถึงตอนจบของเทพนิยายอันยาวนานของพวกเขา..." [74]
ดนตรี
ดนตรีประกอบ ของภาพยนตร์เรื่องนี้แต่งโดยThomas Newman เขารู้สึกว่ามันได้กระตุ้นอารมณ์ที่รุนแรงเช่นนี้อยู่แล้วโดยไม่มีดนตรี ซึ่งเขาพบว่ามันยากที่จะแต่งเพลงที่จะยกระดับฉากโดยไม่หันเหความสนใจไปจากพวกเขา เพลง "Shawshank Redemption" เล่นในช่วงที่ Andy หลบหนีจาก Shawshank และเดิมทีมีบรรทัดฐานสามโน้ต แต่ Darabont รู้สึกว่ามันมี "So Was Red" ซึ่งเล่นหลังจาก Red ได้รับการปล่อยตัวจากคุก และนำไปสู่การค้นพบแคชของ Andy กลายเป็นหนึ่งในผลงานชิ้นโปรดของ Newman เดิมทีงานชิ้นนี้เขียนขึ้นสำหรับโอโบเดี่ยว จนกระทั่งนิวแมนตกลงอย่างไม่เต็มใจที่จะเพิ่มฮาร์โมนิกา ซึ่งเป็นการอ้างอิงถึงฮาร์โมนิกาที่เรดได้รับจากแอนดี้เพื่อสานต่อข้อความแห่งความหวังของเขาทอมมี่ มอร์แกน"แสดงสิ่งที่สมบูรณ์แบบอย่างไม่ตั้งใจในเทคแรก" และนี่คือเสียงที่ได้ยินในภาพยนตร์ที่สร้างเสร็จแล้ว คะแนนของนิ วแมนประสบความสำเร็จอย่างมากจนมีการใช้ข้อความที่ตัดตอนมาจากตัวอย่างภาพยนตร์ในหลายปีหลังจากนั้น
The Dark Knight
การผลิต
การพัฒนา
หลังจากประสบความสำเร็จในเชิงวิจารณ์และทางการเงินของBatman Begins (2005) สตูดิโอภาพยนตร์Warner Bros. Picturesให้ความสำคัญกับภาคต่อ [32]แม้ว่าBatman Beginsจะจบลงด้วยฉากที่แบทแมนถูกนำเสนอด้วยไพ่โจ๊กเกอร์ล้อเลียนการแนะนำศัตรูตัวฉกาจของเขา โจ๊กเกอร์คริสโตเฟอร์ โนแลนไม่ได้ตั้งใจสร้างภาคต่อและไม่แน่ใจว่าBatman Beginsจะประสบความสำเร็จมากพอที่จะ รับประกันหนึ่ง [33] [34]คริสโตเฟอร์ร่วมกับภรรยาของเขาและเอ็มมา โธมัส ผู้อำนวยการสร้างที่ร่วมงานกันมานาน ไม่เคยทำงานในภาพยนตร์เรื่องภาคต่อ[35]แต่เขาและนักเขียนร่วมเดวิด โกเยอร์พูดถึงไอเดียสำหรับภาคต่อระหว่างการถ่ายทำ Goyer พัฒนาโครงร่างสำหรับสองภาคต่อ แต่ Christopher ยังไม่แน่ใจว่าจะ เล่าเรื่อง Batman Begins ต่อไปอย่างไร โดยรักษาความสอดคล้องและเกี่ยวข้อง แม้ว่าเขาจะสนใจที่จะใช้ Joker ในสไตล์ที่สมจริงของBegins [32] [34] [35]การสนทนาระหว่าง Warner Bros. Pictures และ Christopher เริ่มขึ้นไม่นานหลังจากBatman Begins เข้าฉายในโรงภาพยนตร์ และการพัฒนาเริ่มขึ้นหลังจากการผลิตThe Prestige ของ Christopher (2006) [32]
การเขียน
Goyer และ Christopher ร่วมมือกันเป็นเวลาสามเดือนเพื่อพัฒนาประเด็นหลักของThe Dark Knight [35]พวกเขาต้องการสำรวจหัวข้อของการยกระดับและความคิดที่ว่าความพยายามพิเศษของแบทแมนในการต่อสู้กับอาชญากรรมทั่วไปจะนำไปสู่การเพิ่มความรุนแรงของฝ่ายตรงข้ามโดยอาชญากร ดึงดูดโจ๊กเกอร์ที่ใช้การก่อการร้ายเป็นอาวุธ ฉากเล่นไพ่โจ๊กเกอร์ในBatman Beginsมีจุดประสงค์เพื่อสื่อถึงความเชื่อผิดๆ ของแบทแมนว่าการทำสงครามกับอาชญากรของเขาจะเกิดขึ้นเพียงชั่วคราว [34] [36]โกเยอร์และคริสโตเฟอร์ไม่ได้จงใจรวมโลกความเป็นจริงที่คล้ายคลึงกับการก่อการร้ายสงครามต่อต้านการก่อการร้ายและกฎหมายที่ตราขึ้นเพื่อต่อต้านผู้ก่อการร้ายโดยรัฐบาลสหรัฐอเมริกา เพราะพวกเขาเชื่อว่าการแถลงทางการเมืองอย่างเปิดเผยจะทำให้เรื่องราวนี้เบี่ยงเบนความสนใจไป พวกเขาต้องการให้มันสะท้อนและสะท้อนถึงผู้ชมร่วมสมัย คริสโตเฟอร์บรรยายว่าThe Dark Knightเป็นตัวแทนของ "ความกลัวต่ออนาธิปไตย" ของเขาเอง และโจ๊กเกอร์เป็นตัวแทนของ [37]
แม้ว่าเขาจะเป็นแฟนตัวยงของBatman (1989) ซึ่งนำแสดงโดยJack Nicholsonในบท Joker แต่ Goyer ก็ไม่ได้มองว่าการพรรณนาของ Nicholson นั้นน่ากลัวและ Joker ของThe Dark Knightจะเป็นตัวละครที่ไม่มีใครรู้จักซึ่งมีรูปแบบอยู่แล้ว คล้ายกับฉลามในJaws (1975) ) โดยไม่มีเรื่องราวต้นกำเนิด "cliché" [e]คริสโตเฟอร์และโกเยอร์ไม่ได้ให้เรื่องราวต้นกำเนิดหรือส่วนการเล่าเรื่องแก่โจ๊กเกอร์ของพวกเขา โดยเชื่อว่ามันทำให้ตัวละครน่ากลัวขึ้น คริสโตเฟอร์บรรยายภาพยนตร์ของพวกเขาว่าเป็น "การเพิ่มขึ้นของโจ๊กเกอร์" พวกเขารู้สึกว่าการคุกคามของตัวร้ายในภาพยนตร์เช่นHannibal LecterและDarth Vaderถูกบ่อนทำลายโดยภาพยนตร์ที่ตามมาซึ่งบรรยายถึงต้นกำเนิดของพวกเขา [ฉ]
ด้วยความช่วยเหลือของคริสโตเฟอร์ โจนาธานน้องชายของเขาใช้เวลาหกเดือนในการพัฒนาเรื่องราวให้เป็นบทภาพยนตร์ฉบับร่าง หลังจากส่งร่างให้ Warner Bros. โจนาธานใช้เวลาอีกสองเดือนในการปรับแต่งจนกว่าคริสโตเฟอร์จะกำกับThe Prestigeเสร็จ ทั้งคู่ทำงานร่วมกันในบทสุดท้ายในช่วงหกเดือนข้างหน้าในช่วงก่อนการผลิตสำหรับThe Dark Knight [35] [41]โจนาธานพบว่า "ฉุนเฉียว" จบบทที่น่าสนใจที่สุด; มันแสดงให้เห็นเสมอว่าแบทแมนกำลังหนีจากตำรวจ แต่เปลี่ยนจากเขากระโดดข้ามหลังคาเป็นหนีบนBatpodพาหนะที่เหมือนมอเตอร์ไซค์ของเขา บทสนทนาที่โจนาธานถือว่าสำคัญที่สุด "คุณจะตายอย่างวีรบุรุษหรือคุณอยู่ได้นานพอที่จะเห็นตัวเองกลายเป็นผู้ร้าย" มีการพัฒนาล่าช้า [41]ได้รับอิทธิพลจากภาพยนตร์เช่นThe Godfather (1972) และHeat (1995) และยังคง โทน ของBatman Beginsสคริปต์ที่เสร็จสมบูรณ์ของพวกเขามีความคล้ายคลึงกับละครอาชญากรรมมากกว่าภาพยนตร์ซูเปอร์ฮีโร่ แบบ ดั้งเดิม [g]
อิทธิพลจากหนังสือการ์ตูนรวมถึงผลงานของนักเขียนแฟรงก์ มิลเลอร์ในทศวรรษ 1980 ซึ่งแสดงตัวละครในโทนสีจริงจัง และซีรีส์จำนวนจำกัดBatman: The Long Halloween (1996–1997) ซึ่งสำรวจความสัมพันธ์ระหว่างแบทแมน เดนท์ และกอร์ดอน [38] [43] Dent ถูกเขียนให้เป็น ตัวละครหลัก ของThe Dark Knightซึ่งทำหน้าที่เป็นศูนย์กลางของการต่อสู้ระหว่าง Batman ซึ่งเชื่อว่า Dent เป็นฮีโร่ที่เมืองต้องการ และ Joker ที่ต้องการพิสูจน์ว่าแม้แต่ผู้ที่มีความชอบธรรมที่สุด ผู้คนสามารถเสียหายได้ คริสโตเฟอร์กล่าวว่าชื่อนี้หมายถึงเดนท์พอๆ กับแบทแมน [h]เขาถือว่า Dent มีความเป็นคู่ที่คล้ายกับของ Batman ซึ่งให้ศักยภาพทางละครที่น่าสนใจ [10]
การมุ่งเน้นไปที่ Dent หมายความว่า Bruce Wayne / Batman ถูกเขียนขึ้นให้เป็นตัวละครนิ่งทั่วไปที่ไม่ได้ผ่านการพัฒนาตัวละครที่รุนแรง [35] [44] [45]คริสโตเฟอร์พบว่าการเขียนโจ๊กเกอร์เป็นลักษณะที่ง่ายที่สุดของสคริปต์ ครอบครัวโนแลนระบุลักษณะที่เหมือนกันในสาขาสื่อของเขา และได้รับอิทธิพลจากลักษณะที่ปรากฏของตัวละครในหนังสือการ์ตูน เช่นเดียวกับตัวร้ายดร. มาบุส จากภาพยนตร์ของ ฟริต ซ์แลง [34] [39]นิยายภาพของนักเขียนอลัน มัวร์เรื่องBatman: The Killing Joke(1988) ไม่มีอิทธิพลต่อการเล่าเรื่องหลัก แต่คริสโตเฟอร์เชื่อว่าการตีความของเขาเกี่ยวกับโจ๊กเกอร์ เนื่องจากใครบางคนถูกผลักดันบางส่วนให้พิสูจน์ว่าใคร ๆ ก็สามารถเป็นเหมือนเขาได้ เมื่อการผลักดันออกไปมากพอช่วยให้โนแลนสร้างตัวละครที่ [34] [35] [39]โจ๊กเกอร์ถูกเขียนให้เป็นคนโรคจิตและอนาธิปไตยที่ชั่วร้ายอย่างแท้จริง ซึ่งขาดเหตุผล ตรรกะ และความกลัว และสามารถทดสอบขีดจำกัดทางศีลธรรมและจริยธรรมของแบทแมน เดนท์ และกอร์ดอนได้ [i]คริสโตเฟอร์และโจนาธานตระหนักในภายหลังว่าพวกเขาเขียนเวอร์ชันของพวกเขาให้คล้ายกับการปรากฏตัวครั้งแรกของโจ๊กเกอร์ในแบทแมน # 1 (พ.ศ. 2483) โดยไม่ได้ตั้งใจ [ญ]ฉากสุดท้ายที่โจ๊กเกอร์บอกว่าเขาและแบทแมนถูกกำหนดให้ต่อสู้กันชั่วนิรันดร์ ไม่ได้ตั้งใจล้อเลียนภาคต่อ แต่เพื่อสื่อว่าคู่ตรงข้ามขัดแย้งกันไม่รู้จบเพราะพวกเขาจะไม่ฆ่ากัน [47]
การคัดเลือกนักแสดง
.jpg)
อธิบายว่าตัวละครของเขามีวิวัฒนาการมาจากBatman Beginsอย่างไร คริสเตียน เบลกล่าวว่าเวย์นเปลี่ยนจากชายหนุ่มที่ไร้เดียงสาและขี้โมโหที่แสวงหาเป้าหมายมาเป็นฮีโร่ที่ต้องรับภาระหนักจากการตระหนักว่าสงครามต่อต้านอาชญากรรมของเขาดูเหมือนจะไม่มีที่สิ้นสุด [48] [49] [50]เนื่องจาก Batsuit ใหม่ทำให้เขามีความคล่องตัวมากขึ้น Bale จึงไม่เพิ่มมวลกล้ามเนื้อมากเท่าที่เขามีในBatman Begins คริสโตเฟอร์จงใจบดบังการต่อสู้ในภาพยนตร์เรื่องที่แล้ว เพราะตั้งใจให้แสดงแบทแมนจากมุมมองของอาชญากร การออกแบบ Batsuit ที่ได้รับการปรับปรุงทำให้เขาสามารถแสดงการฝึกวิธีการต่อสู้แบบ Keysi ของ Bale ได้มากขึ้น [51]
คริสโตเฟอร์ทราบดีว่าการแสดงโจ๊กเกอร์ที่เป็นที่นิยมของนิโคลสันจะทำให้เกิดการเปรียบเทียบกับเวอร์ชั่นของเขา และต้องการนักแสดงที่สามารถรับมือกับการตรวจสอบข้อเท็จจริงที่เกี่ยวข้องได้ [k]การคัดเลือกเลดเจอร์ในเดือนสิงหาคม พ.ศ. 2549 ถูกวิพากษ์วิจารณ์จากผู้เชี่ยวชาญในอุตสาหกรรมและประชาชนทั่วไปบางคนที่มองว่าเขาไม่เหมาะสมสำหรับบทบาทนี้ ผู้อำนวยการสร้างCharles Rovenกล่าวว่า Ledger เป็นคนเดียวที่ได้รับการพิจารณาอย่างจริงจัง และการตอบรับเชิงบวกของBatman Begins จะช่วยบรรเทาความกังวลใดๆ ได้ [l]คริสโตเฟอร์มั่นใจในการคัดเลือกนักแสดงเพราะการพูดคุยระหว่างเขากับเลดเจอร์แสดงให้เห็นว่าพวกเขามีความคิดที่คล้ายกันเกี่ยวกับการแสดงภาพของโจ๊กเกอร์ [34] [52]เลดเจอร์กล่าวว่าเขามีความกังวลใจในการรับบทบาทแทนนิโคลสัน แต่ความท้าทายนั้นทำให้เขาตื่นเต้น " โรคจิตฆาตกรรมหมู่ จิตเภทตัวตลกที่ไม่มีความเห็นอกเห็นใจ" และหลีกเลี่ยงการทำให้เขาเป็นมนุษย์ เขาได้รับอิทธิพลจากอเล็กซ์จากภาพยนตร์อาชญากรรมเรื่องA Clockwork Orange (1971) และนักดนตรีชาวอังกฤษJohnny RottenและSid Vicious [ม.]
เลดเจอร์ใช้เวลาประมาณหนึ่งเดือนในการปลีกตัวอยู่ในห้องของโรงแรมขณะอ่านหนังสือการ์ตูนที่เกี่ยวข้อง เขาพัฒนาเสียงของตัวละครโดยการผสมเสียงสูงและเสียงต่ำ ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากการแสดงของนักพากย์ สไตล์การต่อสู้ของเขาได้รับการออกแบบให้ดูเหมือนด้นสดและเอาแน่เอานอนไม่ได้ [n] Ledger ใช้เวลาอีกสี่เดือนในการสร้าง "Joker diary" ที่มีรูปภาพและองค์ประกอบต่างๆ ที่เขาเชื่อว่าจะสอดคล้องกับตัวละครของเขา เช่น การค้นหาโรคเอดส์ เป็นเรื่อง ขบขัน เลดเจอร์กล่าวถึงการแสดงของเขาว่า: "มันสนุกที่สุดเท่าที่ฉันเคยมีกับตัวละครและอาจจะเคยมีมา ... มันเป็นกระบวนการที่เหนื่อยล้า ในตอนท้ายของวัน ฉันไม่สามารถขยับได้ ฉัน พูดไม่ได้ ฉันพังยับเยินแน่” [57]ในการให้สัมภาษณ์เมื่อเดือนพฤศจิกายน พ.ศ. 2550 เลดเจอร์กล่าวว่าเมื่อต้องรับบทบาทใดก็ตาม เขามีปัญหาในการนอนหลับเพราะเขาไม่สามารถผ่อนคลายจิตใจได้ และมักจะนอนเพียงคืนละสองชั่วโมงระหว่างการถ่ายทำ [59]
คริสโตเฟอร์ต้องการคัดเลือกนักแสดงที่มี "การปรากฏตัวของวีรบุรุษ" แบบอเมริกันทั้งหมดสำหรับฮาร์วีย์ เดนท์ ซึ่งเป็นสิ่งที่เขาเปรียบได้กับโรเบิร์ต เรดฟอร์ดแต่ด้วยความโกรธหรือความมืดมน Josh Lucas , Ryan PhillippeและMark Ruffaloได้รับการพิจารณาเช่นเดียวกับMatt Damonซึ่งไม่สามารถเข้าร่วมได้เนื่องจากความขัดแย้งด้านตารางเวลา [o]ตามที่คริสโตเฟอร์กล่าว เอคฮาร์ตมีเสน่ห์แบบอเมริกันล้วน และ "ออร่า ... ของผู้ชายที่ดีพุ่งไปไกล" [10] [52]เอคฮาร์ตพบว่าการแสดงตัวละครที่มีความขัดแย้งนั้นน่าสนใจ เขากล่าวว่าความแตกต่างระหว่าง Dent และ Batman คือระยะทางที่พวกเขาเต็มใจจะไปเพื่อจุดประสงค์ของพวกเขา และหลังจาก Dent ทุจริต เขายังคงเป็นนักสู้อาชญากรรม แต่เขาใช้สิ่งนี้อย่างสุดขั้วเพราะเขาไม่ชอบข้อจำกัดของกฎหมาย [10] [66]การแสดงของเอคฮาร์ตได้รับอิทธิพลจากตระกูลเคนเนดีโดยเฉพาะโรเบิร์ต เอฟ. เคนเนดีซึ่งต่อสู้กับกลุ่มอาชญากรด้วยมุมมองของกฎหมายในอุดมคติที่คล้ายคลึงกัน ในระหว่างการ หารือเกี่ยวกับการพรรณนาถึงการเปลี่ยนแปลงของเดนท์เป็นทูเฟซ เอคฮาร์ตและคริสโตเฟอร์ตกลงที่จะเพิกเฉยต่อการแสดง "สีสัน" ของทอมมี่ ลี โจนส์ ใน Batman Forever(1995) ซึ่งตัวละครมีผมสีชมพูและสวมชุดดีไซน์เนอร์แบบแยกส่วน เพื่อความสมจริงมากกว่า ชุดสูทโทนสีกลางๆ ที่ไหม้เกรียมเล็กน้อย [67]
โอลด์แมนอธิบายบทบาทของเขาในฐานะจ่าเจมส์ กอร์ดอน GCPD ว่ากอร์ดอนคือ "ศูนย์กลางทางศีลธรรม" ของThe Dark Knightซึ่งเป็นตัวละครที่ซื่อสัตย์และไม่เสื่อมคลายซึ่งต้องดิ้นรนกับขีดจำกัดทางศีลธรรมของเขา [68] [69] Maggie Gyllenhaal แทนที่Katie Holmesเป็น Rachel Dawes เนื่องจาก Holmes เลือกแสดงในภาพยนตร์ตลกแนวอาชญากรรมMad Money(2008) แทน [70] [71]จิลเลนฮาลเข้าหาราเชลในฐานะตัวละครใหม่และไม่ได้อ้างอิงถึงการแสดงครั้งก่อนของโฮล์มส์ คริสโตเฟอร์บรรยายว่าราเชลเป็นความเชื่อมโยงทางอารมณ์ระหว่างเวย์นและเด้นท์ ซึ่งในท้ายที่สุดก็เป็นการสูญเสียส่วนตัวเพิ่มเติมเพื่อเติมพลังให้กับตัวละครของเวย์น จิลเลนฮาลร่วมมือกับคริสโตเฟอร์ในการพรรณนาตัวละคร เพราะเธอต้องการให้ราเชลมีความสำคัญและมีความหมายในบทบาทที่ค่อนข้างเล็กน้อยของเธอ [p]นักดนตรีDwight Yoakamปฏิเสธบทบาทผู้จัดการธนาคารหรือเจ้าหน้าที่ตำรวจที่ฉ้อราษฎร์บังหลวง เพราะเขากำลังบันทึกอัลบั้มของเขาDwight Sings Buck (2007) [74]
ก่อนการผลิต
ในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2549 การสอดแนมที่ตั้งของเมืองก็อธแธมเกิดขึ้นในสหราชอาณาจักรในลิเวอร์พูลกลาสโกว์ลอนดอนและบางส่วนของยอร์กเชียร์และในหลายเมืองในสหรัฐอเมริกา[75] [76]คริสโตเฟอร์เลือกชิคาโกเพราะเขาชอบพื้นที่และเชื่อว่า นำเสนอลักษณะทางสถาปัตยกรรมที่น่าสนใจโดยไม่เป็นที่จดจำเท่ากับสถานที่ในเมืองที่มีชื่อเสียง เช่น นิวยอร์กซิตี้ [35] [77]ทางการชิคาโกได้ให้การสนับสนุนระหว่างการถ่ายทำBatman Beginsโดยอนุญาตให้ฝ่ายผลิตปิดถนน ทางด่วน และสะพานที่ทอดยาว คริสโตเฟอร์ต้องการแลกเปลี่ยนฉากที่เป็นธรรมชาติและสวยงามของBatman Beginsเช่นเทือกเขาหิมาลัยและถ้ำสำหรับสภาพแวดล้อมที่มีโครงสร้างทันสมัย Joker สามารถแยกชิ้นส่วนได้ ผู้ออกแบบ งานสร้าง นาธาน โครว์ลี่ย์กล่าวว่า เส้นสายที่สะอาดตาและประณีตของสถาปัตยกรรมแบบชิคาโกช่วยปรับปรุงละครอาชญากรรมในเมืองที่พวกเขาต้องการสร้าง และแบทแมนได้ช่วยปรับปรุงเมือง การทำลายคฤหาสน์เวย์นในBatman Beginsเปิดโอกาสให้เวย์นย้ายไปยังเพนต์เฮาส์สมัยใหม่ที่เบาบาง ซึ่งสะท้อนความเหงาของเขา [79]ชุดต่างๆ ยังคงใช้สำหรับการตกแต่งภายในบางอย่างเช่น Bat Bunker ซึ่งใช้แทนBatcaveในเขตชานเมือง ทีมผู้ผลิตพิจารณาว่าจะวางมันไว้ในห้องใต้ดินของเพนต์เฮาส์ แต่เชื่อว่าเป็นวิธีแก้ปัญหาที่ไม่สมจริงเกินไป [80]
The Dark Knightส่วนใหญ่ถ่ายทำโดยใช้ กล้อง Panaflex Millennium XL และ Platinum ของ Panavisionแต่ Christopher ต้องการถ่ายทำประมาณ 40 นาทีด้วยกล้องIMAX ซึ่งเป็นเทคโนโลยีความละเอียดสูงโดยใช้ ฟิล์ม 70 มม.แทนที่จะใช้รูปแบบ35 มม. ที่ใช้ กัน ทั่วไป ภาพยนตร์ที่สร้างเสร็จแล้วมีฟุตเทจ IMAX 15–20% ซึ่งฉายประมาณ 28 นาที [q]สิ่งนี้ทำให้เป็นภาพยนตร์หลักเรื่องแรกที่ใช้เทคโนโลยี IMAX ซึ่งโดยทั่วไปใช้สำหรับสารคดี [r]Warner Bros. ไม่เต็มใจที่จะรับรองการใช้เทคโนโลยีนี้เนื่องจากกล้องมีขนาดใหญ่และเทอะทะ การจัดซื้อและดำเนินการสต็อกฟิล์มมีราคาสูงกว่าฟิล์ม 35 มม. ทั่วไปถึงสี่เท่า คริสโตเฟอร์กล่าวว่ากล้องที่ใช้บนยอดเขาเอเวอเรสต์สามารถใช้กับThe Dark Knightได้ และให้ช่างถ่ายภาพยนตร์Wally Pfisterและทีมงานของเขาเริ่มฝึกการใช้อุปกรณ์ในเดือนมกราคม 2550 เพื่อทดสอบความเป็นไปได้ [86] [87] [88]คริสโตเฟอร์ต้องการถ่ายทำอารัมภบทการปล้นธนาคารใน IMAX เป็นพิเศษเพื่อถ่ายทอดความแตกต่างในขอบเขตระหว่างThe Dark KnightและBatman Beginsในทันที [89]
ถ่ายทำในชิคาโก
การถ่ายภาพหลักเริ่มขึ้นเมื่อวันที่ 18 เมษายน พ.ศ. 2550 ในชิคาโกด้วย งบประมาณ 185 ล้านดอลลาร์ [s] [t]สำหรับThe Dark Knightนั้น Pfister เลือกที่จะรวมภาพ "สไตล์สนิม" ของBatman Beginsเข้ากับโทนสี "พลบค่ำ" ของThe Prestige(โคบอลต์บลูส์ เขียว ดำ และขาว) ใน ส่วนหนึ่งเพื่อจัดการกับฉากที่มืดเกินไปในBatman Begins [81] [94]เพื่อหลีกเลี่ยงความสนใจ การถ่ายทำในชิคาโกเกิดขึ้นภายใต้ชื่อผลงานRory's First Kissแต่ธรรมชาติที่แท้จริงของการผลิตถูกเปิดเผยโดยสื่อสิ่งพิมพ์อย่างรวดเร็ว [95]วิดีโอทำเองของ Joker ถ่ายทำและกำกับโดย Ledger เป็นหลัก Caine กล่าวว่าเขาลืมบทพูดระหว่างฉากที่เกี่ยวข้องกับวิดีโอหนึ่งเพราะการแสดงที่ "น่าทึ่ง" ของ Ledger [34]
ฉากแรกที่ถ่ายทำคือการปล้นธนาคาร ซึ่งถ่ายทำในที่ทำการไปรษณีย์หลักโอลด์ชิคาโก เป็น เวลากว่าห้าวัน [81] [96]มีกำหนดการก่อนกำหนดเพื่อทดสอบขั้นตอน IMAX โดยอนุญาตให้ถ่ายทำซ้ำด้วยกล้องแบบเดิมได้หากจำเป็น และตั้งใจเผยแพร่สู่สาธารณะโดยเป็นส่วนหนึ่งของแคมเปญการตลาด Pfisterอธิบายว่าเป็นสัปดาห์แห่งความอดทนและการเรียนรู้เนื่องจากการรอสี่วันในการประมวลผลภาพ IMAX การ ถ่ายทำย้ายไปอังกฤษตลอดเดือนพฤษภาคม กลับไปชิคาโกในเดือนมิถุนายน [81] [98]
การถ่ายทำเกิดขึ้นที่ล็อบบี้ของOne Illinois Centerซึ่งทำหน้าที่เป็นอพาร์ทเมนต์เพนต์เฮาส์ของ Wayne; ตู้หนังสือถูกสร้างขึ้นเพื่อซ่อนลิฟต์ ชั้นของ Two Illinois Center ได้รับการตกแต่งสำหรับงานระดมทุนของ Wayne ทีมงานอธิบายว่าตื่นเต้นเพราะฉากนี้แสดงให้เห็นการพบกันครั้งแรกระหว่างแบทแมนและโจ๊กเกอร์ หน้าต่างในการตั้งค่าทั้งสองถูกคลุมด้วย วัสดุ กรีนสกรีนทำให้สามารถเพิ่มภาพเมือง Gotham ได้ในภายหลัง [81] [99]ในเดือนกรกฎาคม ใช้เวลาสามสัปดาห์ในการถ่ายทำฉากไล่ล่ารถบรรทุก โดยส่วนใหญ่อยู่ที่Wacker Driveซึ่งเป็นถนนหลายระดับที่ต้องปิดชั่วข้ามคืน [100] [101]ในระหว่างการถ่ายทำ คริสโตเฟอร์ได้เพิ่มชิ้นส่วนของรถตู้หน่วย SWAT ที่พุ่งชนสิ่งกีดขวางคอนกรีต ลำดับนี้ดำเนินต่อไปบนถนนลาซาลซึ่งใช้สำหรับขบวนศพของ GCPD เช่นกัน สำหรับการแสดงผาดโผนด้วยรถบรรทุกและเฮลิคอปเตอร์ที่ใช้งานได้จริง ส่วนเพิ่มเติมถ่ายทำที่ Monroe Street และRandolph Streetและที่Randolph Street Station [101] [104] [105]
Navy Pierริมชายฝั่งทะเลสาบมิชิแกนทำหน้าที่เป็นท่าเรือ Gotham ในฉากเรือข้ามฟากที่สวยงาม หน่วยสอดแนมใช้เวลากว่า 1 เดือนในการค้นหาเรือที่เหมาะสม แต่ไม่ประสบผลสำเร็จ ดังนั้นผู้ประสานงานด้านการก่อสร้าง Joe Ondrejko และทีมงานของเขาจึงสร้างส่วนหน้าของเรือข้ามฟากบนเรือท้องแบน [101] [106]ฉากทั้งหมดถ่ายทำในหนึ่งวันและมี นักแสดง พิเศษ 800 คน ซึ่งถูกย้ายไปตามแผนกแต่งหน้าและเสื้อผ้าเป็นกะ [107]ภาพภายนอกของอาคาร Gotham Prewitt ซึ่งเป็นสถานที่เผชิญหน้าครั้งสุดท้ายของแบทแมนและโจ๊กเกอร์ ถ่ายทำที่โรงแรมTrump International Hotel and Tower ที่กำลังก่อสร้าง. เจ้าของปฏิเสธไม่ให้ถ่ายทำฉากสตั๊นต์ที่แบทแมนระงับหน่วยสวาทจากอาคาร ดังนั้นสิ่งนี้จึงถ่ายทำจากชั้นสี่สิบของอาคารอีกหลังหนึ่ง [108]อดีตโรงงานขนมของ Brach บน ถนน Cicero ที่ มีกำหนดรื้อถอนถูกใช้เพื่อถ่ายทำการระเบิดของโรงพยาบาล Gotham General ในเดือนสิงหาคม พ.ศ. 2550 [101] [109]การถ่ายทำในชิคาโกสิ้นสุดลงเมื่อวันที่ 1 กันยายน จบลงด้วยฉากที่เวย์นขับรถชนเขา รถก่อนที่การผลิตจะกลับไปอังกฤษ [101] [110]
The Dark Knightรวมถึงสถานที่ในชิคาโกเช่นทะเลสาบมิชิแกนซึ่งเพิ่มขึ้นเป็นสองเท่าของทะเลแคริบเบียนที่เวย์นขึ้นเครื่องบินทะเล [107] Richard J. Daley Center (ภายนอกของ Wayne Enterprises และห้องพิจารณาคดี); [101] [111] ร้านอาหาร Berghoff (GCPD จับกุมคนร้าย); [101]ร้านอาหาร ทวิน แองเคอร์; ซาวด์บาร์; McCormick Place (การตกแต่งภายในของ Wayne Enterprises); และ โรง ละครชิคาโก [101] 330 วอแบชเหนือทำหน้าที่เป็นสำนักงานที่ใช้โดย Dent นายกเทศมนตรี Garcia และผู้บัญชาการ Loeb; และชั้นที่สิบสามปรากฏเป็นห้องประชุมของ Wayne Enterprises; Pfister ปรับปรุงหน้าต่างบานใหญ่แบบพาโนรามาและแสงธรรมชาติด้วยโต๊ะกระจกขนาด 80 ฟุต (24 ม.) และหลอดไฟสะท้อนแสง [99]โรงจอดรถบนถนนแรนดอล์ฟเป็นที่ที่แบทแมนจับตัวหุ่นไล่กาและผู้เลียนแบบแบทแมน คริสโตเฟอร์ต้องการสุนัขร็ อตไวเลอร์หลาย ตัวในที่เกิดเหตุ แต่การจะหาคนดูแลสุนัขที่พร้อมจะจัดการสุนัขหลายตัวพร้อมๆ กันนั้นเป็นเรื่องยาก [101] [112]ฉากแบทแมนสำรวจเมืองจากขอบดาดฟ้าถ่ายทำบนยอดวิลลิสทาวเวอร์ตึกที่สูงที่สุดของชิคาโก Stuntman Buster Reeves มีกำหนดจะเพิ่มเป็นสองเท่าของ Batman แต่ Bale เกลี้ยกล่อมให้ผู้สร้างภาพยนตร์ปล่อยให้เขาแสดงฉากนี้ด้วยตัวเอง [101] [113] [114]สิบสามสัปดาห์ของการถ่ายทำในชิคาโกคาดว่าจะสร้างรายได้ 45 ล้านเหรียญสำหรับเศรษฐกิจของเมืองและงานในท้องถิ่นหลายพันงาน [115] [116]
ถ่ายทำในอังกฤษและฮ่องกง
สถานที่ภายในหลายแห่งของThe Dark Knightถ่ายทำในกอง ถ่ายที่Pinewood Studios , BuckinghamshireและCardington Airfield , Bedfordshire ; สถานที่เหล่านี้รวมถึง Bat Bunker ซึ่งใช้เวลาหกสัปดาห์ในการสร้างโรงเก็บเครื่องบิน Cardington Bat Bunker อิงจากการออกแบบอาคารในชิคาโกในปี 1960 และรวมเข้ากับพื้นคอนกรีตที่มีอยู่ และใช้เพดานสูง 8 ฟุต (2.4 ม.) ยาว 200 ฟุต (61 ม.) เพื่อสร้างมุมมองที่กว้าง โรงเก็บเครื่องบินสูง 160 ฟุต (49 ม.) ไม่เหมาะสำหรับการแขวนหลังคาบังเกอร์ และสร้างโครงสำหรับตั้งสิ่งของที่ครอบคลุมเพื่อยึดและให้แสงสว่าง [81] [117]หลังจากย้ายจากชิคาโกในเดือนพฤษภาคม ฉากที่ถ่ายทำในสหราชอาณาจักรก็รวมอยู่ด้วยCriterion Restaurantซึ่ง Rachel, Dent และ Wayne รับประทานอาหารเย็นร่วมกัน และฉาก Gotham News ที่ถ่ายทำที่มหาวิทยาลัยWestminster สำนักงานใหญ่ GCPD ถูกสร้างขึ้นใหม่ในอาคารFarmiloe ในระหว่างการสอบสวน Ledger ขอให้ Bale ตีเขาจริง ๆ และแม้ว่าเขาจะปฏิเสธ แต่ Ledger ก็ทุบกำแพงและทุบกำแพงด้วยการเหวี่ยงตัวไปรอบ ๆ [117] [118]
หลังจากกลับมาที่อังกฤษในช่วงกลางเดือนกันยายน ฉากต่างๆ ถูกถ่ายทำสำหรับเรือข้ามฟาก โรงพยาบาล และการตกแต่งภายในอาคาร Gotham Prewitt ในช่วง กลางเดือนตุลาคม ฉากภายในและภายนอกของราเชลที่ถูกจับเป็นตัวประกันซึ่งล้อมรอบด้วยถังน้ำมันกำลังถ่ายทำที่สถานีพลังงานแบตเตอร์ ซี เพื่อหลีกเลี่ยงการสร้างความเสียหายแก่โรงไฟฟ้า ซึ่งเป็นอาคาร ที่ได้รับการขึ้นทะเบียน จึงมีการสร้างกำแพงปลอมขึ้นด้านหน้าและวางระเบิดไว้เรียงราย [120]ผู้อยู่อาศัยในบริเวณใกล้เคียงติดต่อบริการฉุกเฉินโดยเชื่อว่าการระเบิดเป็นการโจมตีของผู้ก่อการร้าย การ ถ่ายทำในอังกฤษสิ้นสุดลงเมื่อปลายเดือนตุลาคมด้วยภาพกรีนสกรีนหลายฉากสำหรับฉากการไล่ล่ารถบรรทุก และภาพของราเชลถูกโยนลงมาจากหน้าต่างถ่ายทำในกองถ่ายที่คาร์ดิงตัน[122]
เก้าวันสุดท้ายของการผลิตเกิดขึ้นที่ฮ่องกงและรวมฟุตเทจทางอากาศจากยอดตึกInternational Finance Centreรวมถึงการถ่ายทำที่บันไดเลื่อนระดับกลางถึงระดับกลาง , The Center , Central , The Peninsula Hong KongและQueen's Road ; และการแสดงผาดโผนที่แบทแมนจับเครื่องบินC-130 ที่กำลังบินอยู่ [u]แม้จะมีการซ้อมใหญ่ของรีฟส์กระโดดจากอาคาร McClurgในชิคาโก การแสดงผาดโผนที่วางแผนไว้เพื่อแสดงภาพแบทแมนกระโดดจากตึกระฟ้าแห่งหนึ่งไปยังอีกแห่งในฮ่องกงถูกยกเลิกเนื่องจากเจ้าหน้าที่ท้องถิ่นปฏิเสธการอนุญาตให้ใช้เฮลิคอปเตอร์ Pfister อธิบายเจ้าหน้าที่ว่าเป็น "ฝันร้าย"[61] [127]คริสโตเฟอร์โต้แย้งรายงานที่กล่าวว่าฉากแบทแมนกระโดดลงไปในอ่าววิคตอเรียถูกยกเลิกเนื่องจากปัญหามลพิษ โดยกล่าวว่าเป็นการตัดสินใจของสคริปต์ [123] [124]การถ่ายทำ 127 วันสิ้นสุดลงในวันที่ 15 พฤศจิกายน ตรงเวลาและต่ำกว่างบประมาณ [128]
หลังการผลิต
การแก้ไขกำลังดำเนินการในเดือนมกราคม 2551 เมื่อ Ledger อายุ 28 ปีเสียชีวิตจากการใช้ยาตามใบสั่งแพทย์เกินขนาดโดยไม่ตั้งใจ ข่าวลือเรื่องความมุ่งมั่นในการแสดงของเขาในฐานะโจ๊กเกอร์ส่งผลต่อสภาพจิตใจของเขาแพร่สะพัดไปทั่ว แต่สิ่งนี้ถูกหักล้างในภายหลัง [v]คริสโตเฟอร์กล่าวว่าการตัดต่อภาพยนตร์เรื่องนี้ "สะเทือนอารมณ์อย่างมาก พอเขาจากไป ต้องกลับไปดูเขาทุกวัน [ระหว่างการตัดต่อ] ... แต่ความจริงก็คือ ฉันรู้สึกโชคดีมากที่มีบางสิ่งที่เป็นประโยชน์ต่อ ทำเพื่อให้มีผลงานที่เขาภูมิใจมากและมอบหมายให้ผมจัดการให้เสร็จ" [58]เนื่องจากคริสโตเฟอร์ชอบบันทึกเสียงขณะถ่ายทำมากกว่าบันทึกบทสนทนาซ้ำในขั้นตอนหลังการถ่าย ทำงานของเลดเจอร์เสร็จสิ้นก่อนที่เขาจะเสียชีวิต และคริสโตเฟอร์ไม่ได้แก้ไขการเล่าเรื่องของโจ๊กเกอร์เพื่อตอบโต้ [61] [131]คริสโตเฟอร์ได้อุทิศส่วนกุศลให้กับ Ledger และสตั๊นท์แมน Conway Wickliffe ซึ่งเสียชีวิตระหว่างการซ้อมการแสดงความสามารถ Tumbler ( Batmobile ) [132] [133] [134]
นอกเหนือจากหัวหน้าบรรณาธิการลี สมิธคริสโตเฟอร์ใช้ [w]คริสโตเฟอร์กล่าวว่าไม่มีฉากใดถูกลบออกเพราะเขาเชื่อว่าทุกฉากมีความสำคัญ และเนื้อหาที่ไม่จำเป็นถูกตัดออกก่อนถ่ายทำ ครอบครัวโนแลนประสบปัญหาในการปรับแต่งสคริปต์เพื่อลดเวลาดำเนินการ แต่หลังจากถอดเนื้อหาจำนวนมากออก พวกเขาเชื่อว่ามันไม่สามารถเข้าใจได้ พวกเขาได้เพิ่มฉากเพิ่มเติม [135] [35]
เทคนิคพิเศษและการออกแบบ
ซึ่งแตกต่างจากขั้นตอนการออกแบบของBatman Beginsซึ่งถูกจำกัดโดยความต้องการในการแสดงสัญลักษณ์ของแบทแมน การยอมรับของผู้ชมต่อฉากที่สมจริงทำให้The Dark Knightมีอิสระในการออกแบบมากขึ้น [138] คริส คอ ร์โบลด์ ผู้ควบคุมสเปเชียล เอฟเฟ็ก ต์ ของภาพยนตร์[139]ดูแลเอฟเฟกต์ 700 ช็อ ตที่สร้างโดย Double NegativeและFramestore ; มีเอฟเฟ็กต์ค่อนข้างน้อยเมื่อเทียบกับภาพยนตร์ที่เทียบเท่ากัน เนื่องจากคริสโตเฟอร์ใช้เพียงการสร้างภาพด้วยคอมพิวเตอร์โดย ที่เอ ฟเฟ็กต์ที่ใช้งานได้จริงไม่เพียงพอ [140]ผู้ออกแบบ งานสร้าง Nathan Crowleyออกแบบ Batpod ( Batcycle) เนื่องจากคริสโตเฟอร์ไม่ต้องการนำแก้วน้ำกลับมาใช้ซ้ำอีกหลายครั้ง ทีมของ Corbould สร้าง Batpod ซึ่งมีต้นแบบมาจาก Crowley และ Christopher ที่สร้างขึ้นโดยการรวมส่วนประกอบของโมเดลเชิงพาณิชย์ต่างๆ [141] [142]ยานพาหนะเทอะทะและกว้างที่เหนื่อยล้าสามารถขี่ได้โดยสตั๊นท์แมน Jean Pierre Goy หลังจากฝึกฝนมาหลายเดือน [114] [142] [143]การระเบิดของโรงพยาบาล Gotham General ไม่ได้อยู่ในสคริปต์ แต่ถูกเพิ่มเข้ามาระหว่างการถ่ายทำเพราะ Corbould เชื่อว่าสามารถทำได้ [144]
Hemming, Crowley, Christopher และ Jamie Rama ออกแบบชุด Batsuit ใหม่เพื่อให้สวมใส่สบายและยืดหยุ่นมากขึ้น โดยพัฒนาชุดที่ทำจากวัสดุยืดหยุ่นที่หุ้มด้วยชุดเกราะยูรีเทนกว่า 100 ชิ้น [145] [146]ประติมากร Julian Murray ได้พัฒนาการออกแบบใบหน้าที่ถูกไฟไหม้ของ Dent ซึ่งเป็นไปตามคำร้องขอของ Christopher สำหรับรูปลักษณ์ที่เป็นโครงกระดูก เมอร์เรย์ได้ผ่านการออกแบบที่ "สมจริงเกินไปและน่าสยดสยองมากกว่า" ก่อนที่จะเลือกเวอร์ชันที่ "เพ้อฝัน" และมีรายละเอียดมากขึ้น แต่น่ารังเกียจน้อยกว่า [66] [147]เฮมมิงออกแบบรูปลักษณ์โดยรวมของโจ๊กเกอร์ ซึ่งเขาได้อิงตามคนดังในวงการแฟชั่นและดนตรีเพื่อสร้างรูปลักษณ์ที่ทันสมัยและอินเทรนด์ อิทธิพลยังมาจากการศึกษาจิตรกรรมปี 1953 หลังจากเบลัซเกซฟรานซิส เบคอน —แนะนำโดยคริสโตเฟอร์—และการปรากฏตัวในหนังสือการ์ตูนของตัวละคร [34] [148] [149]ชุดประกอบด้วยโค้ทสีม่วง เสื้อกั๊กสีเขียว เสื้อเชิ้ตโบราณ และเน็คไทแบบบางสไตล์ปี 1960 ที่ Ledger แนะนำ [150]หัวหน้าฝ่ายกายอุปกรณ์ คอ เนอร์ โอซุลลิแวนสร้างรอยแผลเป็นของโจ๊กเกอร์ ซึ่งส่วนหนึ่งเขาได้อิงจากคนส่งของที่มีแผลเป็นที่เขาพบ และใช้เทคนิคของเขาเองในการสร้างและใช้อวัยวะเทียมที่อ่อนนุ่มคล้ายผิวหนัง [34] [151]จอห์น คาลิโอเน จูเนียร์ออกแบบการแต่งหน้า "ออร์แกนิก" ของ Joker ให้ดูราวกับว่าแต่งมาหลายวัน แนวคิดนี้ส่วนหนึ่งมาจากผลงานของเบคอน Caglione Jr ใช้เทคนิคการแต่งหน้าในการแสดงละครสำหรับการสมัคร เขาสั่งให้เลดเจอร์ขัดหน้าของเขาเพื่อให้รอยแตกและพื้นผิวต่างๆ ถูกสร้างขึ้นเมื่อแต่งหน้าเสร็จและเลดเจอร์ก็ผ่อนคลาย เลดเจอร์ทาลิปสติกด้วยตัวเองเสมอ โดยเชื่อว่ามันมีความสำคัญต่อลักษณะเฉพาะของเขา [34] [152] [153]
ดนตรี
นักแต่งเพลงJames Newton HowardและHans Zimmerซึ่งเคยทำงานในBatman Beginsเช่นกัน ให้คะแนนThe Dark Knightเพราะ Christopher เชื่อว่าการเชื่อมช่องว่างระหว่างการเล่าเรื่องทางดนตรีระหว่างภาพยนตร์เป็นเรื่องสำคัญ บันทึกเสียงที่Air Studiosลอนดอน ฮาวเวิร์ดและซิมเมอร์แต่งเพลงประกอบโดยไม่ได้ดูภาพยนตร์เพราะคริสโตเฟอร์ต้องการให้พวกเขาได้รับอิทธิพลจากตัวละครและเรื่องราวมากกว่าที่จะปรับให้เข้ากับองค์ประกอบเฉพาะบนหน้าจอ [154] [155]ฮาวเวิร์ดและซิมเมอร์แยกหน้าที่ตามลักษณะนิสัย ฮาวเวิร์ดจดจ่ออยู่กับเดนท์ ส่วนซิมเมอร์จดจ่ออยู่กับแบทแมนและโจ๊กเกอร์ ซิมเมอร์ไม่ได้ถือว่าแบทแมนเป็นผู้สูงศักดิ์อย่างเคร่งครัดและเขียนธีมนี้ให้ดูเหมือนไม่ "สุดยอด"ฮาวเวิร์ดเขียนเพลงประมาณสิบนาทีสำหรับเดนท์ โดยต้องการให้เขาแสดงเป็นชาวอเมริกันที่เป็นตัวแทนของความหวัง แต่ต้องเผชิญกับอารมณ์สุดโต่งและศีลธรรมอันเสื่อมทราม เขาใช้เครื่องเป่าลมทองเหลืองทั้งด้านศีลธรรม แต่ทำให้เสียงบิดเบี้ยวเมื่อบุ๋มเสียหาย [154] [156]
ซิมเมอร์ต้องการใช้โน้ตเดียวสำหรับธีมของโจ๊กเกอร์ เขากล่าวว่า "ลองนึกภาพโน้ตตัวหนึ่งที่เริ่มต้นอย่างกระวนกระวายเล็กน้อย จากนั้นไปสู่ความเลวร้ายอย่างรุนแรง และสุดท้ายก็หักหัวคุณออกไปในตอนท้าย" อย่างไรก็ตาม เขาไม่สามารถทำให้มันสำเร็จได้ และใช้โน้ตสองตัวที่มีจังหวะสลับกันและมีอิทธิพล แบบ " พังก์ " [154] [156] [157]ธีมนี้ได้รับอิทธิพลมาจากผล งานของ นักประดิษฐ์ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์Kraftwerkและ Zimmer ร่วมกับวงร็อคThe Damned เขาต้องการถ่ายทอดองค์ประกอบของโจ๊กเกอร์ ความบ้าระห่ำ และ "ความเป็นอื่น" ของโจ๊กเกอร์ด้วยการผสมผสานดนตรีอิเล็กทรอนิกส์และดนตรีออเคสตร้า และปรับเปลี่ยนโน้ตเกือบทุกตัวหลังการบันทึกเพื่อเลียนแบบเสียงรวมถึงเสียงฟ้าร้องและเสียงมีดโกน[157] [158]เขาพยายามพัฒนาเสียงต้นฉบับด้วยซินธิไซเซอร์ โดยพยายามสร้างผลลัพธ์ที่ "ไม่เหมาะสม" โดยสั่งให้นักดนตรีเริ่มด้วยโน้ตตัวเดียวและค่อยๆ เปลี่ยนไปใช้โน้ตตัวที่สองในช่วงสามนาที นักดนตรีพบว่าสิ่งนี้ยากเพราะมันตรงกันข้ามกับการฝึกฝนของพวกเขา [156]ใช้เวลาหลายเดือนกว่าจะได้ผลลัพธ์ตามที่ซิมเมอร์ต้องการ หลังจากการเสียชีวิตของเลดเจอร์ ซิมเมอร์พิจารณาที่จะทิ้งธีมสำหรับธีมแบบดั้งเดิม แต่เขาและโฮเวิร์ดเชื่อว่าพวกเขาควรให้เกียรติการแสดงของเลดเจอร์
The Empire Strikes Back (หรือที่รู้จักในชื่อ Star Wars: Episode V – The Empire Strikes Back )
Industrial Light & Magic บริษัทของ Lucas พัฒนาสเปเชียลเอฟเฟ็กต์สำหรับThe Empire Strikes Backด้วยต้นทุน 8 ล้านดอลลาร์ ซึ่งรวมถึงการจัดหาพนักงานและการก่อสร้างโรงงานแห่งใหม่ของบริษัทใน Marin County [169]อาคารยังอยู่ระหว่างการก่อสร้างเมื่อเจ้าหน้าที่มาถึงในเดือนกันยายน พ.ศ. 2521 และในขั้นต้นยังขาดอุปกรณ์ที่จำเป็นต่อการทำงานให้เสร็จ [111] [114] [ 191]เมื่อเทียบกับเอฟเฟกต์พิเศษ 360 ช็อตสำหรับStar Warsจักรวรรดิต้องการประมาณ 600 ช็อต[192]
ทีมงานที่ดูแลโดยRichard EdlundและBrian JohnsonรวมถึงDennis Muren , Bruce Nicholson , Lorne Peterson , Steve Gawley , Phil Tippett , [ 111] Tom St. Amand [193]และNilo Rodis-Jamero ในแต่ละวันมีคนทำงานมากถึง 100 คนในโครงการ รวมถึงสจวร์ต ฟรีบอร์น ซึ่งรับผิดชอบหลักในการประดิษฐ์หุ่นกระบอกโยดา [57] [194]เทคนิคต่างๆ รวมถึงภาพย่อส่วน ภาพวาดด้านสต็อปโมชันมีการใช้โมเดลแบบประกบและยานพาหนะขนาดเต็มเพื่อสร้างเอฟเฟ็กต์ต่างๆของEmpire [65] [135] [195]
Psycho
การผลิต
การพัฒนา
Psychoสร้างจากนวนิยายชื่อเดียวกันของRobert Blochในปี 1959 โดยได้รับแรงบันดาลใจอย่างหลวมๆ จากคดีของฆาตกรชาววิสคอนซินที่ถูกตัดสินว่ามีความผิดและโจรปล้นหลุมฝังศพEd Gein [15]ทั้งไกน์ซึ่งอาศัยอยู่เพียง 40 ไมล์ (64 กม.) จากโบลช และนอร์แมน เบทส์ ตัวเอกของเรื่องต่างเป็นฆาตกรโดดเดี่ยวในสถานที่ห่างไกลในชนบท แต่ละคนมีมารดาผู้ล่วงลับไปแล้ว ได้ปิดห้องในบ้านเพื่อเป็นที่บูชาแก่พวกเขา และแต่งกายด้วยเสื้อผ้าสตรี Gein ถูกจับกุมหลังจากฆ่าเพียงสองครั้ง [16]
Peggy Robertsonผู้ช่วยของ Hitchcock มายาวนาน อ่าน บทวิจารณ์เชิงบวกของ Anthony Boucherเกี่ยวกับนวนิยายเรื่องนี้ในคอลัมน์ "Criminals at Large" ในThe New York Timesและตัดสินใจนำหนังสือเล่มนี้ไปแสดงต่อนายจ้างของเธอ อย่างไรก็ตาม ผู้อ่านในสตูดิโอของParamount Picturesได้ปฏิเสธหลักฐานสำหรับการสร้างภาพยนตร์ไปแล้ว ฮิตช์ค็อกได้รับสิทธิ์ในนวนิยายเรื่องนี้ในราคา 9,500 ดอลลาร์ และมีรายงานว่าโรเบิร์ ตสันส์สั่งให้ซื้อสำเนาทั้งหมดเพื่อรักษาความประหลาดใจของนวนิยายเรื่องนี้ [17]ฮิตช์ค็อกซึ่งเคยเผชิญหน้ากับคู่แข่งประเภทที่มีผลงานถูกวิจารณ์อย่างรุนแรงเมื่อเปรียบเทียบกับผลงานของเขาเอง กำลังค้นหาเนื้อหาใหม่เพื่อกู้คืนจากสองโปรเจ็กต์ที่ถูกยกเลิกด้วย Paramount: Flamingo Featherและไม่มีการประกันตัวสำหรับผู้พิพากษา เขาไม่ชอบการเรียกร้องเงินเดือนของดาราและไว้ใจคนเพียงไม่กี่คนในการเลือกเนื้อหาที่คาดหวัง รวมถึงโรเบิร์ตสันด้วย [19]
ผู้บริหารระดับสูงไม่เห็นด้วยกับข้อเสนอของฮิตช์ค็อกและปฏิเสธที่จะให้งบประมาณตามปกติของเขา ในการตอบสนอง ฮิตช์ค็อกเสนอให้ถ่ายทำPsychoอย่างรวดเร็วและราคาถูกในรูปแบบขาวดำโดยใช้ทีมงานซีรีส์ทางโทรทัศน์ ของ Alfred Hitchcock Presents ผู้บริหารของ Paramount ปฏิเสธแนวทางที่คำนึงถึงต้นทุนนี้ โดยอ้างว่าเวทีเสียงของพวกเขาถูกจองไปแล้ว แต่อุตสาหกรรมนี้กำลังตกต่ำ ฮิตช์ค็อกโต้ว่าเขาจะให้เงินสนับสนุนโครงการเป็นการส่วนตัวและถ่ายทำที่Universal-Internationalโดยใช้ทีมงานของ Shamley Productions หาก Paramount จะจัดจำหน่าย แทนค่าผู้กำกับปกติ 250,000 ดอลลาร์ เขาเสนอหุ้น 60% ในฟิล์มเนกาทีฟ ข้อเสนอที่รวมกันนี้ได้รับการยอมรับ และฮิตช์ค็อกเดินหน้าต่อไปแม้ว่าโปรดิวเซอร์เฮอร์เบิร์ต โคลแมนและโจแอน แฮร์ริสัน ผู้บริหารแชมลีย์โปรดักชันส์จะปฏิเสธ ก็ตาม [21]
บทภาพยนตร์
James P. Cavanaghนักเขียนเรื่องAlfred Hitchcock Presentsเขียนบทร่างแรกของบทภาพยนตร์ ฮิตช์ค็อกรู้สึกว่าสคริปต์ลากและอ่านเหมือนเรื่องสั้นสยองขวัญทางโทรทัศน์ [ 23 ]การประเมินร่วมกันโดยผู้ช่วย [22]แม้ว่าโจเซฟ สเตฟาโนจะเคยทำงานในภาพยนตร์เพียงเรื่องเดียวมาก่อน แต่ฮิตช์ค็อกก็ตกลงที่จะพบกับเขา แม้ว่า Stefano จะไม่มีประสบการณ์ แต่การประชุมก็ดำเนินไปได้ด้วยดีและเขาก็ได้รับการว่าจ้าง [22]
บทภาพยนตร์ค่อนข้างตรงตามนิยาย โดยมีการเปลี่ยนแปลงสำคัญเล็กน้อยโดยฮิตช์ค็อกและสเตฟาโน สเตฟาโนพบว่าตัวละครของนอร์แมน เบทส์เป็นคนไม่มีความเห็นอกเห็นใจ—ในหนังสือ เขาเป็นวัยกลางคน มีน้ำหนักเกิน และไม่มั่นคงอย่างเปิดเผย—แต่เริ่มรู้สึกทึ่งมากขึ้นเมื่อฮิตช์ค็อกแนะนำให้คัดเลือกแอนโธนี เพอร์กินส์ สเตฟาโนกำจัดการดื่มของเบตส์[ 24]ซึ่งเห็นได้ชัดว่าจำเป็นต้องถอด "กลายเป็น" บุคลิกภาพของเบตส์เมื่ออยู่ในอาการมึนเมา ความสนใจของเบตส์ในเรื่องลัทธิเชื่อผีไสยศาสตร์และภาพอนาจารก็หายไปเช่นกัน [25]ฮิตช์ค็อกและสเตฟาโนเลือกที่จะเปิดภาพยนตร์ด้วยฉากในชีวิตของแมเรียน และไม่แนะนำเบตส์เลยจนกระทั่งผ่านไป 20 นาทีในภาพยนตร์แทนที่จะเปิดฉากโดยเบตส์อ่านหนังสือประวัติศาสตร์เหมือนที่โบลชทำ [24]นักเขียนโจเซฟ ดับเบิลยู. สมิธสังเกตว่า "เรื่องราวของเธอมีเนื้อหาเพียงสองตอนจากนวนิยายทั้งหมด 17 บท ฮิตช์ค็อกและสเตฟาโนขยายเรื่องนี้จนเกือบครึ่งหนึ่งของการเล่าเรื่อง" นอกจากนี้เขายังกล่าวถึงการนัดพบระหว่างแมเรียนกับแซมในนวนิยายอีกด้วย สำหรับ Stefano บทสนทนาระหว่าง Marion และ Norman ในห้องนั่งเล่นของโรงแรมซึ่งเธอแสดงความเห็นอกเห็นใจจากมารดาที่มีต่อเขา ทำให้ผู้ชมสามารถเปลี่ยนความเห็นอกเห็นใจที่มีต่อ Norman Bates หลังจากการฆาตกรรมของ Marion [27]เมื่อไลล่า เครนมองผ่านห้องของนอร์แมนในภาพยนตร์ เธอเปิดหนังสือที่มีหน้าปกว่างเปล่าซึ่งไม่มีใครเห็นเนื้อหา ในนวนิยายเหล่านี้เป็นภาพประกอบ "ภาพอนาจารในทางพยาธิวิทยา" Stefano ต้องการให้ผู้ชม ในหนังสือบทสนทนาของเขากับฮิตช์ค็อกFrançoisTruffautกล่าวว่านวนิยายเรื่องนี้ "กลโกง" โดยขยายการสนทนาระหว่างนอร์มันกับ "แม่" และระบุว่าแม่กำลัง "ทำอะไร" ในช่วงเวลาต่างๆ [28]
ชื่อแรกของตัวเอกหญิงเปลี่ยนจาก Mary เป็น Marion เพราะมี Mary Crane ตัวจริงอยู่ใน Phoenix การ เปลี่ยนแปลงก็คือนวนิยายเรื่องรักระหว่างแซมกับไลล่า ฮิตช์ค็อกต้องการเน้นความสนใจของผู้ชมไปที่การไขปริศนา[30]และสเตฟาโนคิดว่าความสัมพันธ์เช่นนี้จะทำให้แซม ลูมิสดูไร้ค่า [27]แทนที่จะให้แซมอธิบายพยาธิวิทยา ของนอร์แมน ให้ไลลา ส เตฟาโนเข้ารับการบำบัดเกี่ยวกับความสัมพันธ์ของเขากับแม่ของเขาในขณะที่เขียนบท นวนิยายเรื่องนี้มีความรุนแรงมากกว่าภาพยนตร์: แมเรียนถูกตัดศีรษะขณะอาบน้ำแทนที่จะถูกแทงจนตาย [22]การเปลี่ยนแปลงเล็กน้อย ได้แก่ การเปลี่ยนต่างหูที่บอกเล่าเรื่องราวของ Marion ที่พบหลังจากการตายของเธอเป็นเศษกระดาษที่กดชักโครกไม่สำเร็จ สิ่งนี้ทำให้เกิดความตกใจเพราะห้องน้ำแทบจะไม่เคยเห็นในโรงภาพยนตร์อเมริกันในทศวรรษที่ 1960 [33]ตำแหน่งการตายของ Arbogast ถูกย้ายจากห้องโถงไปที่บันได สเตฟาโนคิดว่าสิ่งนี้จะทำให้การปกปิดความจริงเกี่ยวกับ "แม่" ง่ายขึ้นโดยไม่ต้องให้ทิปว่ามีบางอย่างซ่อนอยู่ [34]ดังที่ Janet Leigh กล่าว สิ่งนี้ทำให้ Hitchcock มีตัวเลือกมากขึ้นสำหรับกล้องของเขา [31]
ก่อนการผลิต
Paramount ซึ่งสัญญารับประกันภาพยนตร์อีกเรื่องโดย Hitchcock ไม่ต้องการให้ Hitchcock สร้างPsycho Paramount คาดหวังว่าNo Bail for the JudgeนำแสดงโดยAudrey Hepburnซึ่งตั้งครรภ์และต้องยอมจำนน ส่งผลให้ Hitchcock ต้องยกเลิกการผลิต จุดยืนอย่างเป็นทางการของพวกเขาคือหนังสือเล่มนี้ "น่าขยะแขยงเกินไป" และ "เป็นไปไม่ได้สำหรับภาพยนตร์" และไม่มีอะไรนอกจากหนังระทึกขวัญลึกลับที่มีดาราดังร่วมแสดงอีกก็เพียงพอแล้ว [18] [35]พวกเขาไม่ชอบ "อะไรเกี่ยวกับเรื่องนี้เลย" และปฏิเสธงบประมาณตามปกติของเขา [18] [35]ในการตอบสนอง ฮิตช์ค็อกให้ทุนสร้างภาพยนตร์เรื่องนี้ผ่านแชมลีย์โปรดักชันส์ของเขาเอง โดยถ่ายทำที่ยูนิเวอร์แซลสตูดิโอสังกัดหน่วยโทรทัศน์กรมสรรพากร. [20] [36]อาคาร Bates Motel และ Bates house ดั้งเดิมซึ่งสร้างขึ้นบนเวทีเดียวกับThe Phantom of the Opera ของLon Chaneyยังคงยืนอยู่ที่Backlot ของ Universal StudiosในUniversal Cityใกล้Hollywoodและเป็น สถานที่น่าสนใจเป็นประจำในทัวร์ของสตูดิโอ [37] [38]ผลเพิ่มเติมของการลดต้นทุน ฮิตช์ค็อกเลือกที่จะถ่ายทำPsychoเป็นขาวดำ โดยรักษางบประมาณไว้ต่ำกว่า 1 ล้านดอลลาร์ [39]เหตุผลอื่นๆ ในการถ่ายภาพขาวดำคือความปรารถนาของเขาที่จะป้องกันไม่ให้ฉากอาบน้ำมีเลือดไหลมากเกินไป [40]
เพื่อลดต้นทุน และเพราะเขาสบายใจที่สุดเมื่ออยู่กับพวกเขา ฮิตช์ค็อกจึงจ้างทีมงานส่วนใหญ่จากซีรีส์ทางโทรทัศน์Alfred Hitchcock Presentsซึ่งรวมถึงผู้ถ่ายทำภาพยนตร์ ผู้ออกแบบฉาก ผู้ควบคุมบท และผู้ช่วยผู้กำกับคนแรก เขาจ้างผู้ทำงานร่วมกันเป็นประจำBernard Herrmannเป็นผู้แต่งเพลงGeorge Tomasiniเป็นบรรณาธิการ และSaul Bassสำหรับการออกแบบชื่อเรื่องและการสร้างสตอรี่บอร์ดของฉากอาบน้ำ โดยรวมแล้ว ลูกเรือของเขามีค่าใช้จ่าย 62,000 ดอลลาร์ [42]
ด้วยความแข็งแกร่งของชื่อเสียง ฮิตช์ค็อกจึงจ้างลีห์ในราคาหนึ่งในสี่ของค่าธรรมเนียมปกติของเธอ โดยจ่ายเพียง 25,000 ดอลลาร์ (ในหนังสือHitchcock/Truffaut ในปี 1967 ฮิตช์ ค็อกกล่าวว่าลีห์เป็นหนี้ภาพยนตร์เรื่องสุดท้ายของ Paramount ในสัญญาเจ็ดปีที่เธอลงนาม 2496). ตัวเลือกแรกของเขา Leigh ตกลงที่จะอ่านนวนิยายเรื่องนี้เท่านั้นและไม่สอบถามเกี่ยวกับเงินเดือนของเธอ แอน โธนีเพอร์กินส์ผู้ร่วมแสดงของเธอตกลงที่ 40,000 ดอลลาร์ [42]ทั้งสองดารามีประสบการณ์และได้รับการพิสูจน์แล้วในบ็อกซ์ออฟฟิศ [44]
Paramount จัดจำหน่ายภาพยนตร์เรื่องนี้ แต่อีก 4 ปีต่อมา Hitchcock ได้ขายหุ้นของเขาใน Shamley ให้กับบริษัทแม่ของ Universal ( MCA ) และภาพยนตร์ที่เหลืออีก 6 เรื่องของ เขาสร้างและจัดจำหน่ายโดยUniversal Pictures หลังจากนั้นอีกสี่ปี Paramount ได้ขายสิทธิ์ทั้งหมดให้กับ Universal [36]
การถ่ายทำ
ภาพยนตร์เรื่องนี้ผลิตโดยอิสระและให้เงินสนับสนุนโดยฮิตช์ค็อก ถ่ายทำที่Revue Studios [ 45]สถานที่เดียวกับรายการโทรทัศน์ของเขา Psychoถูกยิงด้วยงบประมาณจำกัดที่ 807,000 ดอลลาร์[46]เริ่มในวันที่ 11 พฤศจิกายน พ.ศ. 2502 และสิ้นสุดในวันที่ 1 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2503 [47] [48]การถ่ายทำเริ่มในตอนเช้าและเสร็จสิ้นภายในเวลา 18.00 น. หรือเร็วกว่านั้นในวันพฤหัสบดี (เมื่อ ฮิตช์ค็อกและภรรยาจะรับประทานอาหารที่ร้านChasen's ) [49]เกือบทั้งเรื่องถ่ายทำด้วยเลนส์ 50 มม. บนกล้อง 35 มม. สิ่งนี้ให้มุมมองที่คล้ายกับการมองเห็นของมนุษย์ ซึ่งช่วยให้ผู้ชมมีส่วนร่วมมากขึ้น [50]
ก่อนที่การถ่ายทำจะเริ่มขึ้นในเดือนพฤศจิกายน ฮิตช์ค็อกได้ส่งผู้ช่วยผู้กำกับฮิลตัน เอ. กรีนไปยังฟีนิกซ์เพื่อสำรวจสถานที่และถ่ายทำฉากเปิดเรื่อง ภาพนี้ควรจะเป็นภาพถ่ายทางอากาศของฟีนิกซ์ที่ค่อยๆ ซูมเข้าไปในหน้าต่างโรงแรมของ Marion และ Sam ที่หลงใหล ในที่สุดฟุตเทจเฮลิคอปเตอร์ก็สั่นคลอนเกินไปและต้องตัดต่อด้วยฟุตเทจจากสตูดิโอ ทีม งาน อีกคนถ่ายทำวิดีโอทั้งกลางวันและกลางคืนบนทางหลวงหมายเลข 99 ระหว่างกอร์แมนและเฟรสโนแคลิฟอร์เนีย เพื่อฉายภาพที่แมเรียนขับรถจากฟีนิกซ์ ภาพการขับรถของเธอใน Bakersfield เพื่อแลกเปลี่ยนรถของเธอก็แสดงให้เห็นเช่นกัน พวกเขายังให้ภาพสถานที่สำหรับฉากที่ตำรวจทางหลวงพบว่าเธอนอนหลับอยู่ในรถของเธอ [51]ในฉากถนนหนึ่งที่ถ่ายในตัวเมืองฟีนิกซ์ มีการค้นพบการตกแต่งคริสต์มาสให้มองเห็นได้ แทนที่จะถ่ายทำฟุตเทจซ้ำ ฮิตช์ค็อกเลือกที่จะเพิ่มกราฟิกในฉากเปิดโดยระบุวันที่เป็น "วันศุกร์ที่ 11 ธันวาคม" [52]
กรีนยังได้ถ่ายภาพรายชื่อสถานที่ 140 แห่งที่เตรียมไว้สำหรับการสร้างใหม่ในสตูดิโอในภายหลัง ซึ่งรวมถึงสำนักงานและบ้านอสังหาริมทรัพย์หลายแห่ง เช่น ที่เป็นของ Marion และน้องสาวของเธอ นอกจากนี้เขายังพบหญิงสาวที่ดูเหมือนกับที่เขาจินตนาการถึงแมเรียนและถ่ายภาพตู้เสื้อผ้าของเธอทั้งหมด ซึ่งจะทำให้ฮิตช์ค็อกต้องการรูปลักษณ์ที่เหมือนจริงจากเฮเลน โคลวิก ผู้ดูแลตู้เสื้อผ้า รูปลักษณ์ของบ้านเบตส์จำลองมาจากภาพวาดของเอ็ดเวิร์ด ฮอปเปอร์เรื่องHouse by the Railroad , [ 53 ]เป็นภาพจินตนาการของ บ้าน สมัยวิกตอเรีย ของ จักรวรรดิที่สองที่ 18 Conger Avenue ใน เฮเวอร์สต รอว์ นิวยอร์ก [54]
นักแสดงนำเพอร์กินส์และลีห์ได้รับอิสระในการตีความบทบาทของพวกเขาและด้นสด ตราบใดที่ไม่ต้องขยับกล้อง ตัวอย่างของการแสดงด้นสดของเพอร์กินส์คือนิสัยการกินข้าวโพดหวาน ของนอ ร์ แมน ตลอดการถ่ายทำ ฮิตช์ค็อกสร้างและซ่อนพร็อพ "ศพแม่" หลายเวอร์ชันในตู้เสื้อผ้าของลีห์ ลีห์รับมุขตลกได้ดี และเธอสงสัยว่าทำไปเพื่อให้เธออยู่ในอาการใจจดใจจ่อหรือเพื่อตัดสินว่าศพไหนจะน่ากลัวกว่าสำหรับผู้ชม [57]
ฮิตช์ค็อกถูกบังคับให้ถ่ายทำซ้ำในบางฉากอย่างไม่เคยมีมาก่อน ช็อตสุดท้ายในฉากอาบน้ำ ซึ่งเริ่มด้วยการโคลสอัพที่ตาของ Marion และซูมเข้าและออก พิสูจน์ได้ยากสำหรับ Leigh เพราะน้ำที่กระเด็นเข้าตาทำให้เธออยากกระพริบตา และตากล้องก็ประสบปัญหาเช่นกันเพราะ เขาต้องโฟกัสแบบแมนนวลขณะเคลื่อนกล้อง จำเป็นต้องมีการถ่ายซ้ำสำหรับฉากเปิดเพราะฮิตช์ค็อกรู้สึกว่าลีห์และกาวินไม่กระตือรือร้นพอ ลีห์มีปัญหาในการพูดว่า "ไม่มากเกินไป" สำหรับฉากในสำนักงานอสังหาริมทรัพย์ [59]สุดท้าย ฉากที่ค้นพบ "แม่" ต้องใช้การประสานงานที่ซับซ้อนในการหมุนเก้าอี้ เวรา ไมลส์ (ในบทไลล่า เครน) ชนหลอดไฟ และแสงแฟลร์ซึ่งพิสูจน์แล้วว่ายาก ฮิตช์ค็อกบังคับให้เอาคืนจนกว่าองค์ประกอบทั้งสามจะได้รับผลกระทบจนพอใจ [60]
จากข้อมูลของฮิตช์ค็อก ภาพชุดที่ Arbogast กำลังขึ้นบันไดในบ้าน Bates ก่อนที่เขาจะถูกแทงนั้นทำโดยผู้ช่วยผู้กำกับ ฮิลตัน เอ. กรีน โดยทำงานร่วมกับศิลปินสตอรีบอร์ดภาพวาดของซอล บาส ในขณะที่ฮิตช์ค็อกป่วยด้วยโรคไข้หวัดเท่านั้น อย่างไรก็ตาม ฮิต ช์ค็อกจำใจต้องคัดทิ้ง เขาอ้างว่าพวกเขา "ไม่ดี" เพราะพวกเขาไม่ได้พรรณนาถึง "ผู้บริสุทธิ์ แต่เป็นคนชั่วร้ายที่กำลังขึ้นบันไดเหล่านั้น" [61]ฮิตช์ค็อกถ่ายทำฉากนี้อีกครั้งในภายหลัง แม้ว่าจะมีฟุตเทจที่ถูกตัดบางส่วนเข้ามาในภาพยนตร์เรื่องนี้ การถ่ายทำการฆาตกรรม Arbogast มีปัญหาเนื่องจากมุมกล้องเหนือศีรษะที่จำเป็นในการซ่อนการหักมุมของภาพยนตร์ รางกล้องที่สร้างบนมู่เลย์ข้างบันไดพร้อมกับอุปกรณ์ที่มีลักษณะคล้ายเก้าอี้จะต้องสร้างและทดสอบอย่างละเอียดถี่ถ้วนในช่วงหลายสัปดาห์ [62]
การแสดงรับ เชิญของอัลเฟรด ฮิตช์ค็อกเป็นเหตุการณ์สำคัญในภาพยนตร์ส่วนใหญ่ของเขา ในPsychoสามารถเห็นเขาผ่านหน้าต่าง สวมหมวก Stetsonยืนอยู่นอกสำนักงานของ Marion Crane ริต้าริกส์ผู้ เป็นที่ รักของตู้เสื้อผ้ากล่าวว่าฮิตช์ค็อกเลือกฉากนี้สำหรับจี้ของเขาเพื่อที่เขาจะได้อยู่ในฉากกับลูกสาวของเขาซึ่งรับบทเป็นเพื่อนร่วมงานคนหนึ่งของแมเรียน คนอื่นแนะนำว่าเขาเลือกการปรากฏตัวครั้งแรกในภาพยนตร์เพื่อหลีกเลี่ยงการเบี่ยงเบนความสนใจของผู้ชม [64]
ฉากอาบน้ำ
การฆาตกรรมตัวละครของลีห์ในห้องอาบน้ำเป็นฉากสำคัญของภาพยนตร์เรื่องนี้และเป็นหนึ่งในฉากที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดในบรรดาภาพยนตร์ทั้งหมด [65]ด้วยเหตุนี้ มันจึงสร้างตำนานและตำนานมากมาย ถ่ายทำตั้งแต่วันที่ 17–23 ธันวาคม พ.ศ. 2502 หลังจากที่ลีห์เลื่อนการถ่ายทำไปสองครั้ง ครั้งแรกเพราะเป็นหวัด และจากนั้นเพราะประจำเดือนของเธอ ฉากที่เสร็จสิ้นดำเนินไปประมาณสามนาที และการกระทำที่วุ่นวายและการตัดต่อทำให้เกิดความพยายามที่ขัดแย้งกันในการนับส่วนต่างๆ ฮิตช์ค็อกเองก็มีส่วนร่วมในรูปแบบนี้ โดยบอก Truffaut ว่า "มีการตั้งค่ากล้องเจ็ดสิบตัวสำหรับฟุตเทจสี่สิบห้าวินาที" [61]และบอกกับผู้สัมภาษณ์คนอื่นว่ามี "ภาพยนตร์เจ็ดสิบแปดชิ้น" [67]สารคดีปี 256078/52: ฉากอาบน้ำของฮิตช์ค็อกโดยผู้กำกับอเล็กซานเดร โอ. ฟิลิปป์ยึดตัวเลขสุดท้ายนี้สำหรับสโลแกนของการผลิต '78 ช็อต & 52 ช็อตที่เปลี่ยนภาพยนตร์ตลอดกาล' [68]แต่ในการอธิบายฉากอาบน้ำอย่างระมัดระวัง นักวิชาการด้านภาพยนตร์ Philip J. Skerry นับช็อตแยกกันเพียง 60 ช็อต โดยมีตารางแบ่ง 34 ช็อตตามประเภท ตำแหน่งกล้อง มุม การเคลื่อนไหว โฟกัส มุมมอง และตัวแบบ [69]ขาดตารางทางเลือก Richard Schickel และ Frank Capra ในหนังสือThe Men Who Made the Movies ในปี 2544สรุปการคำนวณที่สมเหตุสมผลที่สุดคือ 60 ภาพส่วนใหญ่เป็นภาพระยะใกล้ รวมถึงภาพระยะใกล้มาก ยกเว้นภาพระยะกลางในห้องอาบน้ำก่อนและหลังการฆาตกรรมโดยตรง การรวมกันของภาพระยะใกล้ที่มีระยะเวลาสั้นทำให้ลำดับความรู้สึกเป็นส่วนตัวมากกว่าการนำเสนอภาพเพียงอย่างเดียวหรือในมุมที่กว้างขึ้น ตัวอย่างของเทคนิคที่ฮิตช์ค็อกอธิบายว่าเป็น "การถ่ายทอดภัยคุกคามจากหน้าจอเข้าสู่จิตใจของผู้ชม ". [70]
_shower_scene.jpg)
ในการจับภาพตรงหัวฝักบัว กล้องต้องติดตั้งเลนส์ยาว รูด้านในของหัวฝักบัวถูกอุดไว้ และวางกล้องไว้ห่างพอสมควรเพื่อให้น้ำที่ดูเหมือนเล็งตรงไปที่เลนส์ จริงๆ แล้วไหลอ้อมและผ่านไป [71]
ซาวด์แทร็กของไวโอลิน วิโอลา และเชลโลที่แผดเสียงเป็นเพลงต้นฉบับโดยนักแต่งเพลงBernard Herrmannชื่อ " The Murder " เดิมทีฮิตช์ค็อกตั้งใจว่าจะไม่มีเพลงสำหรับฉากนี้ (และฉากในโรงแรมทั้งหมด) [72]แต่แฮร์มันน์ยืนกรานว่าเขาลองแต่งเพลง หลังจากนั้น ฮิตช์ค็อกเห็นพ้องด้วยว่ามันทำให้ฉากเข้มข้นขึ้นอย่างมาก และเพิ่มเงินเดือนของแฮร์มันน์เกือบสองเท่า [73] [74] [75]เลือดในฉากคือน้ำเชื่อมช็อกโกแลตของเฮอร์ชีย์ [ 76]ซึ่งแสดงได้ดีกว่าในฟิล์มขาวดำและมีความหนาแน่นสมจริงมากกว่าเลือดบนเวที [77]เสียงของมีดที่เข้าสู่เนื้อถูกสร้างขึ้นโดยการแทงมีดเข้าไปในคาซาบาเมล่อน. [78] [79]
มีเรื่องราวที่แตกต่างกันไม่ว่าลีห์จะอาบน้ำตลอดเวลาหรือมีการใช้ศพสองเท่าในบางส่วนของลำดับการฆาตกรรมและผลที่ตามมา ในการให้สัมภาษณ์กับโรเจอร์ เอเบิร์ตและในหนังสือของสตีเฟน เรเบล โล เรื่องAlfred Hitchcock and the Making of Psychoลีห์กล่าวว่าเธอปรากฏตัวในฉากตลอดเวลา และฮิตช์ค็อกใช้สแตนด์อินเฉพาะฉากที่นอร์แมนห่อร่างของแมเรียน ในม่านอาบน้ำและวางไว้ในท้ายรถของเธอ [80]หนังสือThe Girl in Alfred Hitchcock's Shower ปี 2010 โดยRobert Graysmithและสารคดี78/52: Hitchcock's Shower Sceneขัดแย้งกับเรื่องนี้ โดยระบุว่าMarli Renfroขณะที่ร่างกายของลีห์เพิ่มเป็นสองเท่าสำหรับฉากอาบน้ำบางฉาก [76] [81]เกรย์สมิธยังระบุด้วยว่าภายหลังฮิตช์ค็อกยอมรับการมีส่วนร่วมของเรนโฟรในที่เกิดเหตุ [82] Rita Riggsผู้รับผิดชอบตู้เสื้อผ้าอ้างว่าเป็น Leigh ในขณะอาบน้ำตลอดเวลา โดยอธิบายว่า Leigh ไม่ต้องการเปลือยกาย ดังนั้นเธอจึงคิดกลยุทธ์รายการต่างๆ รวมถึงแผ่นหนา หนังตุ่นและถุงน่องร่างกายเพื่อเป็น วางบนลีห์สำหรับฉาก [83]ริกส์และลีห์อ่านนิตยสารแนวแก้ผ้าที่แสดงเครื่องแต่งกายต่างๆ ทั้งหมด แต่ไม่มีสักเล่มที่ใช้ได้เพราะมีพู่ห้อยอยู่
ตำนานที่ได้รับความนิยมเกิดขึ้นว่ามีการใช้น้ำเย็นจัดในฉากอาบน้ำเพื่อทำให้เสียงกรีดร้องของลีห์เหมือนจริง ลีห์ปฏิเสธเรื่องนี้หลายครั้ง โดยกล่าวว่าทีมงานช่วยเหลือดี โดยใช้น้ำร้อนตลอดการถ่ายทำตลอดทั้งสัปดาห์ [85]เสียงกรีดร้องทั้งหมดเป็นของลีห์ [14]อีกตำนานหนึ่งคือนักออกแบบกราฟิกซอล บาสกำกับฉากอาบน้ำ เรื่องนี้ถูกปฏิเสธโดยบุคคลที่เกี่ยวข้องกับภาพยนตร์เรื่องนี้ รวมถึงลีห์ที่กล่าวว่า: "ไม่อย่างแน่นอน! ฉันได้พูดเรื่องนี้อย่างเด่นชัดในการสัมภาษณ์ใดๆ ที่ฉันเคยให้สัมภาษณ์ ฉันเคยพูดต่อหน้าเขาต่อหน้าคนอื่น .. ผมอยู่ในห้องอาบน้ำนั้นเป็นเวลาเจ็ดวัน และเชื่อผมเถอะว่า Alfred Hitchcock อยู่ข้างๆ กล้องของเขาสำหรับทุกๆ 70 ช็อตเหล่านั้น" [86] ฮิลตัน เอ. กรีนผู้ช่วยผู้กำกับยังหักล้างคำกล่าวอ้างของ Bass ที่ว่า "ไม่มีช็อตใดในหนังเรื่องนี้ที่ฉันไม่ได้หมุนกล้องให้ และฉันบอกได้เลยว่าฉันไม่เคยหมุนกล้องให้คุณ Bass" โรเจอร์ เอเบิร์ต ผู้ชื่นชมผลงานของฮิตช์ค็อกมาเป็นเวลานาน สรุปข่าวลือดังกล่าวว่า [87]
นักวิจารณ์เช่นStephen Rebelloและ Bill Krohn ได้โต้แย้งเพื่อสนับสนุนการมีส่วนร่วมของ Bass ในฉากในฐานะที่ปรึกษาด้านภาพและศิลปินสตอรีบอร์ด ควบคู่ไปกับการออกแบบเครดิตเปิด เบสเรียกว่า "ที่ปรึกษาด้านภาพ" ในเครดิต เมื่อสัมภาษณ์ฮิตช์ค็อกในปี พ.ศ. 2510 ฟร็อง ซัว ทรุฟโฟ ต์ ถามเกี่ยวกับขอบเขตของการมีส่วนร่วมของเบส ซึ่งฮิตช์ค็อกตอบว่านอกเหนือจากชื่อเรื่องแล้ว บาสยังได้จัดเตรียมสตอรี่บอร์ดสำหรับการฆาตกรรม Arbogast (ซึ่งเขาอ้างว่าปฏิเสธ) แต่ไม่ได้กล่าวถึงผลงานของบาส มีการจัดทำสตอรี่บอร์ดสำหรับฉากอาบน้ำ [89]
อ้างอิงจาก Hitchcock At Workของบิล โครห์นการอ้างสิทธิ์ครั้งแรกของเบสในการกำกับฉากนี้คือในปี 1970 เมื่อเขาจัดทำนิตยสารที่มีภาพวาด 48 ภาพซึ่งใช้เป็นสตอรีบอร์ดเพื่อเป็นหลักฐานยืนยันการมีส่วนร่วมของเขา [90]การวิเคราะห์การผลิตของโครห์น ในขณะที่หักล้างคำกล่าวอ้างของเบสในการกำกับฉากนี้ สังเกตว่าสตอรี่บอร์ดเหล่านี้ได้แนะนำแง่มุมสำคัญของฉากสุดท้าย โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ข้อเท็จจริงที่ว่าฆาตกรปรากฏเป็นเงา และรายละเอียดต่างๆ เช่น ภาพโคลสอัพของมีดเชือด แขนที่เหยียดออกอย่างสิ้นหวังของ Leigh ม่านอาบน้ำถูกดึงออกจากตะขอ และการเปลี่ยนจากท่อระบายน้ำเป็นดวงตาที่ตายแล้วของ Marion Crane Krohn ตั้งข้อสังเกตว่าการเปลี่ยนแปลงครั้งสุดท้ายนี้ชวนให้นึกถึงชื่อเรื่องม่านตาที่ Bass สร้างขึ้นสำหรับVertigoโครห์นยังตั้งข้อสังเกตด้วยว่าฮิตช์ค็อกถ่ายทำฉากนี้ด้วยกล้องสองตัว ตัวหนึ่งเป็นBNC Mitchellอีกตัวเป็นกล้องพกพา French Éclairซึ่งOrson Wellesใช้ในTouch of Evil (1958) เพื่อสร้างภาพตัดต่อที่สมบูรณ์แบบสำหรับผู้ชมที่ได้รับผลกระทบทางอารมณ์มากที่สุด ฮิตช์ค็อกจึงถ่ายทำฟุตเทจจำนวนมากของฉากนี้ซึ่งเขาได้ตัดทอนในห้องตัดต่อ เขายังนำMoviolaมาด้วยเพื่อวัดฟุตเทจที่ต้องการ ซีเควนซ์สุดท้ายซึ่งจอร์จ โท มาซินี บรรณาธิการของเขา ทำงานตามคำแนะนำของฮิตช์ค็อก แต่ก็ไม่ได้ไปไกลเกินกว่าองค์ประกอบโครงสร้างพื้นฐานที่จัดทำขึ้นโดยสตอรีบอร์ดของเบส [90]
ตามที่โดนัลด์ สปอโตในThe Dark Side of Geniusและสตีเฟน เรเบลโลในAlfred Hitchcock and the Making of Psychoภรรยาของฮิตช์ค็อกและผู้ร่วมงานที่เชื่อถือได้Alma Revilleพบเห็นการปล่อยไก่ในหนึ่งในการแก้ไขล่าสุดของPsychoก่อนเผยแพร่อย่างเป็นทางการ: หลังจาก Marion น่าจะตายไปแล้ว มีใครเห็นเธอกระพริบตา ตามที่Patricia Hitchcockพูดใน สารคดี "การสร้าง" ของLaurent Bouzereau นั้น Alma เห็นว่าตัวละครของ Leigh ดูเหมือนจะหายใจไม่ออก ไม่ว่าในกรณีใด กิจกรรมชันสูตรศพจะถูกแก้ไขออกไปและผู้ชมก็ไม่เคยเห็น [22]แม้ว่าดวงตาของ Marion จะขยายใหญ่ขึ้นหลังจากที่เธอเสียชีวิต แต่คอนแทคเลนส์ที่จำเป็นสำหรับผลกระทบนี้จะต้องใช้เวลาในการปรับตัวเป็นเวลาหกสัปดาห์จึงจะสวมใส่ได้ ดังนั้น Hitchcock จึงตัดสินใจละทิ้งมัน [91]
มักมีการกล่าวอ้างว่า แม้จะมีลักษณะที่โจ่งแจ้ง แต่ฉากอาบน้ำก็ไม่เคยแสดงให้เห็นมีดเจาะเนื้อ [92] [93] [94]อย่างไรก็ตาม การวิเคราะห์แบบเฟรมต่อเฟรมของลำดับแสดงให้เห็นภาพหนึ่งที่ดูเหมือนมีดจะเจาะเข้าที่ท้องของ Leigh แต่ผลกระทบนั้นเกิดจากแสงและการเคลื่อนไหวย้อนกลับ [95] [76]ลีห์เองได้รับผลกระทบจากฉากนี้มากเมื่อเธอเห็นมัน เธอไม่อาบน้ำอีกต่อไปเว้นแต่เธอจำเป็นต้องทำจริงๆ เธอจะล็อคประตูและหน้าต่างทั้งหมดและจะเปิดประตูห้องน้ำและห้องอาบน้ำทิ้งไว้ [96]เธอไม่เคยรู้เลยจนกระทั่งได้ดูภาพยนตร์เรื่องนี้เป็นครั้งแรกว่า "คนที่อ่อนแอและไม่มีที่พึ่งเป็นอย่างไร" [22]
ก่อนการผลิต ลีห์และฮิตช์ค็อกพูดคุยกันอย่างถ่องแท้ถึงความหมายของฉาก:
โรบิน วูดนักทฤษฎีภาพยนตร์ยังพูดถึงวิธีที่การอาบน้ำชำระล้าง "ความรู้สึกผิดของเธอ" เขาแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับ " ผลจากความแปลกแยก " ของการฆ่า "จุดศูนย์กลางที่ชัดเจนของภาพยนตร์" ที่ผู้ชมระบุ ฉากนี้เป็นหัวข้อของสารคดีปี 2017 ของ Alexandre O. Philippe 78/52 : ฉากอาบน้ำของฮิตช์ค็อกซึ่งเป็นชื่อเรื่องที่อ้างอิงถึงจำนวนการตัดและการจัดฉากตามลำดับที่ฮิตช์ค็อกใช้ถ่ายทำ
Pulp Fiction
การผลิต
การเขียน
Roger Avaryเขียนองค์ประกอบแรกของสิ่งที่จะกลายเป็น บทภาพยนตร์ Pulp Fictionในฤดูใบไม้ร่วงปี 1990:
แรงบันดาลใจเริ่มต้นคือภาพยนตร์กวีนิพนธ์ สยองขวัญสามตอนเรื่อง Black Sabbath (1963) โดยMario Bava ผู้สร้างภาพยนตร์ ชาว อิตาลี โครงการ Tarantino–Avary มีชื่อชั่วคราวว่า " Black Mask " ตามชื่อ นิตยสาร นิยายอาชญากรรมที่ เดือดจัด สคริปต์ของทารันติโนผลิตในชื่อReservoir Dogsซึ่งเป็นผลงานการกำกับเรื่องแรกของเขา Avary สร้างพื้นฐานสำหรับโครงเรื่อง "Gold Watch" ของPulp Fiction [54] [55]
เมื่องานReservoir Dogsเสร็จสิ้น ทาแรนติโนก็หวนคืนสู่แนวคิดของภาพยนตร์ไตรภาค “ผมมีความคิดที่จะทำบางสิ่งที่นักเขียนนวนิยายมีโอกาสทำแต่คนทำหนังไม่ทำ: เล่าเรื่องสามเรื่องแยกกัน มีตัวละครลอยเข้าและออกด้วย น้ำหนักต่างกันไปตามเนื้อเรื่อง" ทาแรนติโนอธิบายว่าแนวคิดนี้ "โดยพื้นฐานแล้วจะใช้เหมือนเกาลัดที่เก่าแก่ที่สุดที่คุณเคยเห็นเมื่อพูดถึงเรื่องอาชญากรรม - เรื่องราวที่เก่าแก่ที่สุดในหนังสือ ... คุณรู้ไหมว่า 'Vincent Vega และ Marsellus Wallace's Wife' – เรื่องราวที่เก่าแก่ที่สุดเกี่ยวกับ … ผู้ชายต้องออกไปเที่ยวกับภรรยาของชายร่างใหญ่และอย่าแตะต้องเธอ คุณรู้ไหม คุณเคยดูเรื่องราวนี้มาแล้วนับล้านครั้ง” [10]“ผมใช้รูปแบบการเล่าเรื่องแบบเก่า แล้วจงใจให้มันผิดเพี้ยนไป” เขากล่าว "เคล็ดลับส่วนหนึ่งคือการนำตัวละครในภาพยนตร์ ตัวละครประเภทเหล่านี้ และสถานการณ์ประเภทเหล่านี้มาปรับใช้กับกฎบางอย่างในชีวิตจริง และดูว่าพวกเขาจะคลี่คลายได้อย่างไร" อย่างน้อยหนึ่งกรณี บุทช์ คูลิดจ์ นักมวยบ็อกเซอร์ ยียวนนึกถึงตัวละครเฉพาะจากเรื่องราวอาชญากรรมคลาสสิกของฮอลลีวูด: "ฉันต้องการให้เขาเป็นเหมือนราล์ฟ มีเกอร์ ในบทไมค์ แฮมเมอร์ ในภาพยนตร์เรื่องKiss Me Deadly ของ Aldrich [1955] . ฉันอยากให้เขาเป็นคนพาลและเหวี่ยง". [44]
ทาแรนติโนไปทำงานเขียนบทสำหรับPulp Fictionในอัมสเตอร์ดัมในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2535 โดยอาจเป็นที่โรงแรมวินสตันในย่านโคมแดง เขาเข้าร่วมที่นั่นโดย Avaryซึ่งเป็นผู้บริจาค "Pandemonium Reigns" ให้กับโปรเจ็กต์และมีส่วนร่วมในการเขียนใหม่รวมถึงการพัฒนาโครงเรื่องใหม่ที่จะเชื่อมโยงกับมัน ฉากสองฉากที่เขียนขึ้นโดย Avary สำหรับ บทภาพยนตร์ True Romanceซึ่งให้เครดิตกับ Tarantino โดยเฉพาะรวมอยู่ในการเปิดเรื่อง "The Bonnie Situation": มือปืนที่ซ่อนตัวยิงพลาดอย่าง "น่าอัศจรรย์" และการสังหารรถยนต์ที่นั่งด้านหลัง [60]แนวคิดเกี่ยวกับโลกอาชญากรรมที่ "สะอาดขึ้น" ซึ่งกลายมาเป็นหัวใจของตอนนี้ได้รับแรงบันดาลใจจากเรื่องสั้นCurdledที่ทาแรนติโนเห็นในเทศกาลภาพยนตร์ เขาคัดเลือกนักแสดงนำหญิงแองเจลา โจนส์ในPulp Fiction และต่อมาสนับสนุนการผลิต Curdledเวอร์ชันความยาวมาตรฐานของผู้สร้างภาพยนตร์ สคริปต์รวมถึงแบรนด์เชิงพาณิชย์ที่สร้างขึ้นสองสามรายการซึ่งมักแสดงในภาพยนตร์เรื่อง Tarantino ในภายหลัง ได้แก่เบอร์เกอร์ Big Kahuna (ถ้วยโซดา Big Kahuna ปรากฏในReservoir Dogs ) และบุหรี่ Red Apple ขณะที่เขาทำงานในบทนี้ ทารันติโนก็ร่วมแสดงกับReservoir Dogs ด้วยรอบเทศกาลภาพยนตร์ยุโรป เผยแพร่ในสหรัฐอเมริกาในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2535 ภาพดังกล่าวประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์ ในเดือนมกราคม พ.ศ. 2536 สคริปต์ Pulp Fictionเสร็จสมบูรณ์ [63]
การเงิน
ทาแรนติโนและโปรดิวเซอร์ของเขาลอว์เรนซ์ เบนเดอร์นำบทภาพยนตร์นี้ไปที่ Jersey Films ก่อนที่จะได้ดูReservoir Dogsเจอร์ซีย์เคยพยายามเซ็นสัญญากับทาแรนติโนสำหรับโปรเจ็กต์ต่อไปของเขา ในที่สุดข้อตกลงการพัฒนามูลค่าประมาณ 1 ล้านดอลลาร์ก็บรรลุผล: ข้อตกลงดังกล่าวให้ บริษัทโปรดักชั่นที่ก่อตั้งใหม่ของ A Band Apart , Bender และ Tarantino การจัดหาเงินทุนเริ่มต้นและสิ่งอำนวยความสะดวกสำนักงาน เจอร์ซีย์ได้รับส่วนแบ่งจากโปรเจ็กต์และสิทธิ์ในการซื้อสคริปต์ไปที่สตูดิโอ เจอร์ซีย์มีข้อตกลงการจัดจำหน่ายและ "ดูก่อนใคร" กับColumbia TriStarซึ่งจ่ายเงินให้ยียวนสำหรับสิทธิ์ในการพิจารณาใช้ตัวเลือก [66]ในเดือนกุมภาพันธ์Pulp Fictionปรากฏใน รายการ วาไรตี้ของภาพยนตร์ ก่อน การผลิตที่TriStar [67]อย่างไรก็ตาม ใน เดือนมิถุนายน [66]ตามที่ผู้บริหารสตูดิโอ หัวหน้าของ TriStar Mike Medavoyพบว่ามัน "เสียสติเกินไป" [68]มีข้อเสนอแนะว่า TriStar ต่อต้านการกลับมาของภาพยนตร์ที่มีผู้เสพเฮโรอีน นอกจากนี้ยังมีข้อบ่งชี้ว่าสตูดิโอมองว่าโครงการนี้มีงบประมาณต่ำเกินไปสำหรับภาพที่ขับเคลื่อนด้วยดาราที่ต้องการ [69]อวารี – ซึ่งกำลังจะเริ่มถ่ายทำผลงานการกำกับเรื่องแรกของตัวเองเรื่องKilling Zoe – กล่าวว่าการคัดค้านของ TriStar นั้นครอบคลุม ครอบคลุมโครงสร้างพื้นฐานของสคริปต์ เขาอธิบายจุดยืนของสตูดิโอว่า" 'นี่เป็นสิ่งที่แย่ที่สุดที่เคยเขียนมา มันไม่มีเหตุผล มีคนตายแล้วพวกเขาก็ยังมีชีวิตอยู่ มันยาวเกินไป รุนแรง และไม่สามารถถ่ายทำได้' ...ก็เลยคิดว่า 'นั่นแหละ! ' " [70]
เบนเดอร์นำบทภาพยนตร์ไปที่มิราแม็กซ์ซึ่งเดิมเคยเป็นสตูดิโออิสระที่เพิ่งถูกดิสนีย์ ซื้อกิจการ ไป Harvey Weinstein – ประธานร่วมของ Miramax และBob น้องชายของเขา – หลงใหลในบทภาพยนตร์ในทันทีและบริษัทก็หยิบบทนี้ขึ้นมาใช้ [71] Pulp Fictionโครงการ Miramax โครงการแรกที่ได้รับไฟเขียวหลังจากการเข้าซื้อกิจการของ Disney ได้รับงบประมาณ 8.5 ล้านเหรียญสหรัฐ [3]กลายเป็นภาพยนตร์เรื่องแรกที่ Miramax ได้รับทุนสนับสนุนทั้งหมด [72]การช่วยลดต้นทุนคือแผนการที่ Bender ดำเนินการเพื่อจ่ายเงินให้กับนักแสดงหลักทั้งหมดในจำนวนที่เท่ากันต่อสัปดาห์ โดยไม่คำนึงถึงสถานะอุตสาหกรรมของพวกเขา [73]ดาราใหญ่ที่ลงนามในโครงการคือบรูซ วิลลิส แม้ว่าเมื่อเร็ว ๆ นี้เขาจะปรากฏตัวในหลาย ๆ ครั้งที่ล้มเหลว แต่เขาก็ยังเป็นขาใหญ่ในต่างประเทศ ด้วยความแข็งแกร่งของชื่อของเขา Miramax ได้รับเงิน 11 ล้านดอลลาร์จากลิขสิทธิ์ของภาพยนตร์เรื่องนี้ทั่วโลก ซึ่งรับประกันความสามารถในการทำกำไรอย่างแท้จริง [74]
การถ่ายทำ
การถ่ายภาพหลักเริ่มในวันที่ 20 กันยายน พ.ศ. 2536 นักแสดงนำนอกจอเคยร่วมงานกับทาแรนติโนในReservoir Dogs - ตากล้องAndrzej Sekuła ผู้ตัดต่อภาพยนตร์Sally Menkeผู้ออกแบบงานสร้างDavid Wascoและ ผู้ออกแบบ เครื่องแต่งกายBetsy Heimann ตามที่ทาแรนติโนกล่าวว่า "[W]e มีเงิน 8 ล้านเหรียญ ฉันอยากให้มันดูเหมือนภาพยนตร์มูลค่า 20-25 ล้านเหรียญ ฉันอยากให้มันดูเป็นมหากาพย์ มันเป็นมหากาพย์ในทุกสิ่ง ไม่ว่าจะเป็นสิ่งประดิษฐ์ ความทะเยอทะยาน ความยาว ในขอบเขตทุกอย่างยกเว้นป้ายราคา" [78]ภาพยนตร์เรื่องนี้ถ่ายทำ "ใน50 ASA สต็อกฟิล์มซึ่งเป็นสต็อกที่ช้าที่สุดที่พวกเขาผลิต เหตุผลที่เราใช้มันเพราะว่ามันสร้างภาพที่แทบไม่มีเกรนเลย มันมีความมันเงา มันเป็นสิ่งที่ใกล้เคียงที่สุดที่เรามีกับเทคนิคสียุค 50 " [79]งบประมาณก้อนใหญ่ที่สุด – 150,000 ดอลลาร์ – ไปที่การสร้างฉากของ Jack Rabbit Slim [80]มันถูกสร้างขึ้นในโกดังคัลเวอร์ซิตีซึ่งมีหลายๆฉากอื่นๆ รวมทั้งสำนักงานผลิตของภาพยนตร์[81]ฉากร้านอาหารถ่ายทำในสถานที่ในฮอว์ธอร์นที่ฮอว์ธอร์นกริลล์ซึ่งเป็นที่รู้จักจากสถาปัตยกรรม Googie [ 82]สำหรับเครื่องแต่งกาย ทาแรนติโนได้รับแรงบันดาลใจจากผู้กำกับชาวฝรั่งเศสJean-Pierre Melvilleผู้ซึ่งเชื่อว่าเสื้อผ้าที่ตัวละครของเขาสวมคือชุดเกราะที่เป็นสัญลักษณ์ของพวกเขา [76]ทาแรนติโนแสดงบทบาทเล็กๆ น้อยๆ เช่นเดียวกับที่เขามีในReservoir Dogs หนึ่งในป๊อปโทเท็มของเขาFruit Brute ซีเรียลของ General Millsที่เลิกผลิตไปนานก็กลับมาจากภาพยนตร์เรื่องก่อนหน้าเช่นกัน [83]การถ่ายทำเสร็จสิ้นในวันที่ 30 พฤศจิกายน[84]ก่อน การฉายรอบปฐมทัศน์ ของPulp Fictionทาแรนติโนโน้มน้าวให้อวารีเสียเครดิตการเขียนร่วมที่ตกลงไว้และยอมรับเครดิต "story by" ดังนั้นบท "เขียนและกำกับโดยเควนติน ทาแรนติโน " สามารถใช้ในการโฆษณาและบนหน้าจอได้ [23]
ดนตรี
ไม่มี การแต่งเพลงประกอบ ภาพยนตร์สำหรับPulp Fiction ; Quentin Tarantino เลือกใช้เพลงเซิร์ฟ เพลงร็อกแอนด์โรลเพลงโซลและเพลงป๊อป แทน การตีความ " Misirlou " ของ Dick Daleเล่นในช่วงเปิดเครดิต ทาแรนติโนเลือกดนตรีโต้คลื่นเป็นสไตล์ดนตรีพื้นฐานสำหรับภาพยนตร์เรื่องนี้ แต่เขายืนยันว่าไม่ใช่ เพราะมีความเกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมการเล่นเซิร์ฟ “สำหรับฉัน มันฟังดูเหมือนร็อกแอนด์โรล แม้แต่ เพลง มอ ร์ริ โคเน ฟังดูเหมือนร็อกแอนด์โรลสปาเกตตีตะวันตกดนตรี." [85]ทาแรนติโนวางแผนที่จะใช้เพลงพาวเวอร์ป๊อปMy SharonaโดยThe Knackระหว่างฉากข่มขืนของภาพยนตร์เรื่องนี้ แต่ในที่สุดก็ลดราคาลง [86]
เพลงบางเพลงได้รับการแนะนำให้ยียวนโดยเพื่อนของเขา Chuck Kelley และ Laura Lovelace ซึ่งได้รับเครดิตเป็นที่ปรึกษาด้านดนตรี เลิฟเลซยังปรากฏตัวในภาพยนตร์เรื่องนี้ในฐานะลอร่า พนักงานเสิร์ฟ เธอกลับ มารับบทในJackie Brown อัลบั้มเพลงประกอบเปิดตัวพร้อมกับภาพยนตร์ในปี พ.ศ. 2537 อัลบั้มนี้ขึ้นสูงสุดในชาร์ตบิลบอร์ด200ที่อันดับ 21 ซิงเกิลเพลงคัฟ เวอร์ ของNeil Diamond " Girl, You'll Be " ของ Urge Overkill a Woman Soon " ถึงอันดับที่ 59 [89]
Estella Tincknell อธิบายว่าการผสมผสานเฉพาะของการบันทึกที่เป็นที่รู้จักและคลุมเครือช่วยสร้างภาพยนตร์เรื่องนี้เป็น "ข้อความที่ 'เท่' โดยประหม่า [The] การใช้สไตล์โมโนแทร็กจังหวะหนักของเพลง 'อันเดอร์กราวน์' ของสหรัฐฯ ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 เพลงป็อปผสมกับเพลงบัลลาด 'คลาสสิก' เช่นเพลง' Son of a Preacher Man ' ของ Dusty Springfieldมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อความรู้หลังสมัยใหม่ของภาพยนตร์เรื่องนี้" เธอเปรียบเทียบซาวด์แทร็กกับเพลงForrest Gumpซึ่งเป็นภาพยนตร์ที่ทำรายได้สูงสุดในปี 1994 ซึ่งอาศัยการบันทึกเพลงป๊อปย้อนยุคด้วย: "[T]เวอร์ชันของ 'the sixties' นำเสนอโดยPulp Fiction ... ไม่ใช่เพลงของ วัฒนธรรมต่อต้านที่เป็นที่รู้จักต่อสาธารณะซึ่งมีอยู่ในForrest Gumpแต่เป็นรูปแบบหนึ่งของวัฒนธรรมย่อยที่อยู่ชายขอบอย่างแท้จริงซึ่งมีพื้นฐานมาจากวิถีชีวิต – การโต้คลื่น การ 'ห้อยโหน' – ซึ่งเป็นสิ่งที่ไม่เกี่ยวกับการเมืองอย่างเด็ดขาด” เธอกล่าว เพลงประกอบเป็นหัวใจสำคัญของการมีส่วนร่วมของภาพยนตร์เรื่องนี้กับ “น้อง ในโรงภาพยนตร์ ผู้ชมที่มีความรู้" มันเรียกร้อง
Citizen Kane
การผลิต
การคัดเลือกนักแสดง
Citizen Kaneเป็นภาพยนตร์หายากที่นักแสดงหน้าใหม่เล่นภาพยนตร์เป็นหลัก สิบคนถูกเรียกเก็บเงินในฐานะ Mercury Actors ซึ่งเป็นสมาชิกของคณะละครที่มีฝีมือซึ่งรวมตัวกันโดย Welles สำหรับการแสดงบนเวทีและวิทยุของMercury Theatreซึ่งเป็นคณะละครอิสระที่เขาก่อตั้งร่วมกับ Houseman ในปี 1937 [17] : 119–120 [47] "เขา ชอบที่จะใช้ผู้เล่น Mercury" Charles Higham นักเขียนชีวประวัติเขียน "และด้วยเหตุนี้เขาจึงเปิดตัวผู้เล่นหลายคนในอาชีพภาพยนตร์" [46] : 155
ภาพยนตร์เรื่องนี้นำเสนอภาพยนตร์สารคดีเรื่องแรกของวิลเลียม อัลแลนด์ , เรย์ คอลลินส์ , โจเซฟคอตเทน , แอกเนส มัว ร์เฮด , เออร์สกิน แซนฟอร์ด, เอเวอเร็ตต์ สโลน , พอล สจ๊วร์ต และตัวของเวลเลสเอง [11]แม้จะไม่เคยปรากฏตัวในภาพยนตร์สารคดี แต่สมาชิกนักแสดงบางคนก็เป็นที่รู้จักกันดีในที่สาธารณะอยู่แล้ว Cotten เพิ่งกลายเป็นดาราบรอดเวย์ในละครฮิตเรื่องThe Philadelphia Storyร่วมกับKatharine Hepburn [19] : 187 และ Sloane เป็นที่รู้จักกันดีจากบทบาทของเขาในรายการวิทยุThe Goldbergs [19] : 187 [ฉ]George Coulourisนักแสดง Mercury เป็นดาราละครเวทีในนิวยอร์กและลอนดอน [47]
ไม่ใช่นักแสดงทั้งหมดที่มาจาก Mercury Players เวลส์คัดเลือกโดโรธี คัมมิงกอร์ นักแสดงหญิงที่เล่นบทสมทบในภาพยนตร์ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2477 โดยใช้ชื่อ "ลินดา วินเทอร์ส", [48]เป็นซูซาน อเล็กซานเดอร์ เคน การค้นพบของCharlie Chaplin Comingore ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับ Welles โดย Chaplin, [49] : 170 ซึ่งได้พบกับ Comingore ในงานปาร์ตี้ในลอสแองเจลิสและทิ้งเธอทันที [50] : 44
Welles ได้พบกับนักแสดงละครเวทีRuth Warrickขณะไปเที่ยวนิวยอร์กในช่วงพักจากฮอลลีวูดและจำได้ว่าเธอเหมาะสมกับ Emily Norton Kane, [19] : 188 กล่าวในภายหลังว่าเธอดูเป็นส่วนหนึ่ง [49] : 169 Warrick บอก Carringer ว่าเธอรู้สึกประทับใจกับความคล้ายคลึงกันระหว่างตัวเธอเองกับแม่ของ Welles เมื่อเธอเห็นรูปถ่ายของ Beatrice Ives Welles เธอแสดงความสัมพันธ์ส่วนตัวของเธอกับ Welles ในฐานะแม่ [51] : 14
“เขาฝึกเราสำหรับภาพยนตร์ในเวลาเดียวกับที่เขาฝึกตัวเอง” แอกเนส มัวร์เฮดเล่า “ออร์สันเชื่อในการแสดงที่ดีและเขาตระหนักว่าการซ้อมเป็นสิ่งจำเป็นเพื่อให้นักแสดงของเขาได้ประโยชน์สูงสุด นั่นคือสิ่งใหม่ในฮอลลีวูด ดูเหมือนจะไม่มีใครสนใจที่จะรวมกลุ่มเพื่อซ้อมก่อนฉากต่างๆ จะถูกถ่ายทำ แต่ออร์สันรู้ว่ามันจำเป็น และเราซ้อมทุกซีเควนซ์ก่อนที่จะถ่ายทำ" [52] : 9
เมื่อผู้บรรยายThe March of Time Westbrook Van Voorhisขอเงิน 25,000 ดอลลาร์เพื่อบรรยายข่าวในลำดับเดือนมีนาคม Alland แสดงความสามารถในการเลียนแบบ Van Voorhis และ Welles ก็คัดเลือกเขา [53]
Welles กล่าวในภายหลังว่าการคัดเลือกนักแสดงตัวละครGino Corradoในส่วนเล็ก ๆ ของบริกรที่ El Rancho ทำให้หัวใจของเขาแตกสลาย คอร์ราโดเคยปรากฏตัวในภาพยนตร์ฮอลลีวูดหลายเรื่อง โดยมักจะเป็นบริกร และเวลเลสต้องการให้นักแสดงทุกคนใหม่กับภาพยนตร์ [49] : 171
บทบาทที่ไม่ได้รับการรับรองอื่น ๆ ตกเป็นของThomas A. CurranในบทTeddy Rooseveltในภาพยนตร์ข่าวปลอม Richard Baerรับบทเป็น Hillman ผู้ชายที่ Madison Square Garden และชายคนหนึ่งในห้องฉายNews on the March ; และAlan Ladd , Arthur O'ConnellและLouise Currieในฐานะนักข่าวที่ Xanadu [11]
Ruth Warrick (เสียชีวิตในปี 2548) เป็นสมาชิกคนสุดท้ายที่รอดชีวิตจากนักแสดงหลัก Sonny Bupp(เสียชีวิตในปี 2550) ซึ่งรับบทเป็นลูกชายคนเล็กของ Kane เป็นสมาชิกนักแสดงที่ได้รับเครดิตคนสุดท้ายที่ยังมีชีวิตรอด [54] Kathryn Trosper Popper (เสียชีวิต 6 มีนาคม 2559) ได้รับรายงานว่าเป็นนักแสดงที่รอดชีวิตคนสุดท้ายที่ได้ปรากฏตัวในCitizen Kane [55]ฌอง ฟอร์เวิร์ด (เสียชีวิตในเดือนกันยายน พ.ศ. 2559) นักร้องเสียงโซปราโนผู้พากย์เสียงร้องเพลงของซูซาน อเล็กซานเดอร์ เป็นนักแสดงคนสุดท้ายที่รอดชีวิตจากภาพยนตร์เรื่องนี้ [56]
การถ่ายทำ
ที่ปรึกษาด้านการผลิต มิเรียม ไกเกอร์ ได้รวบรวมตำราภาพยนตร์ทำมือให้กับ Welles อย่างรวดเร็ว ซึ่งเป็นหนังสืออ้างอิงเชิงปฏิบัติเกี่ยวกับเทคนิคภาพยนตร์ที่เขาศึกษาอย่างถี่ถ้วน จากนั้นเขาสอนตัวเองในการสร้างภาพยนตร์โดยจับคู่คำศัพท์ภาพเข้ากับThe Cabinet of Dr. Caligariซึ่งเขาสั่งมาจากพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่[19] : 173 และภาพยนตร์โดยแฟรงก์ คาปรา , René Clair , Fritz Lang , King Vidor [57] : 1172 : 1171 และฌอง เรอนัวร์ [17] : 209 ภาพยนตร์เรื่องหนึ่งที่เขาศึกษาอย่างแท้จริงคือStagecoachของJohn Ford , [20] : 29 ซึ่งเขาดูถึง 40 ครั้ง [58] "ปรากฎว่า วันแรกที่ฉันเดินเข้าไปในกองถ่ายคือวันแรกของฉันในฐานะผู้กำกับ" เวลเลสกล่าว "ฉันเรียนรู้ทุกอย่างที่ฉันรู้ในห้องฉายภาพ—จากฟอร์ด หลังอาหารเย็นทุกคืนเป็นเวลาประมาณหนึ่งเดือน ฉันจะดูแลStagecoachโดยมักจะร่วมกับช่างเทคนิคหรือหัวหน้าแผนกต่างๆ จากสตูดิโอ และถามคำถามว่า 'เป็นอย่างไรบ้าง เสร็จแล้วเหรอ' 'ทำไมถึงทำสิ่งนี้?' เหมือนไปโรงเรียนเลย" [20] : 29
ผู้กำกับภาพของ Welles สำหรับภาพยนตร์เรื่องนี้คือGregg Tolandซึ่ง Welles อธิบายว่า "ตอนนั้นเป็นตากล้องอันดับหนึ่งของโลก" ด้วยความประหลาดใจของ Welles Toland ไปเยี่ยมเขาที่สำนักงานของเขาและพูดว่า "ฉันต้องการให้คุณใช้ฉันในรูปของคุณ" เขาเคยดูละครเวทีเรื่อง Mercury มาแล้ว (รวมถึงเรื่องCaesar [24] : 66 ) และบอกว่าเขาอยากร่วมงานกับคนที่ไม่เคยสร้างหนังมาก่อน [20] : 59 RKO จ้าง Toland โดยยืมตัวมาจากSamuel Goldwyn Productions [44] : 10 ราย ในสัปดาห์แรกของเดือนมิถุนายน พ.ศ. 2483 [18] : 40
“และเขาไม่เคยพยายามทำให้เราประทับใจว่าเขากำลังทำปาฏิหาริย์ใดๆ” เวลเลสเล่า "ฉันเรียกร้องในสิ่งที่มีเพียงมือใหม่เท่านั้นที่โง่เขลามากพอที่จะคิดว่าใครๆ ก็ทำได้ และที่นั่นเขากำลังทำมันอยู่" [20] : 60 Toland อธิบายในภายหลังว่าเขาต้องการทำงานกับ Welles เพราะเขาคาดว่าผู้กำกับจะขาดประสบการณ์เป็นครั้งแรกและชื่อเสียงจากการทดลองที่กล้าหาญในโรงภาพยนตร์จะช่วยให้ผู้กำกับภาพลองใช้เทคนิคกล้องใหม่ ๆ ที่ภาพยนตร์ฮอลลีวูดทั่วไปไม่เคยมี อนุญาตให้เขาทำ [19] : 186 โดยไม่ทราบระเบียบการสร้างภาพยนตร์ เวลส์ปรับแสงในกองถ่ายตามที่เขาเคยชินกับการทำในโรงภาพยนตร์ โทลันด์ปรับสมดุลพวกมันอย่างเงียบๆ และรู้สึกโกรธเมื่อลูกเรือคนหนึ่งแจ้งเวลส์ว่าเขาละเมิดความรับผิดชอบของโทลันด์ [59] : 5:33–6:06 ในช่วงสองสามสัปดาห์แรกของเดือนมิถุนายน Welles ได้ปรึกษาหารือกันเป็นเวลานานเกี่ยวกับภาพยนตร์เรื่องนี้กับ Toland และผู้กำกับศิลป์ Perry Ferguson ในช่วงเช้า และในช่วงบ่ายและเย็นเขาได้ทำงานร่วมกับนักแสดงและแก้ไข สคริปต์ [18] : 69
วันที่ 29 มิถุนายน พ.ศ. 2483 เช้าวันเสาร์ซึ่งมีผู้บริหารสตูดิโอที่อยากรู้อยากเห็นสองสามคนอยู่ใกล้ ๆ เวลส์เริ่มถ่ายทำCitizen Kane [18] : 69 [24] : 107 หลังจากความผิดหวังที่ถูกยกเลิกHeart of Darkness [20] : 30–31 Welles ทำตามคำแนะนำของเฟอร์กูสัน[g] [20] : 57 และหลอก RKO ให้เชื่อว่าเขาแค่ยิงปืนการทดสอบ "แต่เรากำลังถ่ายภาพ " Welles กล่าว "เพราะเราต้องการเริ่มต้นและเข้าไปอยู่ในนั้นก่อนที่ใครจะรู้เรื่องนี้" [20] : 57
ในเวลาที่ผู้บริหารของ RKO กำลังกดดันให้เขาตกลงที่จะกำกับภาพยนตร์ชื่อThe Men from Marsเพื่อใช้ประโยชน์จากการออกอากาศทางวิทยุ "The War of the Worlds" Welles กล่าวว่าเขาจะพิจารณาสร้างโปรเจ็กต์นี้ แต่ต้องการสร้างภาพยนตร์เรื่องอื่นก่อน ในเวลานี้เขาไม่ได้แจ้งให้พวกเขาทราบว่าเขาได้เริ่มถ่ายทำCitizen Kane แล้ว [19] : 186
ภาพแรกเรียกว่า "การทดสอบ Orson Welles" ในเอกสารทั้งหมด [18] : 69 การถ่ายทำ "ทดสอบ" ครั้งแรกคือ ฉากห้องฉายภาพ ข่าวในเดือนมีนาคมถ่ายทำอย่างประหยัดในห้องฉายในสตูดิโอจริงในความมืดซึ่งสวมหน้ากากนักแสดงหลายคนที่ปรากฏในบทบาทอื่นในภายหลังในภาพยนตร์เรื่องนี้ [18] : 69 [20] : 77–78 [h] "ที่ 809 ดอลลาร์ Orson ใช้จ่ายเกินงบประมาณทดสอบที่ 528 ดอลลาร์อย่างมากเพื่อสร้างฉากที่โด่งดังที่สุดฉากหนึ่งในประวัติศาสตร์ภาพยนตร์" Barton Whaley เขียน [24] : 107
ฉากต่อมาคือฉากไนต์คลับ El Rancho และฉากที่ซูซานพยายามฆ่าตัวตาย [i] [18] : 69 Welles กล่าวในภายหลังว่าฉากไนต์คลับพร้อมให้บริการหลังจากภาพยนตร์เรื่องอื่นปิดฉากและการถ่ายทำนั้นใช้เวลา 10 ถึง 12 วันจึงจะเสร็จสมบูรณ์ สำหรับฉากเหล่านี้ Welles ให้คอของ Comingore ฉีดสารเคมีเพื่อให้เสียงของเธอมีน้ำเสียงแหบพร่า [49] : 170–171 ฉากอื่นๆ ที่ถ่ายทำอย่างลับๆ รวมถึงฉากที่ทอมป์สันสัมภาษณ์ลีแลนด์และเบิร์นสไตน์ ซึ่งถ่ายทำในฉากที่สร้างขึ้นสำหรับภาพยนตร์เรื่องอื่นๆ ด้วย [53]
ในระหว่างการผลิต ภาพยนตร์เรื่อง นี้ถูกเรียกว่าRKO 281 การถ่ายทำส่วนใหญ่เกิดขึ้นในสเตจ 19 ของโรงถ่ายParamount Picturesในฮอลลีวูด [61]มีสถานที่ถ่ายทำที่Balboa Parkในซานดิเอโกและสวนสัตว์ซานดิเอโก ภาพถ่ายของนายธนาคารเพื่อการลงทุนชาวเยอรมัน-ยิวOtto Hermann Kahnของอสังหาริมทรัพย์Oheka Castle ถูกใช้เพื่อแสดงภาพ Xanadu ที่สวมอยู่ [63] [64]
ในปลายเดือนกรกฎาคม RKO อนุมัติภาพยนตร์เรื่องนี้และ Welles ได้รับอนุญาตให้เริ่มถ่ายทำอย่างเป็นทางการแม้ว่าจะถ่ายทำ "ทดสอบ" ไปแล้วหลายสัปดาห์ก็ตาม Welles เล่าเรื่องให้นักข่าวฟังว่า "การทดสอบ" ทำได้ดีมากจนไม่จำเป็นต้องถ่ายทำใหม่ ฉาก "เป็นทางการ" แรกที่ถ่ายทำคือฉากตัดต่ออาหารเช้าระหว่าง Kane และ Emily ภรรยาคนแรกของเขา เพื่อประหยัดเงินอย่างมีกลยุทธ์และเอาใจผู้บริหารของ RKO ที่ต่อต้านเขา Welles ซ้อมฉากอย่างถี่ถ้วนก่อนถ่ายทำจริงและถ่ายทำฉากแต่ละฉากเพียงไม่กี่ฉาก [19] : 193 Welles ไม่เคยยิงมาสเตอร์ช็ อต สำหรับฉากใดๆ เลย หลังจากที่ Toland บอกเขาว่า Ford ไม่เคยยิงมันเลย [49] : 169 เพื่อเอาใจสื่อมวลชนที่อยากรู้อยากเห็นมากขึ้น Welles จัดงานเลี้ยงค็อกเทลให้กับนักข่าวที่ได้รับเลือก โดยสัญญาว่าพวกเขาจะได้ดูฉากที่กำลังถ่ายทำอยู่ เมื่อนักข่าวมาถึง Welles บอกพวกเขาว่าพวกเขา "เพิ่งเสร็จสิ้น" การถ่ายทำสำหรับวันนี้ แต่ยังมีงานเลี้ยงอยู่ [19] : 193 Welles บอกกับสื่อมวลชนว่าเขามาก่อนกำหนด (โดยไม่มีแฟคเตอริ่งในเดือน "ทดสอบการยิง") ดังนั้นจึงกล่าวอ้างอย่างน่าอดสูว่าหลังจากหนึ่งปีในฮอลลีวูดโดยไม่ได้สร้างภาพยนตร์ เขาคือความล้มเหลวในอุตสาหกรรมภาพยนตร์ [19] : 194
โดยปกติแล้ว Welles จะทำงาน 16 ถึง 18 ชั่วโมงต่อวันในภาพยนตร์เรื่องนี้ เขามักจะเริ่มงานตอนตี 4 เนื่องจากเทคนิคพิเศษที่ใช้ในการแต่งหน้าทำให้เขาบางฉากใช้เวลานานถึงสี่ชั่วโมง Welles ใช้เวลานี้เพื่อหารือเกี่ยวกับการถ่ายทำในวันนั้นกับ Toland และทีมงานคนอื่นๆ คอนแทคเลนส์ชนิดพิเศษที่ใช้เพื่อทำให้ Welles ดูแก่นั้นได้รับการพิสูจน์แล้วว่าเจ็บปวดมาก และมีการว่าจ้างแพทย์ให้ใส่เข้าไปในดวงตาของ Welles Welles มีปัญหาในการมองเห็นอย่างชัดเจนขณะสวมมัน ซึ่งทำให้เขาต้องกรีดข้อมืออย่างรุนแรงเมื่อถ่ายทำฉากที่ Kane พังเฟอร์นิเจอร์ในห้องนอนของ Susan ในขณะที่ถ่ายทำฉากที่ Kane ตะโกนใส่ Gettys บนบันไดของอาคารอพาร์ตเมนต์ของ Susan Alexander Welles ก็ล้มลงไปสิบฟุต X-ray เผยให้เห็นเศษกระดูกสองชิ้นที่ข้อเท้าของเขา [19] : 194
อาการบาดเจ็บทำให้เขาต้องนั่งรถเข็นกำกับภาพยนตร์เป็นเวลาสองสัปดาห์ [19] : 194–195 ในที่สุดเขาก็สวมเหล็กค้ำเพื่อกลับมาแสดงหน้ากล้องต่อ มองเห็นได้ในฉากมุมต่ำระหว่าง Kane และ Leland หลังจากที่ Kane แพ้การเลือกตั้ง [j] [20] : 61 สำหรับฉากสุดท้าย เวทีที่สตูดิโอ Selznick ติดตั้งเตาหลอมที่ทำงานอยู่ และต้องใช้เทคหลายเทคเพื่อแสดงให้เห็นว่าเลื่อนถูกใส่เข้าไปในกองไฟและคำว่า "โรสบัด" ถูกกลืนหายไป พอล สจ๊วร์ตจำได้ว่าในวันที่เก้า หน่วยดับเพลิงคัลเวอร์ซิตีมาถึงด้วยเกียร์เต็มกำลังเนื่องจากเตาเผาร้อนจัดจนควันไฟลุกไหม้ "ออร์สันรู้สึกยินดีกับความวุ่นวาย" เขากล่าว [52] : 8–9 [65]
เมื่อ "Rosebud" ถูกเผา Welles ออกแบบท่าเต้น[ ต้องการคำชี้แจง ]ฉากในขณะที่เขามีคิวของนักแต่งเพลงBernard Herrmannเล่นอยู่ในฉาก [66]
ซึ่งแตกต่างจาก Schaefer สมาชิกหลายคนของคณะกรรมการผู้ว่าการ RKO ไม่ชอบ Welles หรือการควบคุมที่สัญญาของเขามอบให้เขา [19] : 186 อย่างไรก็ตาม สมาชิกคณะกรรมการเช่นNelson Rockefellerและหัวหน้า NBC David Sarnoff [57] : 1170 เห็นอกเห็นใจ Welles [67]ตลอดการถ่ายทำ Welles มีปัญหากับผู้บริหารเหล่านี้ที่ไม่เคารพเงื่อนไขการไม่แทรกแซงในสัญญาของเขา และสายลับหลายคนมาที่กองถ่ายเพื่อรายงานสิ่งที่พวกเขาเห็นให้ผู้บริหารทราบ เมื่อผู้บริหารมาถึงกองถ่ายในบางครั้งนักแสดงและทีมงานทั้งหมดก็จะเริ่มเล่นซอฟต์บอลจนกระทั่งพวกเขาออกไป ก่อนที่การถ่ายทำอย่างเป็นทางการจะเริ่มขึ้น ผู้บริหารได้ขัดขวางสำเนาสคริปต์ทั้งหมดและเลื่อนการส่งไปยัง Welles พวกเขามีสำเนาหนึ่งฉบับส่งไปยังสำนักงานในนิวยอร์ก ส่งผลให้มันรั่วไหลออกสื่อ [19] : 195
การถ่ายทำหลักปิดฉากลงในวันที่ 24 ตุลาคม จากนั้น Welles ใช้เวลาหลายสัปดาห์ห่างจากภาพยนตร์เพื่อทัวร์ชมการบรรยาย ในระหว่างนั้นเขายังได้สำรวจสถานที่เพิ่มเติมร่วมกับ Toland และ Ferguson เริ่มถ่ายทำต่อในวันที่ 15 พฤศจิกายน[18] : 87 โดยมีการถ่ายทำซ้ำบางส่วน โทแลนด์ต้องออกจากงานเนื่องจากมีความมุ่งมั่นที่จะถ่ายทำเรื่องThe Outlaw ของ โฮเวิร์ด ฮิวจ์ส แต่ทีมงานกล้องของโทแลนด์ยังคงทำงานเกี่ยวกับภาพยนตร์เรื่องนี้ต่อไป และโทแลนด์ถูกแทนที่โดยช่างภาพ RKO แฮร์รี เจ. ไวลด์ วันสุดท้ายของการถ่ายทำคือวันที่ 30 พฤศจิกายน ซึ่งเป็นฉากการตายของ Kane [18] : 85 Welles คุยโวว่าเขาไปแค่ 21 วันจากตารางการถ่ายทำอย่างเป็นทางการ โดยไม่คำนึงถึงเดือนแห่ง "การทดสอบกล้อง" [19] : 195 ตามบันทึกของ RKO ภาพยนตร์เรื่องนี้มีราคา 839,727 ดอลลาร์ งบประมาณโดยประมาณอยู่ที่ 723,800 ดอลลาร์ [11]
หลังการผลิต
Citizen Kane ตัด ต่อโดยRobert Wiseและผู้ช่วยบรรณาธิการMark Robson [44] : 85 ทั้งคู่จะกลายเป็นผู้กำกับภาพยนตร์ที่ประสบความสำเร็จ Wise ได้รับการว่าจ้างหลังจาก Welles เสร็จสิ้นการถ่ายทำ "การทดสอบกล้อง" และเริ่มสร้างภาพยนตร์อย่างเป็นทางการ Wise กล่าวว่า Welles "มีบรรณาธิการที่แก่กว่าได้รับมอบหมายให้ทำการทดสอบเหล่านั้นและเห็นได้ชัดว่าเขาไม่มีความสุขมากเกินไปและขอให้มีคนอื่น ฉันอายุประมาณ Orson และมีเครดิตที่ดีหลายอย่าง" ไวส์และร็อบสันเริ่มตัดต่อภาพยนตร์ในขณะที่ยังถ่ายทำอยู่ และกล่าวว่าพวกเขา "บอกได้เลยว่าเรากำลังได้รับบางสิ่งที่พิเศษมาก มันเป็นภาพยนตร์ที่โดดเด่นวันแล้ววันเล่า" [57] : 1210
Welles ให้คำแนะนำโดยละเอียดแก่ Wise และมักจะไม่ปรากฏตัวในระหว่างการแก้ไขของภาพยนตร์ [18] : 109 ภาพยนตร์เรื่องนี้มีการวางแผนมาเป็นอย่างดีและตั้งใจถ่ายทำสำหรับเทคนิคหลังการถ่ายทำ เช่น การละลายช้าๆ การ ขาดความครอบคลุมทำให้การแก้ไขทำได้ง่ายเนื่องจาก Welles และ Toland แก้ไขภาพยนตร์เรื่องนี้ "ในกล้อง" โดยเหลือทางเลือกไม่กี่ทางในการรวมเข้าด้วยกัน [18] : 110 Wise กล่าวว่าลำดับของโต๊ะอาหารเช้าใช้เวลาหลายสัปดาห์ในการแก้ไข และได้รับ "เวลา" และ "จังหวะ" ที่ถูกต้องสำหรับกระทะแส้และบทสนทนาที่ทับซ้อนกัน [53]ข่าวในลำดับเดือนมีนาคมได้รับการแก้ไขโดยแผนกข่าวของ RKO เพื่อให้เป็นความจริง: 110 พวกเขาใช้ภาพสต็อกจาก Pathé Newsและ General Film Library [11]
ในช่วงหลังการถ่ายทำ Welles และศิลปินเทคนิคพิเศษLinwood G. Dunnได้ทดลองกับเครื่องพิมพ์ออปติคอลเพื่อปรับปรุงฉากบางฉากที่ Welles พบว่าไม่น่าพอใจจากฟุตเทจ ในขณะที่ Wellesมักจะพอใจกับงานของ Wise ในทันที เขาต้องการให้ Dunn และวิศวกรเสียงหลังการผลิต James G. Stewart ทำงานซ้ำหลายครั้งจนกว่าเขาจะพอใจ [18] : 109
Welles จ้าง Bernard Herrmann มาแต่งเพลงประกอบภาพยนตร์ ที่ซึ่งดนตรีประกอบภาพยนตร์ฮอลลีวูดส่วนใหญ่เขียนขึ้นอย่างรวดเร็ว ภายในเวลาเพียงสองหรือสามสัปดาห์หลังจากถ่ายทำเสร็จ แฮร์มันน์มีเวลา 12 สัปดาห์ในการเขียนดนตรี เขามีเวลามากพอที่จะทำงานประสานเสียงและกำกับการแสดงของตัวเอง และทำงานในม้วนฟิล์มทีละม้วนในขณะที่ถ่ายทำและตัดต่อ เขาเขียนบทดนตรีที่สมบูรณ์สำหรับภาพตัดต่อบางส่วน และ Welles ได้แก้ไขฉากหลายฉากเพื่อให้ตรงกับความยาวของพวกเขา [68]
รถพ่วง
เขียนบทและกำกับโดย Welles ตามคำแนะนำของ Toland ตัวอย่างละครสำหรับCitizen Kaneแตกต่างจากตัวอย่างอื่นตรงที่ไม่มีฟุตเทจของภาพยนตร์จริงแม้แต่วินาทีเดียว แต่ทำหน้าที่เป็นต้นฉบับทั้งหมดพูดไม่ออกหลอก -สารคดีเกี่ยวกับการผลิตภาพยนตร์ [49] : 230 ถ่ายทำในช่วงเวลาเดียวกับCitizen Kaneเอง โดยนำเสนอภาพเบื้องหลังที่มีอยู่เพียงภาพเดียวของภาพยนตร์เรื่องนี้ ตัวอย่างที่ถ่ายทำโดย Wild แทนที่จะเป็น Toland ติดตาม Welles ที่มองไม่เห็นในขณะที่เขาบรรยายทัวร์รอบกองถ่าย การแนะนำสมาชิกหลักของภาพยนตร์ และภาพรวมโดยย่อเกี่ยวกับตัวละครของ Kane [20]: 360 ในตัวอย่างยังมีกลลวงหลายช็อต รวมถึงหนึ่งในเอเวอเร็ตต์ สโลนที่ปรากฏตัวในตอนแรกและวิ่งเข้าหากล้อง ซึ่งกลายเป็นภาพสะท้อนของกล้องในกระจก [69]
ในตอนนั้น แทบไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนที่ตัวอย่างภาพยนตร์จะไม่แสดงเนื้อหาใดๆ ของภาพยนตร์เลย และในขณะที่Citizen Kaneมักถูกอ้างถึงว่าเป็นภาพยนตร์ที่มีอิทธิพลและแหวกแนว แต่Simon Callowแย้งว่าตัวอย่างหนังของมันไม่มีความแปลกใหม่ในแนวทางของมัน Callow เขียนว่า "มีเสน่ห์ขี้เล่นมาก ... เป็นสารคดี ขนาดจิ๋ว เกือบจะเป็นบทนำของภาพยนตร์ ... ล้อเล่น มีเสน่ห์ ไม่ซ้ำใคร มันเป็นกลอุบายประเภทหนึ่ง: โดยที่ใบหน้าของเขาไม่ปรากฏบนหน้าจอเลยสักครั้ง Welles ครอบครองระยะเวลาห้า [sic] นาทีโดยสิ้นเชิง"
สไตล์
นักวิชาการด้านภาพยนตร์และนักประวัติศาสตร์มอง ว่า Citizen Kaneเป็นความพยายามของ Welles ในการสร้างรูปแบบใหม่ของการสร้างภาพยนตร์โดยศึกษารูปแบบต่างๆ ของมันและรวมเข้าเป็นหนึ่งเดียว อย่างไรก็ตาม Welles กล่าวว่าความรักในภาพยนตร์ของเขาเริ่มต้นขึ้นเมื่อเขาเริ่มทำงานเกี่ยวกับภาพยนตร์เรื่องนี้เท่านั้น เมื่อถูกถามว่าเขามีความมั่นใจในฐานะผู้กำกับครั้งแรกในการกำกับภาพยนตร์ที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากภาพยนตร์ร่วมสมัยได้อย่างไร เขาตอบว่า "ความไม่รู้ ความเขลา ความเขลาจริงๆ คุณรู้ว่าไม่มีความมั่นใจใดทัดเทียมได้ ก็ต่อเมื่อคุณรู้อะไรบางอย่างเท่านั้น เกี่ยวกับอาชีพ ผมคิดว่า คุณเป็นคนขี้อายหรือระมัดระวัง" [33] : 80
David Bordwellเขียนว่า "วิธีที่ดีที่สุดในการทำความเข้าใจCitizen Kaneคือการหยุดบูชามันเป็นเทคนิคแห่งชัยชนะ" บอร์ดเวลล์ให้เหตุผลว่าภาพยนตร์เรื่องนี้ไม่ได้คิดค้นเทคนิคที่มีชื่อเสียงใดๆ เช่น การถ่ายภาพแบบโฟกัสลึก ภาพเพดาน การจัดแสงแบบไคอาโรสคูโร และการกระโดดข้ามขมับ และสไตล์ต่างๆ เหล่านี้เคยถูกใช้ในภาพยนตร์แนวเอ็กซ์เพรสชันนิสม์ของเยอรมันในช่วงทศวรรษที่ 1920 เช่น ขณะที่คณะรัฐมนตรีของ ดร. คาลิการี แต่บอร์ดเวลล์ยืนยันว่าภาพยนตร์เรื่องนี้ได้นำพวกเขาทั้งหมดมารวมกันเป็นครั้งแรกและทำให้สื่อสมบูรณ์แบบในภาพยนตร์เรื่องเดียว [57] : 1171 ในการสัมภาษณ์ปี 1948 DW Griffithกล่าวว่า "ฉันรักCitizen Kaneและชอบความคิดที่เขาเอามาจากฉันเป็นพิเศษ"[70]
ข้อโต้แย้งต่อต้านนวัตกรรมด้านภาพยนตร์ของภาพยนตร์เรื่องนี้เกิดขึ้นในปี 1946 เมื่อนักประวัติศาสตร์ชาวฝรั่งเศสGeorges Sadoulเขียนว่า "ภาพยนตร์เรื่องนี้เป็นสารานุกรมของเทคนิคเก่า" เขาชี้ให้เห็นตัวอย่าง เช่น องค์ประกอบที่ใช้ทั้งเบื้องหน้าและเบื้องหลังในภาพยนตร์ของAuguste และ Louis Lumièreเทคนิคพิเศษที่ใช้ในภาพยนตร์ของGeorges Mélièsภาพเพดานใน ภาพยนตร์เรื่อง GreedของErich von Stroheimและภาพตัดต่อจากภาพข่าวในภาพยนตร์ ภาพยนตร์ของDziga Vertov . [71]
นักวิจารณ์ภาพยนตร์ชาวฝรั่งเศส André Bazin ปกป้องภาพยนตร์เรื่องนี้โดยเขียนว่า: "ในแง่นี้ ข้อกล่าวหาเรื่องการลอกเลียนแบบอาจขยายไปถึงการใช้ฟิล์มแพนโครมาติกของภาพยนตร์เรื่องนี้หรือการแสวงหาประโยชน์จากคุณสมบัติของซิลเวอร์เฮไลด์ที่เป็นวุ้น" Bazin ไม่เห็นด้วยกับการเปรียบเทียบของ Sadoul กับการถ่ายทำภาพยนตร์ของ Lumière เนื่องจากCitizen Kaneใช้เลนส์ที่ซับซ้อนกว่า[72] : 232 แต่ยอมรับว่ามีความคล้ายคลึงกับผลงานก่อนหน้านี้ เช่นThe 49th ParallelและThe Power and the Glory Bazin ระบุว่า "แม้ว่า Welles จะไม่ได้ประดิษฐ์อุปกรณ์ภาพยนตร์ที่ใช้ในCitizen Kaneแต่ก็ควรให้เครดิตเขาด้วยการประดิษฐ์ความหมาย ของ มัน": 233 Bazin สนับสนุนเทคนิคในภาพยนตร์สำหรับการพรรณนาถึงความเป็นจริงที่เพิ่มขึ้น แต่ Bordwell เชื่อว่าการใช้เทคนิคพิเศษของภาพยนตร์เรื่องนี้ขัดแย้งกับทฤษฎีบางอย่างของ Bazin [73] : 75
เทคนิคการเล่าเรื่อง
Citizen Kaneปฏิเสธการเล่าเรื่องแบบเส้นตรงตามลำดับเวลาแบบดั้งเดิม และบอกเล่าเรื่องราวของ Kane ในรูปแบบเหตุการณ์ย้อนหลังทั้งหมดโดยใช้มุมมองที่แตกต่างกัน หลายเรื่องมาจากเพื่อนร่วมงานที่มีอายุมากและหลงลืมของ Kane ซึ่งเทียบเท่ากับภาพยนตร์ของผู้บรรยายที่ไม่น่าเชื่อถือในวรรณกรรม และใช้ผู้บรรยายหลายคน เล่าเรื่องชีวิตของ Kane ซึ่งเป็นเทคนิคที่ไม่เคยใช้มาก่อนในภาพยนตร์ฮอลลีวูด [74] : 81 ผู้บรรยายแต่ละคนเล่าถึงส่วนต่าง ๆ ในชีวิตของ Kane โดยแต่ละเรื่องจะทับซ้อนกัน [75]ภาพยนตร์บรรยายให้ Kane เป็นปริศนา เป็นชายผู้ซับซ้อนที่ปล่อยให้ผู้ชมมีคำถามมากกว่าคำตอบเกี่ยวกับตัวละครของเขา เช่น ภาพข่าวที่เขาถูกโจมตีว่าเป็นทั้งคอมมิวนิสต์และฟาสซิสต์ [74] : 82–84
เทคนิคของการย้อนอดีตถูกนำมาใช้ในภาพยนตร์เรื่องก่อน ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งThe Power and the Glory (พ.ศ. 2476), [76]แต่ไม่มีภาพยนตร์เรื่องใดที่จมอยู่ในนั้นเท่ากับCitizen Kane นักข่าวทอมป์สันทำหน้าที่เป็นตัวแทนให้กับผู้ชม ซักถามเพื่อนร่วมงานของ Kane และปะติดปะต่อชีวิตของเขา [75]
โดยทั่วไปแล้ว ภาพยนตร์มี "มุมมองรอบรู้" ในเวลานั้น ซึ่งมาริลีน เฟบกล่าวว่าให้ "ภาพลวงตาแก่ผู้ชมว่าเรากำลังมองหาโลกโดยที่เราไม่ต้องรับโทษโดยที่เราไม่รู้ตัว" Citizen Kaneก็เริ่มต้นในลักษณะนั้นจนถึงลำดับข่าวในเดือนมีนาคมหลังจากนั้นเราผู้ชมจะได้เห็นภาพยนตร์เรื่องนี้ผ่านมุมมองของผู้อื่น [74] : 81 ข่าวประจำเดือนมี.คลำดับให้ภาพรวมของชีวิตทั้งหมดของ Kane (และเรื่องราวทั้งหมดของภาพยนตร์) ในตอนต้นของภาพยนตร์ ปล่อยให้ผู้ชมไม่ต้องสงสัยว่ามันจะจบลงอย่างไร เหตุการณ์ซ้ำๆ ของภาพยนตร์เรื่องนี้ทำให้ผู้ชมต้องวิเคราะห์และสงสัยว่าทำไมชีวิตของ Kane จึงเป็นเช่นนั้น ภายใต้ข้ออ้างในการค้นหาว่า "Rosebud" หมายถึงอะไร จากนั้นภาพยนตร์เรื่องนี้จะกลับไปสู่มุมมองที่รอบรู้ในฉากสุดท้าย เมื่อผู้ชมเท่านั้นที่ค้นพบว่า "กุหลาบตูม" คืออะไร [74] : 82–83
ภาพยนตร์
เทคนิคที่ล้ำสมัยที่สุดของCitizen Kaneคือการใช้โฟกัสลึกแบบขยาย[77]โดยที่พื้นหน้า ฉากหลัง และทุกสิ่งที่อยู่ระหว่างนั้นล้วนอยู่ในโฟกัสที่คมชัด นักถ่ายภาพยนตร์ Toland ทำสิ่งนี้ผ่านการทดลองเลนส์และการจัดแสง Toland อธิบายความสำเร็จในบทความสำหรับนิตยสาร Theatre Arts ซึ่งเกิดขึ้นได้จากความไวของฟิล์มสปีดสมัยใหม่:
การพัฒนาใหม่ๆ ในศาสตร์แห่งการถ่ายภาพเคลื่อนไหวยังไม่เกิดขึ้นมากมายในขั้นสูงนี้ของเกม แต่มีการพัฒนาเป็นระยะๆ เพื่อทำให้สิ่งนี้เป็นงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่กว่า ในจำนวนนี้ ฉันอยู่ในตำแหน่งที่ดีที่จะหารือเกี่ยวกับสิ่งที่เรียกว่า "โฟกัสแบบแพน" เนื่องจากฉันกระตือรือร้นในการพัฒนาเป็นเวลาสองปีและใช้มันเป็นครั้งแรกในCitizen Kane. จากการใช้งาน ทำให้สามารถถ่ายภาพการเคลื่อนไหวได้ตั้งแต่ระยะ 18 นิ้วจากเลนส์กล้องไปจนถึงกว่า 200 ฟุต โดยมีฉากหน้าและพื้นหลังสุดโต่งและการเคลื่อนไหวที่บันทึกไว้ในลักษณะนูนต่ำที่คมชัด จนถึงตอนนี้ กล้องต้องโฟกัสไม่ว่าจะถ่ายระยะใกล้หรือไกล ความพยายามทั้งหมดที่จะรวมทั้งสองอย่างพร้อมกันส่งผลให้อย่างใดอย่างหนึ่งหลุดโฟกัส ความพิการนี้จำเป็นต้องแบ่งฉากออกเป็นมุมยาวและมุมสั้น ซึ่งส่งผลให้สูญเสียความสมจริงไปมาก ด้วยการแพนโฟกัส กล้องจะมองเห็นภาพพาโนรามาทั้งหมดในคราวเดียว เช่นเดียวกับสายตามนุษย์ โดยทุกอย่างชัดเจนและเหมือนจริง [78]
วิธีการนอกรีตอีกวิธีหนึ่งที่ใช้ในภาพยนตร์เรื่องนี้คือการถ่ายภาพมุมต่ำโดยหันขึ้นด้านบน ทำให้สามารถแสดงเพดานเป็นฉากหลังของหลายๆ ฉากได้ ทุกฉากสร้างด้วยเพดาน[78]ซึ่งขัดกับการประชุมในสตูดิโอ และหลายฉากสร้างด้วยผ้าที่ปกปิดไมโครโฟน [79]Welles รู้สึกว่ากล้องควรแสดงสิ่งที่ตาเห็น และมันเป็นธรรมเนียมที่ไม่ดีในการแสดงละครที่จะแสร้งทำเป็นว่าไม่มีเพดาน - "การโกหกครั้งใหญ่เพื่อให้ได้แสงที่น่ากลัวทั้งหมดขึ้นที่นั่น" เขากล่าว เขารู้สึกทึ่งกับรูปลักษณ์ของมุมต่ำ ซึ่งทำให้แม้แต่การตกแต่งภายในที่น่าเบื่อก็ดูน่าสนใจ ใช้มุมที่ต่ำมากมุมหนึ่งเพื่อถ่ายภาพการเผชิญหน้าระหว่าง Kane และ Leland หลังจาก Kane แพ้การเลือกตั้ง มีการขุดหลุมสำหรับกล้อง ซึ่งจำเป็นต้องเจาะเข้าไปในพื้นคอนกรีต [20] : 61–62
Welles ให้เครดิต Toland ในบัตรชื่อเดียวกันกับตัวเขาเอง “มันเป็นไปไม่ได้ที่จะบอกว่าฉันเป็นหนี้เกร็กเท่าไหร่” เขากล่าว "เขายอดเยี่ยมมาก" [20] : 59 [80]เขาเรียก Toland ว่า "ผู้กำกับภาพที่ดีที่สุดเท่าที่เคยมีมา" [81]
เสียง
เสียง ของCitizen Kaneบันทึกเสียงโดย Bailey Fesler และบันทึกซ้ำในขั้นตอนหลังการผลิตโดยวิศวกรเสียงJames G. Stewart , [44] : 85 ซึ่งทั้งคู่เคยทำงานด้านวิทยุ [18] : 102 สจ๊วตกล่าวว่าภาพยนตร์ฮอลลีวูดไม่เคยเบี่ยงเบนจากรูปแบบพื้นฐานของวิธีการบันทึกหรือใช้เสียง แต่กับ Welles "การเบี่ยงเบนจากรูปแบบเป็นไปได้เพราะเขาเรียกร้อง" แม้ว่าภาพยนตร์เรื่องนี้จะเป็นที่รู้จักจากซาวด์แทร็กที่ซับซ้อน แต่เสียงส่วนใหญ่ก็ได้ยินตามที่ Fesler บันทึกไว้และไม่มีการดัดแปลง [18] : 102
Welles ใช้เทคนิคจากวิทยุเช่นบทสนทนาที่ทับซ้อนกัน ฉากที่ตัวละครร้องเพลง "Oh, Mr. Kane" นั้นซับซ้อนเป็นพิเศษและต้องมีการผสมเพลงประกอบหลายๆ เพลงเข้าด้วยกัน [18] : 104 เขายังใช้ "มุมมองเสียง" ที่แตกต่างกันเพื่อสร้างภาพลวงตาของระยะทาง[18] : 101 เช่นในฉากที่ Xanadu ซึ่งตัวละครพูดคุยกันในระยะไกล สร้างภาพตัดต่อเสียง [82] : 94 และเลือกที่จะสร้างเอฟเฟกต์เสียงทั้งหมดสำหรับ ภาพยนตร์แทนที่จะใช้ไลบรารีเอฟเฟกต์เสียงของ RKO [18] : 100
Welles ใช้เทคนิคการฟังจากวิทยุที่เรียกว่า "lightning-mix" Welles ใช้เทคนิคนี้เพื่อเชื่อมโยง ลำดับการ ตัดต่อ ที่ซับซ้อน ผ่านชุดของเสียงหรือวลีที่เกี่ยวข้องกัน ตัวอย่างเช่น Kane เติบโตจากเด็กเป็นชายหนุ่มในเวลาเพียงสองนัด ขณะที่แทตเชอร์มอบรถลากเลื่อนให้ Kane วัยแปดขวบและอวยพรให้เขาสุขสันต์วันคริสต์มาส จู่ๆ ลำดับก็กระโดดไปที่ช็อตของ Thatcher ในอีกสิบห้าปีต่อมา โดยจบประโยคที่เขาเริ่มทั้งในช็อตก่อนหน้าและตามลำดับเวลาที่ผ่านมา เทคนิคทางวิทยุอื่น ๆ ได้แก่ การใช้เสียงหลายเสียง แต่ละประโยคพูดหรือบางครั้งเพียงส่วนย่อยของประโยค และเชื่อมต่อบทสนทนาเข้าด้วยกันอย่างรวดเร็ว เช่น ฉากในห้องฉายภาพ [83] : 413–412 เสียงของภาพยนตร์มีราคา 16,996 ดอลลาร์ แต่เดิมใช้งบประมาณ 7,288 ดอลลาร์ [18] : 105
นักวิจารณ์ภาพยนตร์และผู้กำกับFrançois Truffautเขียนว่า "ก่อนKaneไม่มีใครในฮอลลีวูดรู้วิธีใส่ดนตรีในภาพยนตร์อย่างเหมาะสมKaneเป็นภาพยนตร์ยอดเยี่ยมเรื่องแรกเรื่องเดียวที่ใช้เทคนิควิทยุ ... ผู้สร้างภาพยนตร์จำนวนมากรู้ดีพอ ให้ทำตาม คำแนะนำของ Auguste Renoirที่ให้กรอกตาด้วยภาพโดยเสียค่าใช้จ่ายทั้งหมด แต่มีเพียง Orson Welles เท่านั้นที่เข้าใจว่าซาวด์แทร็กต้องกรอกด้วยวิธีเดียวกัน" [84] Cedric BelfrageจากThe Clipperเขียนว่า "ในบรรดารสชาติที่เอร็ดอร่อยทั้งหมดที่ยังคงติดอยู่ในเพดานปากหลังจากได้เห็นKaneการใช้เสียงนั้นแข็งแกร่งที่สุด" [57] : 1171
แต่งหน้า
การแต่งหน้าสำหรับCitizen Kaneสร้างและนำไปใช้โดย Maurice Seiderman (1907–1989) ซึ่งเป็นสมาชิกรุ่นเยาว์ของแผนกแต่งหน้า RKO [85] : 19 เขาไม่ได้รับการยอมรับในสหภาพซึ่งจำได้ว่าเขาเป็นเพียงเด็กฝึกงาน แต่อย่างไรก็ตาม RKO ยังใช้เขาเป็นนักแสดงหลัก [85] : 19 "เด็กฝึกงานไม่ควรเป็นครูใหญ่ใดๆ มีแค่ส่วนเสริม และเด็กฝึกงานไม่สามารถอยู่ในกองถ่ายได้หากไม่มีคนเดินทางอยู่ด้วย" ดิ๊ก สมิธช่างแต่งหน้าซึ่งกลายมาเป็นเพื่อนกับไซเดอร์แมนในปี 2522 เขียน "ในช่วงหลายปีที่ RKO ฉันสงสัยว่ากฎเหล่านี้อาจถูกมองข้ามบ่อยครั้ง" [85] : 19 "ไซเดอร์แมนได้รับชื่อเสียงว่าเป็นหนึ่งในช่างแต่งหน้าที่กำลังมาแรงและสร้างสรรค์ที่สุดในฮอลลีวูด" แฟรงก์ เบรดี ผู้เขียนชีวประวัติเขียน [17] : 253
ในการทัวร์ RKO ในช่วงแรก Welles ได้พบกับ Seiderman ในแล็บเครื่องสำอางเล็กๆ ที่เขาสร้างขึ้นสำหรับตัวเองในห้องแต่งตัวที่ไม่ได้ใช้งาน [85] : 19 "เวลส์ติดเขาทันที" นักเขียนชีวประวัติ Charles Higham เขียนในขณะที่ Seiderman ได้พัฒนาวิธีการแต่งหน้าของเขาเอง [46] : 157 ไซเดอร์แมนได้พัฒนาแผนอย่างถี่ถ้วนสำหรับการทำให้ตัวละครหลักแก่ชราลง ขั้นแรกให้หล่อปูนปลาสเตอร์ที่ใบหน้าของนักแสดงแต่ละคนที่มีอายุมากขึ้น เขาทำแม่พิมพ์ปูนปลาสเตอร์เป็นรูปร่างของเวลเลสลงไปที่สะโพก [86] : 46
“เทคนิคการปั้นของฉันสำหรับอายุของตัวละครได้รับการจัดการโดยการเพิ่มชิ้นส่วนของดินเหนียวสีขาวซึ่งเข้ากับปูนปลาสเตอร์ลงบนพื้นผิวของหน้าอกแต่ละอัน” ไซเดอร์แมนบอกกับนอร์แมนแกมบิล เมื่อ Seiderman ประสบความสำเร็จตามที่ต้องการ เขาหล่อชิ้นส่วนดินเหนียวด้วยวัสดุพลาสติกอ่อน[86] : 46 ที่เขาคิดค้นขึ้นเอง [85] : 20 จากนั้นจึงวางเครื่องใช้เหล่านี้ไว้บนหน้าอกปูนปลาสเตอร์และทำแม่พิมพ์สี่ชิ้นสำหรับแต่ละช่วงอายุ จากนั้นหล่อจะถูกทาสีทั้งหมดและจับคู่กับวิกที่เหมาะสมเพื่อการประเมิน [86] : 46–47
ก่อนที่นักแสดงจะเดินต่อหน้ากล้องในแต่ละวัน ชิ้นส่วนที่ยืดหยุ่นได้จะถูกนำไปใช้กับใบหน้าของพวกเขาโดยตรงเพื่อสร้างภาพประติมากรรมของไซเดอร์แมนขึ้นมาใหม่ ผิวหน้าถูกทาสีทับด้วยสารพลาสติกสีแดงที่ยืดหยุ่นได้ [86] : 43 พื้นสีแดงทำให้เกิดโทนสีอบอุ่นที่ฟิล์มแพน โครมาติกหยิบขึ้น มา จากนั้นใช้สีจาระบีเหลวและสุดท้ายคือแป้งฝุ่นโปร่งแสงที่ไม่มีสี [86] : 42–43 Seiderman สร้างผลกระทบของรูขุมขนบนใบหน้าของ Kane โดยการทำให้พื้นผิวเป็นรอยด้วยสารลบที่ทำจากเปลือกส้ม [86] : 42, 47
บ่อยครั้งที่ Welles มาถึงกองถ่ายเวลา 02:30 น. [20] : 69 เนื่องจากการแต่งหน้าประติมากรรมใช้เวลา 3½ ชั่วโมงสำหรับการจุติของ Kane ที่เก่าแก่ที่สุด เครื่องสำอางรวมถึงอุปกรณ์ในการเสริมอายุไหล่ หน้าอก และท้องของ Welles [85] : 19–20 "ในภาพยนตร์และภาพถ่ายการผลิต คุณจะเห็นว่า Kane มีพุงยื่นออกมา" Seiderman กล่าว “นั่นไม่ใช่เครื่องแต่งกาย แต่เป็นรูปปั้นยางที่สร้างภาพขึ้นมา คุณสามารถเห็นได้ว่าเสื้อเชิ้ตผ้าไหมของ Kane เปียกชุ่มไปกับร่างกายของตัวละครอย่างไร มันไม่สามารถทำได้ด้วยวิธีอื่น” [86] : 46
ไซเดอร์แมนร่วมงานกับชาร์ลส์ ไรท์เกี่ยวกับวิกผม สิ่งเหล่านี้ผ่านฝาครอบกะโหลกที่ยืดหยุ่นได้ซึ่ง Seiderman สร้างขึ้นและเย็บเข้าที่ด้วยด้ายยางยืด เมื่อเขาพบว่าวิกผมเต็มเกินไป เขาจึงแก้ผมทีละเส้นเพื่อเปลี่ยนรูปร่าง หนวดของ Kane ถูกสอดเข้าไปในพื้นผิวการแต่งหน้าทีละสองสามเส้น เพื่อให้สีและพื้นผิวแตกต่างกันอย่างสมจริง [86] : 43, 47 นอกจากนี้เขายังทำเลนส์สเกลรัลสำหรับ Welles, Dorothy Comingore, George Coulouris และ Everett Sloane เพื่อลดความสดใสของดวงตาในวัยเยาว์ของพวกเขา เลนส์ใช้เวลานานในการประกอบให้พอดี และ Seiderman ก็เริ่มทำงานก่อนที่จะคิดค้นการแต่งหน้าอื่นๆ "ฉันวาดพวกมันตามวัยเป็นช่วงๆ ลงท้ายด้วยเส้นเลือดและอาร์คัสเซนิลิสในวัยชรา" [86]: 47 ทัวร์เดอบังคับของ Seiderman เป็นภาพตัดต่ออาหารเช้า ถ่ายทำทั้งหมดในวันเดียว “สิบสองปี สองปีที่ถ่ายทำแต่ละฉาก” เขากล่าว [86] : 47
สตูดิโอใหญ่ๆ ให้เครดิตหน้าจอสำหรับการแต่งหน้าแก่หัวหน้าแผนกเท่านั้น เมื่อหัวหน้าแผนกแต่งหน้าของ RKO Mel Bernsปฏิเสธที่จะแบ่งปันเครดิตกับ Seiderman ซึ่งเป็นเพียงเด็กฝึกงาน Welles บอกกับ Berns ว่าจะไม่มีการชดเชยเครดิต Welles ลงนามโฆษณาขนาดใหญ่ในหนังสือพิมพ์ Los Angeles: [85] : 22 [86] : 48
ขอขอบคุณทุกคนที่ได้รับเครดิตจากหน้าจอสำหรับ "CITIZEN KANE"
และขอขอบคุณผู้ ที่ไม่ขอบคุณ
นักแสดงทั้งหมด ทีมงาน สำนักงาน นักดนตรี ทุกคน
และโดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับ MAURICE SEIDERMAN ซึ่งเป็นช่างแต่งหน้าที่ดีที่สุดในโลก[85] : 20
ชุด
แม้ว่าจะได้รับเครดิตในฐานะผู้ช่วย แต่ เพอร์รี เฟอร์กูสันเป็นผู้ควบคุมงานกำกับศิลป์ของภาพยนตร์เรื่องนี้ [44] : 85 Welles และ Ferguson เข้ากันได้ระหว่างการทำงานร่วมกัน [18] : 37 ในช่วงหลายสัปดาห์ก่อนที่การผลิตจะเริ่มขึ้นที่ Welles โทแลนด์และเฟอร์กูสันพบกันเป็นประจำเพื่อหารือเกี่ยวกับภาพยนตร์เรื่องนี้และวางแผนทุกช็อต การออกแบบฉาก และอุปกรณ์ประกอบฉาก เฟอร์กูสันจะจดบันทึกในระหว่างการสนทนาและสร้างการออกแบบฉากและสตอรี่บอร์ดคร่าวๆ สำหรับแต่ละช็อต หลังจาก Welles อนุมัติภาพร่างคร่าวๆ แล้ว Ferguson ได้สร้างแบบจำลองขนาดจิ๋วสำหรับ Welles และ Toland เพื่อทดลองกับกล้องปริทรรศน์เพื่อซ้อมและยิงให้สมบูรณ์แบบ จากนั้นเฟอร์กูสันได้วาดแบบรายละเอียดสำหรับการออกแบบฉาก รวมถึงการออกแบบแสงของภาพยนตร์เรื่องนี้ด้วย การออกแบบฉากเป็นส่วนสำคัญของรูปลักษณ์โดยรวมของภาพยนตร์และการถ่ายทำภาพยนตร์ของโทลันด์ [18] : 42
ในสคริปต์ต้นฉบับ ห้องโถงใหญ่ที่ Xanadu จำลองมาจากห้องโถงใหญ่ในปราสาท Hearst และการออกแบบรวมถึงการผสมผสานระหว่างสไตล์เรอเนซองส์และโกธิค [18] : 50–51 "องค์ประกอบของ Hearstian ถูกนำออกมาในลักษณะที่ขัดแย้งกันของรูปแบบสถาปัตยกรรมและลวดลายที่ไม่ลงรอยกัน" Carringer เขียน [18] : 54 ก่อนที่ RKO จะตัดงบประมาณของภาพยนตร์ การออกแบบของเฟอร์กูสันนั้นซับซ้อนกว่าและคล้ายกับการออกแบบการผลิตของ ภาพยนตร์ Cecil B. DeMilleและIntolerance ใน ยุคแรก [18] : 55 การตัดงบประมาณทำให้งบประมาณของเฟอร์กูสันลดลง 33 เปอร์เซ็นต์ และงานของเขามีมูลค่ารวม 58,775 ดอลลาร์[18] : 65 ซึ่งต่ำกว่าค่าเฉลี่ยในขณะนั้น [82] : 93
เพื่อช่วยประหยัดค่าใช้จ่าย เฟอร์กูสันและเวลส์เขียนฉากในห้องนั่งเล่นของซานาดูใหม่ และส่งพวกเขาไปที่ห้องโถงใหญ่ พบบันไดขนาดใหญ่จากภาพยนตร์เรื่องอื่นและใช้โดยไม่มีค่าใช้จ่ายเพิ่มเติม [18] : 56–57 เมื่อถูกถามเกี่ยวกับงบประมาณที่จำกัด เฟอร์กูสันกล่าวว่า "บ่อยครั้งมาก เช่นเดียวกับฉาก 'ซานาดู' ที่มีการถกเถียงกันอย่างมากในCitizen Kaneเราสามารถสร้างฉากหน้า ฉากหลัง และการจัดแสงในจินตนาการได้ บนหน้าจอมากกว่าที่มีอยู่จริงบนเวที" [18] : 65–66 ตามงบประมาณอย่างเป็นทางการของภาพยนตร์เรื่องนี้มีการสร้างฉาก 81 ชุด แต่เฟอร์กูสันกล่าวว่ามีระหว่าง 106 ถึง 116 ชุด[18] : 64
ภาพนิ่งของปราสาท Ohekaในฮันติงตัน นิวยอร์กถูกนำมาใช้ในการตัดต่อเปิด ซึ่งแสดงถึงที่ดิน Xanadu ของ Kane [87] [88]เฟอร์กูสันยังออกแบบรูปปั้นจากคอลเลกชันของ Kane ด้วยสไตล์ตั้งแต่กรีกไปจนถึงโกธิคเยอรมัน [18] : 61 ชุดถูกสร้างขึ้นเพื่อรองรับการเคลื่อนไหวของกล้องของ Toland ผนังถูกสร้างขึ้นให้พับได้และเฟอร์นิเจอร์สามารถเคลื่อนย้ายได้อย่างรวดเร็ว เพดานที่มีชื่อเสียงของภาพยนตร์เรื่องนี้ทำจากผ้ามัสลินและกล่องกล้องถูกสร้างขึ้นบนพื้นสำหรับถ่ายภาพมุมต่ำ [18] : 64–65 เวลส์กล่าวในภายหลังว่าเขาภูมิใจที่มูลค่าการผลิตภาพยนตร์ดูแพงกว่างบประมาณของภาพยนตร์มาก แม้ว่าจะไม่ได้ร่วมงานกับ Welles อีกเลย แต่ Toland และ Ferguson ก็ร่วมงานกันในภาพยนตร์หลายเรื่องในช่วงปี 1940 [18] : 65
เทคนิคพิเศษ
เอฟเฟ็กต์พิเศษของภาพยนตร์เรื่องนี้ได้รับการดูแลโดยหัวหน้าแผนก RKO เวอร์นอน แอล. วอล์กเกอร์ [44] : 85 Welles เป็นผู้บุกเบิกวิชวลเอฟเฟ็กต์หลายอย่างเพื่อถ่ายภาพสิ่งต่างๆ เช่น ฉากฝูงชนและพื้นที่ภายในขนาดใหญ่ในราคาถูก ตัวอย่างเช่น ฉากที่กล้องในโรงอุปรากรยกสูงขึ้นอย่างมากไปที่คาน เพื่อแสดงให้เห็นคนงานที่ไม่ชื่นชมการแสดงของซูซาน อเล็กซานเดอร์ เคน ถ่ายโดยกล้องที่หันขึ้นไปเหนือฉากการแสดง แล้วม่านก็เช็ด ออกไปที่ส่วนเล็ก ๆ ของส่วนบนของบ้านแล้วเช็ดผ้าม่านอีกครั้งเพื่อให้ตรงกับฉากของคนงานอีกครั้ง ฉากอื่นๆ ใช้วัตถุขนาดเล็กอย่างมีประสิทธิภาพเพื่อทำให้ภาพยนตร์ดูมีราคามากกว่าความเป็นจริง เช่น ภาพต่างๆ ของ Xanadu [89]
ภาพบางภาพมีการฉายภาพด้านหลังเป็นฉากหลัง เช่น บทสัมภาษณ์ของทอมป์สันเกี่ยวกับเลแลนด์ และพื้นหลังมหาสมุทรบางส่วนที่ซานาดู [18] : 88 Bordwell อ้างว่าฉากที่ Thatcher ตกลงที่จะเป็นผู้พิทักษ์ของ Kane ใช้การฉายภาพด้านหลังเพื่อพรรณนา Kane ในวัยเยาว์ในฉากหลัง [73] : 74 ต้องใช้ทีมงานเทคนิคพิเศษจากแผนกของ Walker สำหรับการ ถ่ายภาพ ระยะใกล้เช่น ริมฝีปากของ Kane เมื่อเขาพูดว่า "Rosebud" และช็อตของเครื่องพิมพ์ดีดที่กำลังพิมพ์บทวิจารณ์ที่ไม่ดีของ Susan [18] : 88
Dunn ศิลปินด้านเอฟเฟกต์แสงอ้างว่า "มากถึง 80 เปอร์เซ็นต์ของวงล้อบางส่วนถูกพิมพ์ด้วยแสง" ภาพเหล่านี้สืบเนื่องมาจาก Toland เป็นเวลาหลายปี [90] : 110 เครื่องพิมพ์แบบออปติคอลปรับปรุงการถ่ายภาพโฟกัสชัดลึกบางภาพ [18] : 92 ปัญหาอย่างหนึ่งของเครื่องพิมพ์แบบออปติคัลคือบางครั้งมันสร้างเม็ดที่มากเกินไป เช่น การซูมแบบออปติคัลออกจากสโนว์โกลบ Welles ตัดสินใจซ้อนทับหิมะที่ตกลงมาเพื่อปกปิดความเป็นเม็ดเล็กๆ ในภาพเหล่านี้ [18] : 94 Toland บอกว่าเขาไม่ชอบผลลัพธ์ของเครื่องพิมพ์ออปติคัล[18] : 92 แต่ยอมรับว่า "ผู้เชี่ยวชาญด้านเอฟเฟ็กต์พิเศษของ RKO เวอร์นอน วอล์กเกอร์, ASC และพนักงานของเขาจัดการในส่วนของการผลิต—ซึ่งไม่ใช่งานมอบหมายที่ไม่สำคัญเลย—ด้วยความสามารถและความเข้าใจที่ดี” [73] : 74–75
ไม่ว่าเวลาใดที่โฟกัสชัดลึกเป็นไปไม่ได้—อย่างเช่นในฉากที่ Kane จบบทวิจารณ์เชิงลบเกี่ยวกับโอเปร่าของ Susan ในขณะเดียวกันก็ยิงคนที่เริ่มเขียนบทวิจารณ์—เครื่องพิมพ์ออปติคอลถูกใช้เพื่อทำให้ทั้งหน้าจอปรากฏในโฟกัสด้วยสายตา ซ้อนฟิล์มแผ่นหนึ่งเข้ากับอีกแผ่นหนึ่ง [18] : 92 อย่างไรก็ตาม บางภาพที่โฟกัสชัดลึกเป็นผลมาจากเอฟเฟ็กต์ในกล้องเช่นในฉากที่มีชื่อเสียงที่ Kane บุกเข้าไปในห้องของ Susan หลังจากที่เธอพยายามฆ่าตัวตาย ในพื้นหลัง Kane และชายอีกคนหนึ่งบุกเข้าไปในห้องในขณะที่ขวดยาและแก้วที่มีช้อนอยู่ในระยะใกล้ในเบื้องหน้า ภาพเป็นแบบด้าน ในกล้องยิง ฉากหน้าถูกยิงก่อน โดยพื้นหลังมืด จากนั้นแบ็คกราวด์สว่างขึ้น โฟร์กราวด์มืดลง ฟิล์มกรอกลับ และถ่ายฉากใหม่ด้วยแอ็กชันแบ็คกราวด์ [18] : 82
ดนตรี
ดนตรีประกอบภาพยนตร์เรื่องนี้แต่งโดยBernard Herrmann [91] : 72 Herrmann ได้แต่งเพลงให้กับ Welles สำหรับการออกอากาศทางวิทยุของ Mercury Theatre [91] : 63 เนื่องจากเป็นผลงานภาพยนตร์ชิ้นแรกของ Herrmann RKO จึงต้องการจ่ายค่าธรรมเนียมเล็กน้อยให้เขา แต่ Welles ยืนยันว่าเขาจะได้รับค่าจ้างในอัตราเดียวกับMax Steiner [91] : 72
คะแนนดังกล่าวทำให้แฮร์มันน์เป็นนักแต่งเพลงประกอบภาพยนตร์คนใหม่ที่สำคัญ[45]และละทิ้งแนวปฏิบัติทั่วไปของฮอลลีวูดในการให้คะแนนภาพยนตร์โดยแทบไม่มีเพลงหยุด แทนที่จะใช้สิ่งที่เขาอธิบายในภายหลังว่า "การให้คะแนนวิทยุ" แทน สัญญาณดนตรีโดยทั่วไปจะมีความยาว 5–15 วินาทีที่เชื่อมโยงการกระทำหรือแนะนำการตอบสนองทางอารมณ์ที่แตกต่างกัน [91] : 77–78 ลำดับการตัดต่ออาหารเช้าเริ่มต้นด้วยธีมเพลงวอลทซ์ที่สง่างามและเข้มขึ้นตามการเปลี่ยนแปลงแต่ละรูปแบบในธีมนั้นเมื่อเวลาผ่านไปทำให้บุคลิกภาพของ Kane แข็งกระด้างและทำให้การแต่งงานครั้งแรกของเขาพังทลาย [92] [93]
แฮร์มันน์ตระหนักดีว่านักดนตรีที่มีกำหนดจะเล่นดนตรีของเขาได้รับการว่าจ้างสำหรับแต่ละเซสชันที่ไม่เหมือนใคร ไม่จำเป็นต้องเขียนสำหรับวงดนตรีที่มีอยู่ นี่หมายความว่าเขามีอิสระที่จะให้คะแนนเครื่องดนตรีที่ไม่ธรรมดา แม้แต่เครื่องดนตรีที่ไม่เคยได้ยินทั่วไป ในซีเควนซ์เปิด เช่น ทัวร์ชมที่ดินซานาดูของ Kane แฮร์มันน์แนะนำเพลงบรรเลงซ้ำๆ ที่เล่นโดยเครื่องลมไม้ต่ำ รวมถึงอัลโตฟลุต สี่ชุด [94]
สำหรับลำดับการแสดงโอเปร่าของซูซาน อเล็กซานเดอร์ เคน เวลส์แนะนำให้แฮร์มันน์แต่งเพลงล้อเลียนยานพาหนะของแมรี่ การ์เดนซึ่งเป็นเพลงจาก ซา ลัม โบ [20] : 57 "โจทย์ของเราคือการสร้างสิ่งที่จะทำให้ผู้ชมรู้สึกเหมือนทรายดูด ซึ่งจู่ๆ เด็กหญิงตัวเล็ก ๆ ธรรมดาคนนี้ ซึ่งมีเสียงเล็ก ๆ ที่มีเสน่ห์แต่มีเสน่ห์ก็โผล่เข้ามา" แฮร์มันน์กล่าว [91] : 79 การเขียนในรูปแบบของโอเปร่าโอเรียนเต็ลฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 19, [68]แฮร์มันน์ใส่เพลงในคีย์ที่จะบังคับให้นักร้องเครียดเพื่อไปถึงโน้ตเสียงสูง ซึ่งจบลงด้วย D ที่สูง ซึ่งอยู่นอกตัวเพลง ช่วงของซูซาน อเล็กซานเดอร์ [91] : 79–80 Soprano Jean Forward พากย์เสียงให้กับ Comingore เฮาส์แมนอ้างว่าได้เขียนบทประพันธ์โดยอ้างอิงจากAthalieและPhedreของJean Racine , [32] : 460–461 แม้ว่าความสับสนจะยังคงอยู่เนื่องจากLucille Fletcherจำได้ว่ากำลังเตรียมเนื้อเพลง [91] : 80 Fletcher ซึ่งเป็นภรรยาของ Herrmann ในขณะนั้น ได้เขียนบทประพันธ์สำหรับโอเปร่าWuthering Heightsของเขา [91] : 11
ผู้ที่ชื่นชอบดนตรีควรพิจารณาฉากที่ Susan Alexander Kane พยายามร้องเพลง Cavatina "Una voce poco fa" อันโด่งดังจากIl barbiere di SivigliaโดยGioachino Rossiniร่วมกับผู้ฝึกสอนเสียงร้อง Signor Matiste ซึ่งเป็นฉากที่น่าจดจำอย่างยิ่งสำหรับการถ่ายทอดความน่ากลัวของการเรียนรู้ดนตรีผ่านความผิดพลาด [95]
ในปี 1972 แฮร์มันน์กล่าวว่า "ฉันโชคดีที่ได้เริ่มต้นอาชีพด้วยภาพยนตร์อย่างCitizen Kaneนับตั้งแต่นั้นเป็นต้นมาก็ตกต่ำ!" Welles ชอบบทประพันธ์ของ Herrmann และบอกกับผู้กำกับHenry Jaglomว่ามีส่วนรับผิดชอบ 50 เปอร์เซ็นต์สำหรับความสำเร็จทางศิลปะของภาพยนตร์เรื่องนี้ [91] : 84
เพลงบังเอิญบางเพลงมาจากแหล่งอื่น Welles ได้ยินเพลงที่ใช้สำหรับธีมของผู้เผยแพร่ "Oh, Mr. Kane" ในเม็กซิโก [20] : 57 เรียกว่า "A Poco No" เพลงนี้เขียนโดยPepe Guízarและเนื้อเพลงพิเศษเขียนโดย Herman Ruby [96]
"In a Mizz" เพลงแจ๊สปี 1939 ของCharlie Barnetและ Haven Johnson จบบทสัมภาษณ์ Susan Alexander Kane ครั้งที่สองของ Thompson [18] : 108 [96] "ฉันใช้ฉากทั้งหมดตามเพลงนั้น" Welles กล่าว "ดนตรีเป็นของแนท โคล — ทั้งสามวงของเขา" [20] : 56 ต่อมาเริ่มด้วยเนื้อเพลง "It can't be love"—"In a Mizz" แสดงที่ Everglades picnic โดยวางกรอบการต่อสู้ในเต็นท์ระหว่าง Susan และ Kane [18] : นักดนตรี108 คน รวมทั้งหัวหน้าวง Cee Pee Johnson (กลอง), Alton Redd (ร้อง), Raymond Tate (ทรัมเป็ต), Buddy Collette (อัลโตแซก) และBuddy Banks(เทเนอร์แซ็กโซโฟน) เป็นจุดเด่น [97]
เพลงทั้งหมดที่ใช้ในภาพยนตร์ข่าวมาจากคลังเพลง RKO ซึ่งแก้ไขตามคำขอของ Welles โดยแผนกภาพยนตร์ข่าวเพื่อให้ได้สิ่งที่ Herrmann เรียกว่า "วิธีการตัดที่บ้าคลั่งของพวกเขาเอง" ธีมข่าวในเดือนมีนาคมที่มาพร้อมกับชื่อภาพข่าวคือ "Belgian March" โดยAnthony Collinsจากภาพยนตร์เรื่องNurse Edith Cavell ตัวอย่างอื่นๆ คือข้อความที่ตัดตอนมาจากเพลงประกอบภาพยนตร์Gunga Din (การสำรวจซานาดู) ของAlfred Newman ) ธีมของRoy Webb สำหรับภาพยนตร์เรื่อง Reno (การเติบโตของอาณาจักร Kane) และเพลงประกอบภาพยนตร์ Five Came Back ของ Webb เรื่องFive Came Back (บทแนะนำ Walter ปาร์คแทตเชอร์). [91] : 79 [96]
แก้ไข
หนึ่งในเทคนิคการตัดต่อที่ใช้ในCitizen Kaneคือการใช้ภาพตัดต่อเพื่อยุบเวลาและพื้นที่ โดยใช้ลำดับตอนในชุดเดียวกันในขณะที่ตัวละครเปลี่ยนเครื่องแต่งกายและการแต่งหน้าระหว่างการตัด เพื่อให้ฉากที่ตามมาแต่ละภาพจะดูราวกับว่า มันเกิดขึ้นในสถานที่เดียวกัน แต่เป็นเวลานานหลังจากการตัดครั้งก่อน ในการตัดต่ออาหารเช้า Welles บันทึกรายละเอียดของการแต่งงานครั้งแรกของ Kane ในรูปแบบสั้น ๆ 5 ภาพที่ย่อเรื่องราว 16 ปีให้เป็นเวลาหน้าจอสองนาที [98] Welles กล่าวว่าแนวคิดสำหรับฉากอาหารเช้า "ถูกขโมยไปจากThe Long Christmas DinnerโดยThornton Wilder ... บทละครหนึ่งองก์ซึ่งเป็นอาหารค่ำวันคริสต์มาสที่ยาวนานซึ่งจะพาคุณผ่านชีวิตครอบครัว 60 ปี" [20] : 51 ภาพยนตร์เรื่องนี้มักจะใช้การละลายเป็นเวลานานเพื่อสื่อถึงการผ่านไปของเวลาและผลกระทบทางจิตใจ ของตัวละครต่างๆ เช่น ฉากที่รถเลื่อนที่ถูกทิ้งร้างถูกปกคลุมด้วยหิมะหลังจากที่ Kane วัยเยาว์ถูกส่งตัวไปพร้อมกับ Thatcher [74] : 90–91
Welles ได้รับอิทธิพลจากทฤษฎีการตัดต่อของSergei Eisensteinโดยใช้การตัดต่อที่สั่นสะเทือนซึ่งทำให้เกิด "ภาพกราฟิกหรือคอนทราสต์ที่เชื่อมโยงอย่างกะทันหัน" เช่น การตัดต่อจากเตียงมรณะของ Kane จนถึงจุดเริ่มต้นของลำดับข่าวในเดือนมีนาคมและช็อตนกกระตั้ว ส่งเสียงร้องอย่างกะทันหัน ที่ จุดเริ่มต้นของการย้อนอดีตของเรย์มอนด์ [74] : 88–89 แม้ว่าโดยทั่วไปแล้วภาพยนตร์เรื่องนี้จะชอบการตัดต่อแบบ mise-en-scène แต่ฉากที่ Kane ไปที่อพาร์ตเมนต์ของ Susan Alexander หลังจากพบกันครั้งแรกเป็นฉากเดียวที่ตัดเป็นโคลสอัพด้วยช็อตและตอบโต้ ช็อตระหว่าง Kane และ Susan [44] : 68 Fabe กล่าวว่า "ด้วยการใช้เทคนิคฮอลลีวูดมาตรฐานเท่าที่จำเป็น [Welles] ฟื้นฟูการแสดงออกทางจิตวิทยาของมัน" [74] : 88
ธีมทางการเมือง
ลอรา มัลวีย์สำรวจแนวคิดต่อต้านฟาสซิสต์ของCitizen Kane ในเอกสารของเธอสำหรับ British Film Institute ใน ปี1992 ข่าวบนสื่อข่าวประจำเดือนมีนาคมนำเสนอ Kane คอยเป็นเพื่อนกับฮิตเลอร์และเผด็จการคนอื่น ๆ ในขณะที่เขาให้ความมั่นใจกับสาธารณชนอย่างแข็งกร้าวว่าจะไม่มีสงคราม [99] : 44 เธอเขียนว่าภาพยนตร์เรื่องนี้สะท้อนถึง "การต่อสู้ระหว่างการแทรกแซงและความโดดเดี่ยว" จากนั้นจึงถูกขับเคี่ยวในสหรัฐอเมริกา; ภาพยนตร์เรื่องนี้ออกฉายหกเดือนก่อนการโจมตีเพิร์ลฮาร์เบอร์ ในขณะที่ประธานาธิบดีแฟรงกลิน ดี. รูสเวลต์กำลังทำงานเพื่อเอาชนะความคิดเห็นของสาธารณชนในการเข้าสู่สงครามโลกครั้งที่สอง "ในสำนวนของCitizen Kane," มัลวีย์เขียน "ชะตากรรมของลัทธิโดดเดี่ยวได้รับการตระหนักในอุปมา: ในชะตากรรมของ Kane เอง, ผู้มั่งคั่งที่กำลังจะตายและโดดเดี่ยว, ล้อมรอบด้วยเศษซากของวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ยุโรป" [44] : 15
นักข่าวอิกนาซิโอ ราโมเนต์ได้อ้างถึงภาพยนตร์เรื่องนี้ว่าเป็นตัวอย่างแรกๆ ของ การ บิดเบือนความคิดเห็นสาธารณะของสื่อมวลชนและ อำนาจที่กลุ่มบริษัทสื่อมีอิทธิพลต่อกระบวนการประชาธิปไตย เขาเชื่อว่าตัวอย่างแรก ๆ ของเจ้าพ่อสื่อที่มีอิทธิพลต่อการเมืองนั้นล้าสมัยไปแล้ว และทุกวันนี้ "มีกลุ่มสื่อที่มีอำนาจของ Citizen Kanes หนึ่งพันคน" [100] [101]เจ้าพ่อสื่อRupert Murdochบางครั้งถูกระบุว่าเป็นCitizen Kaneในยุคสุดท้าย [102] [103]
มีการเปรียบเทียบระหว่างอาชีพและลักษณะของDonald Trumpและ Charles Foster Kane [104] [105] [106] มีรายงานว่า Citizen Kaneเป็นหนึ่งในภาพยนตร์เรื่องโปรดของ Trump และTim O'Brien ผู้เขียนชีวประวัติของเขา กล่าวว่า Trump รู้สึกทึ่งและรู้สึกประทับใจกับ Kane [107]ในการให้สัมภาษณ์กับผู้สร้างภาพยนตร์Errol Morrisทรัมป์อธิบายการตีความธีมของภาพยนตร์ด้วยตัวเอง โดยกล่าวว่า "คุณเรียนรู้จาก 'เคน' บางทีความร่ำรวยอาจไม่ใช่ทุกอย่าง เพราะเขามั่งคั่งแต่ไม่มีความสุข ในชีวิตจริง ผมเชื่อว่าความร่ำรวยมีอยู่จริง แยกคุณออกจากคนอื่น ๆ มันเป็นกลไกป้องกัน - คุณมียามมากขึ้น [กว่า] ถ้าคุณไม่มีทรัพย์สมบัติ ... บางทีฉันอาจเข้าใจได้ "
เดอะก็อดฟา เธอร์
การผลิต
การพัฒนา
ภาพยนตร์สร้างจากเรื่องThe GodfatherของMario Puzoซึ่งยังคงอยู่ในรายชื่อหนังสือขายดีของ New York Timesเป็นเวลา 67 สัปดาห์ และขายได้มากกว่า 9 ล้านเล่มในสองปี [8] [9] [10]ตีพิมพ์ในปี พ.ศ. 2512 กลายเป็นงานพิมพ์ที่ขายดีที่สุดในประวัติศาสตร์เป็นเวลาหลายปี [11]เดิมที Paramount Picturesค้นพบเกี่ยวกับนวนิยายของ Puzo ในปี 1967 เมื่อหน่วยสอดแนมวรรณกรรมของบริษัทได้ติดต่อPeter Bart รองประธานฝ่ายการผลิตของ Paramount เกี่ยวกับต้นฉบับหกสิบหน้าที่ยังไม่เสร็จของ Puzo [9] บาร์ตเชื่อว่างานนี้ "เกินกว่าเรื่องราวของมาเฟีย" และเสนอตัวเลือก 12,500 ดอลลาร์สำหรับ Puzo สำหรับงานนี้ พร้อมตัวเลือก 80,000 ดอลลาร์ หากผลงานที่เสร็จแล้วถูกนำไปสร้างเป็นภาพยนตร์ [9] [12]แม้ตัวแทนของ Puzo จะบอกให้เขาปฏิเสธข้อเสนอ แต่ Puzo ก็หมดหวังเรื่องเงินและยอมรับข้อตกลง [9] [12] Robert Evansจาก Paramount เล่าว่าเมื่อพวกเขาพบกันในต้นปี 2511 เขาเสนอข้อตกลง Puzo มูลค่า 12,500 ดอลลาร์สำหรับต้นฉบับ 60 หน้าชื่อMafia หลังจากที่ผู้เขียนบอกเขาว่าต้องการเงิน 10,000 ดอลลาร์อย่างเร่งด่วนเพื่อชำระหนี้การพนัน [13]
ในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2510 Paramount ประกาศว่าพวกเขาสนับสนุนผลงานที่กำลังจะมีขึ้นของ Puzo ด้วยความหวังที่จะสร้างภาพยนตร์ [9]ในปี 1969 Paramount ยืนยันความตั้งใจที่จะสร้างภาพยนตร์จากนวนิยายในราคา 80,000 ดอลลาร์[N 3] [12] [14] [15] [16]โดยมีเป้าหมายให้ภาพยนตร์เรื่องนี้ออกฉายในวันคริสต์มาส ในปีพ.ศ. 2514 ในวันที่ 23มีนาคม พ.ศ. 2513 อัลเบิร์ต เอส. รัด ดี ได้รับการประกาศอย่างเป็นทางการในฐานะผู้อำนวยการสร้างภาพยนตร์เรื่องนี้ ส่วนหนึ่งเป็นเพราะผู้บริหารของสตูดิโอประทับใจกับการสัมภาษณ์ของเขาและเพราะเขาเป็นที่รู้จักจากการนำภาพยนตร์ของเขาไปใช้ภายใต้งบประมาณ [18] [19] [20]
ทิศทาง
อีแวนส์ต้องการให้ภาพนี้กำกับโดยชาวอเมริกันเชื้อสายอิตาลีเพื่อทำให้ภาพยนตร์เรื่องนี้ [21] [22]ภาพยนตร์มาเฟียเรื่องล่าสุดของ Paramount เรื่องThe Brotherhoodทำได้ไม่ดีนักในบ็อกซ์ออฟฟิศ [10] [23]อีแวนส์เชื่อว่าสาเหตุของความล้มเหลวคือการขาดนักแสดงหรือบุคลากรที่มีความคิดสร้างสรรค์เชื้อสายอิตาลีเกือบทั้งหมด (ผู้กำกับMartin RittและดาราKirk Douglasไม่ใช่คนอิตาลี) Sergio Leoneเป็นตัวเลือกแรกของ Paramount ในการกำกับภาพยนตร์เรื่องนี้ [24] [25]ลีโอนปฏิเสธตัวเลือกนี้เพื่อทำงานในภาพยนตร์อันธพาลของเขาเองกาลครั้งหนึ่งในอเมริกา . [24] [25] จากนั้น Peter Bogdanovichก็ได้รับการติดต่อ แต่เขาปฏิเสธข้อเสนอเช่นกันเพราะเขาไม่สนใจมาเฟีย [26] [27] [28]นอกจากนี้ Peter Yates ,Richard Brooks , Arthur Penn , Costa-Gavrasและ Otto Premingerต่างก็เสนอตำแหน่งและปฏิเสธ [29] [30]ผู้ช่วยหัวหน้าของอีแวนส์ ปีเตอร์ บาร์ตแนะนำฟรานซิส ฟอร์ด คอปโปลาในฐานะผู้กำกับเชื้อสายอิตาลีที่จะทำงานด้วยเงินก้อนและงบประมาณที่ต่ำหลังจากการต้อนรับที่ไม่ดีของภาพยนตร์เรื่องล่าสุดของเขาThe Rain People[31] [21]ในตอนแรกคอปโปลาปฏิเสธงานเพราะเขาพบว่านวนิยายของ Puzo ไม่ค่อยดีนักและเป็นนักโลดโผนโดยอธิบายว่าเป็น [13] [32]ในเวลานั้น American Zoetrope สตูดิ โอของ Coppola [33] เป็นหนี้ Warner Bros.กว่า 400,000 ดอลลาร์สำหรับงบประมาณที่มากเกินไปสำหรับภาพยนตร์เรื่อง THX 1138และเมื่อประกอบกับสถานะทางการเงินที่ย่ำแย่ พร้อมกับคำแนะนำจากเพื่อนและครอบครัว คอปโปลากลับคำตัดสินเดิมและเข้ารับงาน [30] [34] [35] คอปโปลาได้รับการประกาศให้เป็นผู้กำกับภาพยนตร์เรื่องนี้อย่างเป็นทางการเมื่อวันที่ 28 กันยายน พ.ศ. 2513 คอปโปลาตกลงที่จะรับเงิน 125,000 ดอลลาร์ และ 6 เปอร์เซ็นต์ของค่าเช่าทั้งหมด [37] [38]ภายหลังคอปโปลาพบเนื้อหาที่ลึกซึ้งกว่านั้นและตัดสินใจว่าภาพยนตร์เรื่องนี้ไม่ควรเกี่ยวกับองค์กรอาชญากรรมแต่เป็นเรื่องราวเกี่ยวกับครอบครัว ซึ่งเป็นคำเปรียบเปรยของระบบทุนนิยมในอเมริกา [21]
คอปโปลาและพาราเมาต์
ก่อนที่The Godfatherจะเข้าฉาย Paramount ต้องผ่านช่วงเวลาที่ไม่ประสบความสำเร็จมาก่อน [10]นอกจากความล้มเหลวของThe Brotherhoodแล้ว ภาพยนตร์ล่าสุดเรื่องอื่น ๆ ที่ผลิตหรือร่วมอำนวยการสร้างโดย Paramount ก็ใช้งบประมาณเกินงบประมาณของพวกเขาอย่างมาก: Darling Lili , [19] Paint Your WagonและWaterloo [10] [23]งบประมาณสำหรับภาพยนตร์เรื่องนี้เดิมอยู่ที่ 2.5 ล้านดอลลาร์ แต่เมื่อหนังสือได้รับความนิยมมากขึ้น คอปโปลาโต้แย้งและท้ายที่สุดก็ได้รับงบประมาณที่มากขึ้น [N 1] [29] [39] [41]ผู้บริหารของ Paramount ต้องการให้ภาพยนตร์เรื่องนี้มีฉากอยู่ในKansas City ร่วมสมัยและถ่ายทำในฉากหลังของสตูดิโอเพื่อลดต้นทุน [29] [19] [39]คอปโปลาคัดค้านและต้องการสร้างภาพยนตร์ในช่วงเวลาเดียวกับนวนิยาย ทศวรรษที่ 1940 และ 1950; [19] [29] [35] [36]เหตุผลของ Coppola รวมถึง: นาวิกโยธินของ Michael Corleone จำกัด การเกิดขึ้นของ บริษัท อเมริกาและอเมริกาในช่วงหลายปีหลังสงครามโลกครั้งที่สอง นวนิยายเรื่องนี้ประสบความสำเร็จมากขึ้นเรื่อย ๆ และในที่สุดความปรารถนาของคอปโปลาก็ได้รับ [19] [39]ต่อมาหัวหน้าสตูดิโอปล่อยให้ Coppola ถ่ายทำในสถานที่ในนิวยอร์กซิตี้และซิซิลี [47]
Charles Bluhdornผู้บริหารของ Gulf+Western รู้สึกผิดหวังกับ Coppola เกี่ยวกับจำนวนการทดสอบหน้าจอที่เขาแสดงโดยไม่พบบุคคลที่จะมารับบทต่างๆ การผลิตลดลงอย่างรวดเร็วเพราะความไม่เด็ดขาดของคอปโปลาและความขัดแย้งกับ Paramount ซึ่งนำไปสู่ค่าใช้จ่ายประมาณ 40,000 ดอลลาร์ต่อวัน [42]ด้วยต้นทุนที่เพิ่มขึ้น Paramount จึงให้ Jack Ballard ซึ่งเป็นรองประธานาธิบดีคอยติดตามค่าใช้จ่ายในการผลิตอย่างใกล้ชิด ในระหว่างการถ่ายทำ Coppolaกล่าวว่าเขารู้สึกว่าเขาสามารถถูกไล่ออกได้ทุกเมื่อเนื่องจากเขารู้ว่าผู้บริหารของ Paramount ไม่พอใจกับการตัดสินใจหลายอย่างของเขา [29]คอปโปลารู้ว่าอีแวนส์ถามเอเลีย คาซานมารับหน้าที่กำกับภาพยนตร์เรื่องนี้ เพราะเขากลัวว่าคอปโปลาไม่มีประสบการณ์เกินกว่าจะรับมือกับขนาดการผลิตที่เพิ่มขึ้นได้ คอปโปลายังเชื่อมั่นว่าผู้ตัดต่อภาพยนตร์Aram Avakianและผู้ช่วยผู้กำกับ Steve Kestner สมรู้ร่วมคิดกันเพื่อไล่เขาออก Avakian บ่นกับ Evans ว่าเขาไม่สามารถแก้ไขฉากได้อย่างถูกต้องเนื่องจาก Coppola ยังถ่ายทำฟุตเทจไม่เพียงพอ อีแวนส์พอใจกับภาพที่ถูกส่งไปยังชายฝั่งตะวันตกและอนุญาตให้คอปโปลายิงทั้งคู่ คอปโปลาอธิบายในภายหลังว่า: "เช่นเดียวกับพ่อทูนหัว ฉันไล่คนออกก่อนการนัดหยุดงาน คนที่ตกปลามากที่สุดเพื่อให้ฉันไล่ออก ฉันไล่ออกแล้ว" แบรนโดขู่ว่าจะลาออกหากคอปโปลาถูกไล่ออก [29] [48]
Paramount ต้องการให้The Godfatherดึงดูดผู้ชมในวงกว้างและขู่คอปโปลาด้วย "โค้ชความรุนแรง" เพื่อทำให้ภาพยนตร์เรื่องนี้น่าตื่นเต้นยิ่งขึ้น คอปโปลาเพิ่มฉากรุนแรงอีกสองสามฉากเพื่อให้สตูดิโอมีความสุข ฉากที่ Connie ทุบถ้วยชามหลังจากพบว่า Carlo นอกใจถูกเพิ่มเข้ามาด้วยเหตุผลนี้ [35]
การเขียน
เมื่อวันที่ 14 เมษายน พ.ศ. 2513 มีการเปิดเผยว่า Puzo ได้รับการว่าจ้างจาก Paramount เป็นเงิน 100,000 ดอลลาร์ พร้อมด้วยเปอร์เซ็นต์ของผลกำไรของภาพยนตร์เรื่องนี้ เพื่อทำงานในบทภาพยนตร์เรื่องนี้ [20] [51] [52]จากการทำงานในหนังสือ คอปโปลาต้องการให้ธีมของวัฒนธรรม ลักษณะนิสัย อำนาจ และครอบครัวเป็นแนวหน้าของภาพยนตร์ ในขณะที่พูโซต้องการคงแง่มุมต่างๆ จากนวนิยายของเขา[53]และของเขา ฉบับร่างเริ่มต้น 150 หน้าเสร็จสิ้นในวันที่ 10 สิงหาคม พ.ศ. 2513 [51] [52]หลังจากที่คอปโปลาได้รับการว่าจ้างให้เป็นผู้กำกับ ทั้งพูโซและคอปโปลาก็ทำงานบทภาพยนตร์ แต่แยกกัน Puzoทำงานร่างของเขาในลอสแองเจลิสในขณะที่ Coppola เขียนเวอร์ชันของเขาในซานฟรานซิสโก [54]คอปโปลาสร้างหนังสือโดยเขาฉีกหน้าหนังสือของ Puzo แล้วแปะลงในหนังสือของเขา [55] [54]ที่นั่น เขาจดบันทึกเกี่ยวกับแต่ละฉากจากห้าสิบฉากของหนังสือ ซึ่งเกี่ยวข้องกับธีมหลักที่แพร่หลายในฉากนั้น ว่าฉากนั้นควรรวมอยู่ในภาพยนตร์หรือไม่ พร้อมกับแนวคิดและแนวคิดที่สามารถนำมาใช้ในการถ่ายทำ เพื่อให้ภาพยนตร์เรื่องนี้เข้ากับวัฒนธรรมอิตาลีอย่างแท้จริง [54] [48]ทั้งสองยังคงติดต่อกันในขณะที่พวกเขาเขียนบทภาพยนตร์ตามลำดับและตัดสินใจว่าจะรวมสิ่งใดและสิ่งใดที่จะลบออกสำหรับเวอร์ชันสุดท้าย ร่างที่สองเสร็จสิ้นในวันที่ 1 มีนาคม พ.ศ. 2514 และมีความยาว 173 หน้า [51] [56]บทภาพยนตร์สุดท้ายเสร็จสิ้นในวันที่ 29 มีนาคม พ.ศ. 2514 [52]และจบลงด้วยความยาว 163 หน้า[51] [54]40 หน้าเหนือสิ่งที่ Paramount ขอ เมื่อ ถ่ายทำ คอปโปลาอ้างถึงสมุดบันทึกที่เขาสร้างขึ้นเหนือร่างสุดท้ายของบทภาพยนตร์ [54] [48]โรเบิร์ต ทาวน์ ผู้ เขียนบทได้ทำงานที่ไม่น่าเชื่อถือในบทนี้ โดยเฉพาะฉากสวนปาชิโน-แบรนโด แม้จะเสร็จสิ้นร่างที่สามแล้ว แต่บางฉากในภาพยนตร์ก็ยังไม่ได้เขียนและเขียนขึ้นระหว่างการผลิต [59]
สันนิบาตเพื่อ สิทธิพลเมืองอิตาลี-อเมริกันนำโดยโจเซฟ โคลัมโบ นักเลงหัวไม้ ยืนยันว่าภาพยนตร์เรื่องนี้เน้นการเหมารวมเกี่ยวกับชาวอิตาลี-อเมริกัน และต้องการให้นำคำว่า " มาเฟีย " และ " โคซา นอสตรา" ออกจากบททั้งหมด [60] [17] [61] [62] [63]ลีกยังขอให้เงินทั้งหมดที่ได้รับจากรอบปฐมทัศน์บริจาคให้กับกองทุนของลีกเพื่อสร้างโรงพยาบาลแห่งใหม่ [62] [63]คอปโปลาอ้างว่าบทภาพยนตร์ของพูโซมีเพียงสองกรณีของคำว่า "มาเฟีย" ที่ใช้ ในขณะที่ "โคซา นอสตรา" ไม่ได้ใช้เลย [62] [63]พวกเขาถูกลบออกและแทนที่ด้วยเงื่อนไขอื่นโดยไม่ประนีประนอมกับเนื้อเรื่อง [62] [63]ในที่สุดลีกก็ให้การสนับสนุนสคริปต์ [62] [63]ก่อนหน้านี้ หน้าต่างรถของโปรดิวเซอร์อัลเบิร์ต เอส. รัด ดี ถูกยิงดับ โดยมีข้อความทิ้งไว้บนแดชบอร์ดซึ่งมีข้อความว่า "ปิดภาพยนตร์ ไม่อย่างนั้น" [21]
การคัดเลือกนักแสดง
.jpg)
Puzo เป็นคนแรกที่แสดงความสนใจที่จะให้Marlon Brandoแสดงเป็น Don Vito Corleone โดยส่งจดหมายถึง Brando ซึ่งเขาระบุว่า Brando เป็น "นักแสดงคนเดียวที่สามารถเล่นเป็นเจ้าพ่อได้" แม้จะมีความปรารถนาของ Puzo แต่ผู้บริหารของ Paramount ก็ต่อต้านการมี Brando ส่วนหนึ่งเป็นเพราะผลงานที่ย่ำแย่ของภาพยนตร์เรื่องล่าสุดของเขาและอารมณ์ชั่ววูบของเขาด้วย [39] [65]คอปโปลาชอบแบรนโดหรือลอเรนซ์โอลิเวียร์สำหรับบทบาทนี้[66] [67]แต่ตัวแทนของโอลิเวียร์ปฏิเสธบทบาทโดยอ้างว่าโอลิเวียร์ป่วย อย่างไรก็ตาม โอลิเวียร์ได้แสดงในSleuth ใน ปลายปีนั้น [67]สตูดิโอส่วนใหญ่ผลักดันให้เออร์เนสต์ บอร์ นไน น์รับบทนี้ [66] คนอื่น ๆ ที่ ได้รับการพิจารณา ได้แก่George C. Scott , Richard Conte , Anthony QuinnและOrson Welles [66] [69] [70] Welles เป็นตัวเลือกที่ Paramount ชื่นชอบสำหรับบทบาทนี้ [71]
หลังจากการโต้วาทีหลายเดือนระหว่างคอปโปลาและพาราเมาท์เหนือแบรนโด ผู้เข้ารอบสองคนสุดท้ายสำหรับบทบาทนี้คือบอร์กไนน์และแบรนโด[72]ซึ่งสแตนลีย์ แจฟเฟ ประธานพาราเมาท์ ต้องทำการทดสอบหน้าจอ [73] [74]คอปโปลาไม่ต้องการรุกรานแบรนโดและระบุว่าเขาจำเป็นต้องทดสอบอุปกรณ์เพื่อตั้งค่าการทดสอบหน้าจอที่บ้าน ใน แคลิฟอร์เนีย ของแบรนโด [74] [75]สำหรับการแต่งหน้า แบรนโดติดสำลีก้อนไว้ที่แก้มของเขา[72]ใส่ยาขัดรองเท้าลงในผมเพื่อให้สีเข้มขึ้น และม้วนปกเสื้อ คอปโปลาวางเทปออดิชั่นของแบรนโดไว้ตรงกลางวิดีโอของเทปออดิชั่นขณะที่ผู้บริหารของ Paramount ดูพวกเขาผู้บริหารรู้สึกประทับใจกับความพยายามของแบรนโดและอนุญาตให้คอปโปลาคัดเลือกแบรนโดมารับบทนี้หากแบรนโดยอมรับเงินเดือนที่ต่ำกว่าและผูกมัดเพื่อให้แน่ใจว่าเขาจะไม่ทำให้การผลิตล่าช้า [72] [77] [78]แบรนโดได้รับ 1.6 ล้านดอลลาร์จากข้อตกลงการมีส่วนร่วมสุทธิ [79]
ตั้งแต่เริ่มต้นการผลิต คอปโปลาต้องการให้โรเบิร์ต ดูวัลล์มารับบททอม ฮาเกน และดู วัลล์ก็ได้รับบทนี้ [80] [81]อัล มาร์ติโนนักร้องชื่อดังในไนท์คลับในขณะนั้น ได้รับแจ้งเกี่ยวกับตัวละครจอห์นนี่ ฟอนทาเนโดยเพื่อนที่อ่านนวนิยายเรื่องนี้และรู้สึกว่ามาร์ติโนเป็นตัวแทนของตัวละครของจอห์นนี่ ฟอนทาเน จากนั้นมาร์ติโนติดต่อผู้อำนวยการสร้างอัลเบิร์ต เอส. รัดดี ซึ่งเป็นผู้มอบบทนี้ให้กับเขา อย่างไรก็ตาม มาร์ติโนถูกปลดจากบทนี้หลังจากที่คอปโปลาเข้ามาเป็นผู้กำกับ จากนั้นจึงมอบบทนี้ให้กับนักร้องVic Damone ตามที่มาร์ติโนกล่าวว่าหลังจากถูกปลดออกจากตำแหน่ง เขาก็ไป รัสเซลล์ บูฟาลิโน พ่อทูนหัวของเขาและเป็นหัวหน้าแก๊งอาชญากร ซึ่งต่อมาก็จัดการตีพิมพ์บทความข่าวต่างๆ ที่อ้างว่าคอปโปลาไม่รู้ว่ารัดดีให้บทของมาร์ติโน [21]ในที่สุด Damone ก็ทิ้งบทบาทนี้เพราะเขาไม่ต้องการยั่วยุฝูงชน นอกเหนือจากการได้รับค่าจ้างน้อยเกินไป [21] [82]ในที่สุด ส่วนของ Johnny Fontane ก็มอบให้กับ Martino [21] [82]
เดิมที โรเบิร์ต เดอ นีโรได้รับบทพอลลี กัตตู [83] [72]จุดหนึ่งในThe Gang That Cann't Shoot Straightเปิดขึ้นหลังจากที่Al Pacinoออกจากโปรเจ็กต์เพื่อสนับสนุนThe Godfatherซึ่งทำให้ De Niro ไปออดิชั่นสำหรับบทนี้และออกจากThe Godfatherหลังจากได้รับบทนี้ [83] [84]เดอ นีโร ยังได้คัดเลือกให้รับบทเป็น ซันนี่ คอร์เลโอเน [85] [86] [87]หลังจากเดอ นีโรลาออกจอห์นนี่ มาร์ติโนได้รับบทบาทเป็นกัตตู [21]คอปโปลาเลือกไดแอน คีตันสำหรับบทบาทของเคย์ อดัมส์ เนื่องจากชื่อเสียงของเธอในการเป็นประหลาด _ John Cazale ได้ รับบท Fredo Corleone หลังจากที่ Coppola เห็นเขาแสดงในการผลิตนอกบรอดเวย์ Gianni Russo ได้รับบทบาทเป็น Carlo Rizzi หลังจากที่เขาถูกขอให้ทำการทดสอบหน้าจอซึ่งเขาได้แสดงการต่อสู้ระหว่าง Rizzi และ Connie [89]
ใกล้จะเริ่มถ่ายทำในวันที่ 29 มีนาคมไมเคิล คอร์เลโอเนยังไม่ได้รับเลือก [90]ผู้บริหารของ Paramount ต้องการนักแสดงยอดนิยม ไม่ว่าจะเป็นWarren BeattyหรือRobert Redford [91] [72] [92]ผู้อำนวยการสร้าง Robert Evans ต้องการให้Ryan O'Nealได้รับบทนี้ เนื่องจากความสำเร็จล่าสุดของเขาในLove Story [92] [93]ปาชิโนเป็นคนโปรดของคอปโปลาสำหรับบทนี้[33]เนื่องจากเขาสามารถนึกภาพเขาท่องไปในชนบทของซิซิลี และต้องการนักแสดงที่ไม่รู้จักซึ่งดูเหมือนชาวอิตาเลียน-อเมริกัน [35] [92] [93]อย่างไรก็ตามผู้บริหารของ Paramount พบว่า Pacino สั้นเกินไปที่จะเล่นเป็น Michael [17] [21] Dustin Hoffman , Martin SheenและJames Caanก็คัดเลือกเช่นกัน เบิ ร์ ต เรย์โนลด์สได้รับการเสนอให้รับบทเป็นไมเคิล แต่มาร์ลอน แบรนโดขู่ว่าจะลาออกหากเรย์โนลด์ได้รับการว่าจ้าง ดังนั้นเรย์โนลด์จึงปฏิเสธบทบาทนี้ [94] แจ็ค นิโคลสันได้รับการเสนอบทนี้เช่นกัน แต่ปฏิเสธไปเพราะเขารู้สึกว่านักแสดงชาวอเมริกันเชื้อสายอิตาเลียนควรรับบทนี้ [95] [96] Caan ได้รับการต้อนรับอย่างดีจากผู้บริหาร Paramount และได้รับบท Michael ในตอนแรก ในขณะที่บทของSonny Corleone ตกเป็นของ Carmine Caridi. คอปโปลายังคงผลักดันให้ปาชิโนเล่นไมเคิลหลังจากความจริงแล้วอีแวนส์ก็ยอมรับในที่สุด ปล่อยให้ปาชิโนมีบทบาทเป็นไมเคิลตราบเท่าที่คานเล่นซันนี่ Evans ชอบ Caan มากกว่า Caridiเพราะ Caan เตี้ยกว่า Caridi เจ็ดนิ้วซึ่งใกล้เคียงกับความสูงของ Pacino มาก แม้จะตกลงที่จะเล่น Michael Corleone แต่ Pacino ก็ได้รับสัญญาให้แสดงในThe Gang That Can't Shoot Straight ของ MGM แต่สตูดิโอทั้งสองตกลงเรื่องข้อตกลงและ Pacino ลงนามโดย Paramount สามสัปดาห์ก่อนการถ่ายทำจะเริ่มขึ้น [98]
คอปโปลามอบบทบาทหลายอย่างในภาพยนตร์ให้กับสมาชิกในครอบครัว เขาให้ พี่สาวของเขาทาเลีย ไชร์รับบทเป็นคอนนี คอร์เลโอเน [99] [100]โซเฟียลูกสาวของเขาเล่นเป็นไมเคิล ฟรานซิส ริซซี ลูกชายแรกเกิดของคอนนีและคาร์โล [21] [101] คาร์มีน คอปโปลาพ่อของเขา ปรากฏตัวในภาพยนตร์เรื่องนี้โดยเล่นเปียโนเป็นพิเศษระหว่างฉาก [102]ภรรยา แม่ และลูกชายสองคนของคอปโปลาล้วนปรากฏเป็นตัวประกอบในภาพ [21]
บทบาทเล็กๆ หลายบทบาท เช่นลูกา บราซี ถูกคัดเลือกหลังจากการถ่ายทำเริ่มขึ้น [103]
การถ่ายทำ
ก่อนที่การถ่ายทำจะเริ่มต้นขึ้น เหล่านักแสดงได้รับช่วงเวลา 2 สัปดาห์สำหรับการซ้อม ซึ่งรวมถึงอาหารค่ำที่นักแสดงแต่ละคนจะต้องสวมบทบาทเป็นตัวละครในช่วงเวลานั้น การ ถ่ายทำมีกำหนดเริ่มในวันที่ 29 มีนาคม พ.ศ. 2514 โดยมีฉากระหว่าง Michael Corleone และ Kay Adams ขณะที่พวกเขาออกจากBest & Co.ในนิวยอร์กซิตี้หลังจากซื้อของขวัญคริสต์มาส [105] [106]สภาพอากาศในวันที่ 23 มีนาคมทำนายว่าหิมะจะโปรยปราย ซึ่งทำให้ Ruddy ต้องเลื่อนวันถ่ายทำไปข้างหน้า หิมะไม่เกิดขึ้นจริงและมีการใช้เครื่องทำหิมะ [106]การถ่ายทำหลักในนิวยอร์กดำเนินต่อจนถึงวันที่ 2 กรกฎาคม พ.ศ. 2514 [107] [108]คอปโปลาขอพักสามสัปดาห์ก่อนที่จะเดินทางไปต่างประเทศเพื่อถ่ายทำในซิซิลีหลังจากการจากไปของลูกเรือในซิซิลี Paramount ได้ประกาศว่าวันที่เผยแพร่จะถูกย้ายไปยังต้นปี พ.ศ. 2515
ในตอนแรกผู้ กำกับภาพGordon Willisปฏิเสธโอกาสในการถ่ายทำThe Godfatherเพราะงานสร้างดู "วุ่นวาย" สำหรับเขา [111] [97]หลังจากที่วิลลิสยอมรับข้อเสนอในภายหลัง เขาและคอปโปลาตกลงที่จะไม่ใช้อุปกรณ์ถ่ายทำที่ทันสมัย เฮลิคอปเตอร์ หรือเลนส์ซูม วิลลิสและคอปโปลาเลือกใช้ "รูปแบบฉาก" ในการถ่ายทำเพื่อให้ดูเหมือนว่าถูกมองเหมือนภาพวาด เขาใช้ เงาและระดับแสงน้อยตลอดทั้งเรื่องเพื่อแสดงพัฒนาการทางจิตใจ วิลลิสและคอปโปลาตกลงที่จะเล่นฉากสว่างและมืดตลอดทั้งเรื่อง [42]Willis ปรับแสงให้ฟิล์มมืดลงเพื่อสร้าง "โทนสีเหลือง" ฉากใน ซิซิลีถ่ายทำเพื่อแสดงชนบทและ "แสดงดินแดนที่โรแมนติกมากขึ้น" ทำให้ฉากเหล่านี้มีความรู้สึก "นุ่มนวล โรแมนติกมากขึ้น" มากกว่าฉากในนิวยอร์ก [113]
.jpg)
หนึ่งในช่วงเวลาที่น่าตกใจที่สุดของภาพยนตร์เรื่องนี้เกี่ยวข้องกับหัวม้าที่ถูกตัดขาด [35] [114]สถานที่ถ่ายทำฉากนี้ถูกโต้แย้ง เนื่องจากบางแหล่งระบุว่าถ่ายทำที่Beverly Estateในขณะที่บางแหล่งระบุว่าถ่ายทำที่Sands Point Preserveบนลองไอส์แลนด์ [115] [116] [117]คอปโปลาได้รับคำวิจารณ์เกี่ยวกับฉากนี้ แม้ว่าหัวจะได้มาจากบริษัทอาหารสุนัขจากม้าที่จะถูกฆ่าโดยไม่คำนึงถึงภาพยนตร์เรื่องนี้ก็ตาม [118] ในวันที่ 22 มิถุนายน ฉากที่ซันนี่ถูกสังหารถูกยิงบนรันเวย์ที่ สนามมิทเชล ฟิลด์ในยูเนี่ยนเดล ซึ่งมีการสร้างด่านเก็บค่าผ่านทางสามด่าน พร้อมด้วยราวกั้น และป้ายโฆษณาเพื่อจัดฉากรถของ ซันนี่เป็นรถลินคอล์นคอนติเนนตัลปี 1941 ที่เจาะรูเพื่อให้ดูเหมือนรูกระสุน [120] [121]ฉากนี้ใช้เวลาถ่ายทำสามวันและใช้เงินกว่า 100,000 ดอลลาร์ [122] [121]
คำขอของคอปโปลาในการถ่ายทำนั้นถูกปฏิบัติ; ประมาณ 90 เปอร์เซ็นต์ถ่ายทำในนิวยอร์กซิตี้และชานเมืองโดยรอบ[123] [124]โดยใช้สถานที่ที่แตกต่างกันมากกว่า 120 แห่ง หลายฉากถ่ายทำที่Filmwaysในอีส ต์ฮา ร์เล็ม [126]ส่วนที่เหลือถ่ายทำในแคลิฟอร์เนียหรือในสถานที่ในซิซิลี ฉากที่ถ่ายทำในลาสเวกัสไม่ได้ถ่ายทำในสถานที่จริงเพราะมีเงินทุนไม่เพียงพอ [123] [127] SavocaและForza d'Agròเป็นเมืองในซิซิลีที่แสดงในภาพยนตร์เรื่องนี้ ฉากแต่งงานเปิดตัวถ่ายทำในเกาะสแตเทนพื้นที่ใกล้เคียงโดยใช้เกือบ 750 คนในพื้นที่เป็นพิเศษ [124] [129]บ้านที่ใช้เป็นครัวเรือนของ Corleone และสถานที่แต่งงานอยู่ที่ 110 Longfellow Avenue ในย่านTodt Hillของเกาะ Staten [130] [129] [60]ผนังรอบสารประกอบคอร์เลโอเนทำจากโฟม [129]ฉากที่ตั้งขึ้นในและรอบๆ ธุรกิจน้ำมันมะกอก Corleone ถ่ายทำที่Mott Street [125] [131]
หลังจากการถ่ายทำสิ้นสุดลงในวันที่ 7 สิงหาคม[132]ความพยายามหลังการถ่ายทำมุ่งเน้นไปที่การตัดต่อภาพยนตร์ให้มีความยาวที่จัดการได้ นอกจากนี้ โปรดิวเซอร์และผู้กำกับยังคงรวมและนำฉากต่างๆ ออกจากตอนจบ พร้อมกับตัดแต่งลำดับบางอย่าง [134]ในเดือนกันยายน มีการดูการตัดภาพคร่าวๆ ครั้งแรกของภาพยนตร์เรื่องนี้ หลาย ฉากที่ถูกลบออกจากภาพยนตร์เรื่องนี้มีศูนย์กลางอยู่ที่ซันนี่ซึ่งไม่ได้ทำให้โครงเรื่องก้าวหน้า ภายในเดือนพฤศจิกายน Coppolaและ Ruddy จบรอบรองชนะเลิศ การ ถกเถียงกันเรื่องบุคลากรที่เกี่ยวข้องกับการตัดต่อขั้นสุดท้ายยังคงอยู่แม้ 25 ปีหลังจากภาพยนตร์เรื่องนี้ออกฉาย [136]ภาพยนตร์เรื่องนี้ฉายต่อเจ้าหน้าที่และผู้แสดงสินค้าของ Paramount ในปลายเดือนธันวาคม พ.ศ. 2514 และมกราคม พ.ศ. 2515 [137]
ดนตรี
คอปโปลาจ้างนักแต่งเพลงชาวอิตาลีนีโน โรตาเพื่อสร้างคำย่อสำหรับภาพยนตร์เรื่องนี้ รวมถึง " Love Theme from The Godfather " [138] [139]สำหรับคะแนน โรตาต้องเกี่ยวข้องกับสถานการณ์และตัวละครในภาพยนตร์ และนำบางส่วนมาจากเพลงประกอบภาพยนตร์Fortunella ปี1958 ของเขา เพื่อสร้างความรู้สึกแบบอิตาลีและกระตุ้นโศกนาฏกรรมในภาพยนตร์ อีแวนส์ผู้บริหารระดับสูงพบว่าคะแนน "สูง" เกินไปและไม่ต้องการใช้; อย่างไรก็ตาม มันถูกใช้หลังจากที่คอปโปลาพยายามทำให้อีแวนส์เห็นด้วย [138] [139]คอปโปลาเชื่อว่าดนตรีประกอบของ Rota ทำให้ภาพยนตร์เรื่องนี้มีกลิ่นอายของอิตาลีมากยิ่งขึ้น Carmineพ่อของ Coppola สร้างดนตรีเพิ่มเติมสำหรับภาพยนตร์เรื่องนี้โดยเฉพาะเพลงที่วงดนตรีเล่นในฉากเปิดงานแต่งงาน [139] [140]
ดนตรีประกอบ ได้แก่ " C'è la luna mezzo mare " และเพลง ของCherubino, "Non so più cosa son" จากLe Nozze di Figaro มีเพลงประกอบภาพยนตร์เปิดตัวในปี พ.ศ. 2515 ในรูปแบบไวนิลโดยParamount Recordsในรูปแบบซีดีในปี พ.ศ. 2534 โดยGeffen Recordsและแบบดิจิทัลโดย Geffen เมื่อวันที่ 18 สิงหาคม พ.ศ. 2548 [142] อัลบั้มนี้มีเพลงมากกว่า 31 นาทีที่ ถูกใช้ในภาพยนตร์ ซึ่งส่วนใหญ่แต่งโดย Rota พร้อมด้วยเพลงจาก Coppola และอีกหนึ่งเพลงโดย Johnny Farrow และMarty Symes [143] [144] [145]ออลมิวสิค ให้อัลบั้มนี้ 5 ใน 5 โดยบรรณาธิการ Zach Curd กล่าวว่าเป็น "ซาวด์แทร็กที่มืดมนและสง่างาม" บรรณาธิการของ Filmtracksเชื่อว่า Rota ประสบความสำเร็จในการเชื่อมโยงดนตรีเข้ากับประเด็นหลักของภาพยนตร์
การอ้างอิงวรรณกรรม
ครอบครัว Corleone มีความคล้ายคลึงกับตระกูล Karamazov ในThe Brothers Karamazov อย่างใกล้ชิด : พ่อที่มีอำนาจ, ลูกชายคนโตที่หุนหันพลันแล่น, ลูกชายที่เป็นนักปรัชญา, ลูกชายที่อารมณ์ดี, และลูกเลี้ยงบุญธรรมที่ดูแลเป็นพนักงาน นวนิยายเรื่องLe Père Goriot (1835) ของ Honoré de Balzacเป็นแรงบันดาลใจสำหรับบทเด่นที่ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในประวัติศาสตร์ภาพยนตร์ ในทำนองเดียวกัน Puzo เปิดนวนิยายของเขาในปี 1969 ด้วยบทประพันธ์ที่ได้รับความนิยมจาก Balzac: "เบื้องหลังความโชคดีทุกอย่างย่อมมีอาชญากรรม" คำพูดนี้น่าจะพัฒนาไปตามกาลเวลาจากข้อความดั้งเดิมของบัลซัคที่ว่า "ความลับของความสำเร็จอันยิ่งใหญ่ซึ่งคุณไม่ต้องพูดถึงคืออาชญากรรมที่ไม่เคยถูกค้นพบเพราะมันถูกดำเนินการอย่างถูกต้อง" [3]
"ฉันจะยื่นข้อเสนอที่เขาปฏิเสธไม่ได้" รวมอยู่ในทั้งนวนิยาย Puzo ต้นฉบับและในภาพยนตร์ดัดแปลง เป็นคำพูดภาพยนตร์อันดับสองที่รวมอยู่ในAFI's 100 Years...100 Movie Quotes (2005) โดยAmerican Film Institute ต้นกำเนิดของมันอาจมาจากงานเดียวกันกับที่ Balzac ได้รับเครดิตจากบทประพันธ์เปิด Balzac เขียนถึงVautrinบอก Eugene: "ในกรณีนั้น ฉันจะยื่นข้อเสนอที่ไม่มีใครปฏิเสธให้คุณ" [4]
อิทธิพลในชีวิตจริง
นวนิยายส่วนใหญ่อิงจากความเป็นจริง โดยเฉพาะอย่างยิ่งประวัติของ " ห้าครอบครัว " องค์กร มาเฟียในนิวยอร์กและบริเวณโดยรอบ นวนิยายเรื่องนี้ยังมีการพาดพิงถึงมาเฟียในชีวิตจริงและพรรคพวก ตัวอย่างเช่น Johnny Fontane สร้างจากFrank Sinatra , [5] [6]และMoe GreeneจากBugsy Siegel [7] [8]นอกจากนี้ ตัวละครของ Vito Corleone ยังประกอบไปด้วยหัวหน้ากลุ่มอาชญากรในชีวิตจริงFrank CostelloและCarlo Gambino
ไม่มีความคิดเห็น:
แสดงความคิดเห็น